Sunday, January 25, 2009

Travelling Vertical



Barry Lyndon
Director: Stanley Kubrick
Año: 1975


El tiempo ha pasado y el séptimo arte es testigo de ello de manera participativa. Sirviéndonos como medio visual de la historia de la humanidad, algunas veces subjetivamente, lo más apegada a la verdad histórica o situando dramas humanos paralelos a momentos históricos de la humanidad. Debido a eso nunca está de más retomar a los grandes maestros del lenguaje cinematográfico y analizar desde nuestra perspectiva alguna de sus grandes obras. Uno de esos maestros es Stanley Kubrick, quien seguramente muchos han escuchado nombrar y una de sus grandes obras es Barry Lyndon. Cinta ambientada en gran Bretaña del siglo XVII, que en lo profundo de ella y en la mente de Kubrick, realiza una crítica, no al estilo de vida de la burguesía británica, si no a quien renuncia a la belleza natural de la vida por la ostentosidad sin estar consciente del daño que se hace a sí mismo.

Barry Lyndon es el nombre de un joven granjero que está enamorado de su prima que después de hacerle creer que ella también lo quiere se compromete con un capitán Inglés. Llevando a Barry Lyndon a un duelo que lo obliga a huir de la campiña e introducirse en un mundo que le es desconocido pero, al que su inteligencia y falta de sensibilidad después de haberla perdido en el momento en que fue engañado por la mujer que amaba, le señalan un camino de avaricia y arrogancia de fácil acenso; si se va la vida en esa búsqueda de placer. Justamente como Barry Lyndon hace en su ficticia bibliografía fílmica.

Stanley Kubrick nos regala una obra de cine que ejemplifica porque el séptimo arte es tan apreciado al conjugar de forma majestuosa otras artes. En Barry Lyndon, Kubrick no solo entrega un discurso sobre las pasiones del hombre, también relata una pieza digna de las mejores novelas de época, así como nos enseña sobre apreciación de las imágenes en movimiento a través de las emociones de los personajes, uniéndolas a una melodía minimal que se convierte en un personaje a la par con el narrador externo de la película. Haciendo de Barry Lyndon una gran película que cierra el círculo en cuanto a Stanley Kubrick, que llevo la mayoría de los géneros del cine a un nivel de realización y análisis como nadie lo ha hecho.

Travelling Vertical



Lake Tahoe
Director: Fernando Eimbcke
Año: 2008


Esta es una película de la que voy a mencionar pocas cosas para sintetizar y no dar vueltas sobre el cine mexicano en la actualidad. Del director se que su primer película es temporada de patos y me pareció mala, acerca de Lake Tahoe desde el inicio me hace pensar en Mystery Train de Jim Jarmusch.

Lake Tahoe es una buena película narrada al estilo de dos o tres directores que son influencia para Fernando Eimbke. La fotografía es buena y la historia es agradable y un poco sórdida. Hay que subrayar que el cine en México como cualquier otro arte esta constituido de una variada gama de influencias del extranjero y que esto no demerita, reafirma una cultura llena de contrastes y capaz de adaptarse a otras maneras de pensar sin perder su identidad. Como se nota en la historia de Lake Tahoe donde el plot principal esta ligado a la muerte y su influencia en la vida de un joven que durante la película esta perturbado por la muerte de su padre.

Yuggoth

Nautilos
navega sobre Dagón
sus luces fluorescentes imitan al cielo
Su sonido:
Mar purpura
Noche de acuario

La precipitación

En todo lugar
Los libros hablan sobre ti
Derrumbe de hojas

Inundación ocre
A extremos de la Cd

Thursday, January 22, 2009

Despedir enero

Las niñas huyen
Hacen equipos
En una cancha, en cemento
Gritan formulas para crecer
Con disparos de izquierda y derecha
Espejismo de las once
Abre paso a la última hora
Y pueda tomar el mundo entre nuestras manos
Reescribirlo después de la lluvia Kores
Contrarrestar matemáticas y español
En el libro perdido de historia

Te beso usando catalejos
Óptico contemplo
La caída de tu suéter
Rupturas en el pans
Un cabello que contiene esporas de los arboles
Que indican con su sombra mi regreso a casa
Es la tarde de enero una postal acartonada
La moneda soluble en casi una década.

Monday, January 19, 2009

Víspera laser

Confort de neón apagado
Un planeta de cosas amontonadas
(Aguardan sin respirar)

Mini epopeyas del tiempo
En 1983
Día 21, día 19, día 26

Una vuelta y el mismo lugar
Describen el amor en laser


Invierno periférico
Estruendo del cambio de track
No es suficiente la noche de súper carretera
Cuarenta minutos de viaje en subterráneo
O un pasaporte sellado en Canadá.

Friday, January 09, 2009

Dr Doom

Debe existir una pausa
entre tanto tiempo
y
limites para el espacio

Thursday, January 08, 2009

Travelling Vertical



Alphaville
Director: Jean- Luc Godard
Año: 1965


La literatura distingue al género de la ciencia ficción en dos categorías: ciencia ficción ligera y ciencia ficción dura. En la primera los cuentos que se dan a conocer o que son narrados no están sujetos a un juicio científico, dando por establecido que cualquier situación es posible dentro de ese universo o discurso narrativo. En la ciencia ficción dura, las historias están vinculadas lo mas que se pueda a los conocimientos científicos y a posibles avances técnicos. Lo que propicia rigor en el discurso narrativo llevándonos a un estilo que por su misma complejidad es mas realista y por ende debe ser tratado con mayor cuidado, porque sino termina en una simple pretensión.

Dentro del séptimo arte el género de ciencia ficción también puede ser dividido en esas dos categorías, pero me es difícil pensar en películas del género que sean ciencia ficción dura. Debido a que el género es y ha sido utilizado en su mayoría como un sencillo entretenimiento a pesar de ello 2001: una odisea en el espacio (1968, S. Kubrick), Solaris (1972, Tarkovsky), Primer (2004, Shane Carruth), Ghost in the Shell (2004, Mamoru Oshii) y Alphaville, son un ejemplo de esa categoría del genero, además de que cada una de ellas representantes de distinta generaciones del cine.

Alphaville es una ciudad de otra galaxia a donde es enviado el espía Lemy Caution haciéndose pasar por un reportero con el objetivo de eliminar al creador de un sistema (Alpha 60), el cual suprime las emociones de las personas guiándolas a una sociedad que elimina la voluntad de los individuos con el objetivo de que todos sean parte de un bien superior. Sin embargo el adoctrinamiento de Alpha 60 no tiene el mismo efecto con todas las personas lo que lleva a eliminar a quienes se oponen al sistema.

La película como destacada obra de la Nouvelle vague cuenta con el héroe que parece un antihéroe, el villano con un gran poder, el distintivo blanco y negro y un buen y estructurado romance dentro de la película. También lo que vale la pena señalar es la teoría del filme sobre el lenguaje y las emociones. Porque en Alphaville las palabras que Alpha 60 suprime del conocimiento de las personas afecta en la experiencia de la gente, volviéndola incapaz de comunicarse mas allá de las palabras. En un lenguaje limitado y rediseñado para la creación de una sociedad distópica. Justamente lo que lleva a esta obra de la cinematografía a compararse con la literatura en 1984 de G. Orwell y un mundo de feliz de A. Huxley. Y por lo que se encuentra en la categoría de ciencia ficción dura, ya que le basta con un guión solido e innovador para hacernos sentir fuera de este mundo o en futuro posible. Lo que hace de Alphaville una gran obra de cine a pesar de que la mayoría de las personas no van a verla.

Friday, January 02, 2009

Travelling Vertical




Aelita
Director: Yakov Protazanov
Año:1924


Durante varias décadas el cine ruso tuvo una época grande en cuanto a producción fílmica no solo en realización, también en la calidad de sus contenidos llenos de una notable carga social y política. Incluso muchos años después la llegada de la Perestroika propicio que a finales de los años 80 se diera un diminuto boom en el cine ruso de esa época, aunque dicho movimiento marco el fin de una industria que se había hecho un nombre gracias a Essestein y Tarkovsky.

En la actualidad quizá la cinta más vista en Latinoamérica de origen ruso es guardianes de la noche y del dia (2004,2006 Timur Bekmambetov) pero, lo único remarcable de esa cinta son los artificios tecnológicos así que no me voy a detener más tiempo en ella. Contrario a esta y de inicio de esta década hallamos el regreso (2003, Andréi Zvyagintsev ) una verdadera obra de cine con identidad una historia narrada elocuentemente. Sin embargo en esta reseña iremos 85 años en el pasado para hablar de AELITA un filme que si tuviéramos que encasillarlo iría más allá de la ciencia ficción.

La película en blanco y negro, cobijada por el silencio de las voces de los actores y una pieza de música clásica le otorgan un tono parecido al teatro sobre todo cuando el contexto cambia de la Tierra a Marte. Aelita consiste en una historia dividida entre el drama humano y el extraterrestre y nos deja claro esa idea de que el cine es lo más cercano al mundo de los sueños. Mucho antes de que esa frase se acuñara y se convirtiera en una formula barata para resolverle el mundo a escritores de Reader’s digest y las actuales producciones estadunidenses.

Aelita es el nombre de la reina de Marte que a través de unos cristales puede ver la vida en la Tierra de un ingeniero espacial que entregado a su trabajo se confunde entre la realidad y su imaginación convirtiendo su vida en un martirio para si mismo y para la mujer que ama. En la película vemos una sociedad humana que ha absuelto la esclavitud pero, le ha dado paso a la división de clases y a batallas individuales en las emociones y deseos de las personas. Y en Marte (un planeta de corte expresionista) la civilización esta bajo un régimen que mantiene a la mayoría en la esclavitud e incluso Aelita es restringida de tomar sus propias decisiones. Lo que da pauta a que la trama nos lleve a manera de ciencia ficción a la confrontación de los individuos contra los demonios más ridículos de las personas: los celos y el poder.