Travelling Vertical

El topo
Dirección: Alejandro Jodorowsky
Año: 1970

Hace unos meses una publicación en la red subió información sobre trece lecciones para hacer cine según Jodorowsky. Como renuente lector on line leí unas dos o tres lecciones y me quedo claro que Jodorowsky era un autor de cine para sí mismo. Con sus lecciones (después de leerlas todas) intenta no fomentar el hacer cine, él trata de explicarse como realizador y dejar en claro que las películas deben tener contenidos espirituales y físicos. Revelar el cine como una extensión de nosotros y la realidad que hemos creado. Otras versiones menos exaltadas y entre charlas me comentaban que Jodorowsky trabajó con el dibujante Moebius haciendo comics, confieso que me atrajo su versatilidad porque lo que yo sabía era que su producción artística se limitaba a la literatura. A pesar de tenerlo hasta en la sopa fue hasta el lunes pasado que vi el topo y comprobé su congruencia y visceralidad como autor, supongo que a veces va demasiado lejos y por eso el topo es una gran película, pero me deja con una nausea exagerada y sin ganas de volver a verla completamente. Y es que dicha película se divide en dos partes, aunque jodorowsky piense distinto si lee esta reseña.

La primera parte es un western con una sobresaliente ambientación de tono y ritmo que nos hace pensar que no vemos una película, su fluidez narrativa es similar a la de leer un libro. En una historia de la que tenemos una lectura en fotogramas por segundo sobre un pistolero que viaja con su hijo por el desierto y juntos encuentran un pueblo donde ocurrió una matanza. En ese punto el destino guía a padre e hijo a los múltiples asesinos de la gente de ese pueblo y hacia un futuro que los aísla; entonces la historia se centra en el pistolero demostrándonos que ese hombre es un ser excepcional, no solo dotado con la habilidad de manejar un arma, también iluminado espiritualmente. Sin embargo como cualquiera es corrompido por el poder y conocimiento.

La segunda mitad de la película se enfoca hacia la crítica social y lo hace de forma despiadada. La sociedad es presentada grotesca, mentirosa, llena de temores, perversa, insensible, un espejo de cuerpo completo. La película se satura de transgresión y se vuelve un escupitajo en el rostro del espectador, claro la historia no se pierde, seguimos con el personaje del pistolero que es rescatado por un grupo de personas en su mayoría con malformaciones físicas, hasta que despierta y sin poder quedarse ciego ante la injusticia y el desprecio que las personas del pueblo cometen al grupo de personas que lo rescataron, decide ayudarlos y tal vez de esa forma lograr absolución de sus actos en el pasado.

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Batman / The Dark Knight
Director: Christopher Nolan
Año: 2008

En la actualidad el universo de los comics ha evolucionado, al nivel de convertirse en el umbral de la literatura y la plástica para millones de personas. Desencadenando una euforia en las productoras de cine más poderosas que año con año apuestan por películas basadas en historietas. Circunstancia que en el pasado desearon algunos fans del comic. Una época en la que DC y Marvel comics dominaban el mercado adaptando las historias de sus personajes al mundo moderno, dejando atrás la manía de hacer héroes capitalistas y villanos socialistas. Lo que llevo a historias capaces de tocar a generaciones de lectores que nada tenían que ver con los “baby boombers”. Obviamente que con dicha reestructuración muchos personajes de DC y Marvel quedarían sin rumbo, circunstancia que llego a afectar mas a DC, al grado de que a Superman hasta lo tuvieron que matar. Mientras que otros se vieron favorecidos por el hecho de tener sus propios demonios y empezar una lucha contra ellos, en lugar de andar vendiendo banderas.

Hoy en día Batman y Spiderman son el referente no solo de los comics, también de las adaptaciones en el cine. Siendo sus películas las mejores a pesar de que ahora existan mas editoriales que se dedican a la industria de los comics y empiecen a construir sus propios mitos. Como es el caso de Hellboy de Dark Horse comics que en determinados asentamientos geográficos y sociales ha sido favorecido por el cine. Curiosamente las mejores películas de superhéroes de esos tres personajes han sido las segundas partes. Sin embargo Batman, The Dark Knight hasta el momento supera ha cualquier película basada en un comic. Batman, The Dark Knight es un homenaje en cine al comic y una reivindicación con los cercanos seguidores del universo del hombre murciélago, así como un despertar para aquellos que ya vieron la película y no han leído: The Dark Knight Returns, Arkham Asylum y The Killing Joke.

En esta segunda entrega la visión de Christopher Nolan nos lleva a un Batman confrontado, en la cuerda floja por así decirlo. Un antihéroe que ha perdido su mayor ventaja sobre los criminales de Ciudad Gótica. El miedo infundido por él ya no es el mismo. Con la llegada del Joker, queda expuesto como alguien limitado a las reglas y en un momento de la película sin motivos para seguir siendo el caballero de la noche. Además la ciudad encuentra en el fiscal Harvey Dent a un nuevo héroe que por una cara esta acatado a la constitución, él es el personaje que Gótica necesita, un funcionario publico con la fuerza necesaria para destruir el índice criminal de la ciudad, quien aliado a el comisionado James Gordon y Batman forman un martillo en contra de la mafia. Criminales que encuentran como única solución al hombre de la sonrisa eterna, el rey payaso del crimen. Un villano elocuente que a través de la película adquiere ese carácter mítico que en los comics es evidente. Su propósito el caos, las cosas sencillas de la vida, la dinamita, la pólvora y los cuchillos. Un acierto del guión, porque cada vez que el Joker se define, ayuda a definir a los otros personajes y que no se diga más.

House of Cards / radiohead

I don't wanna be your friend
I just wanna be your lover
No matter how it ends
No matter how it starts

Forget about your house of cards
And I'll do mine
Forget about your house of cards
And I'll do mine

Fall off the table,
And get swept under
Denial, denial

The infrastructure will collapse
From carpet spikes
Throw your keys in the bowl
Kiss your husband 'good night'

Forget about your house of cards
And I'll do mine
Forget about your house of cards
And I'll do mine

Fall off the table,
And get swept under

Denial, denial
Denial, denial

Your ears are burning
Denial, denial
Your ears should be burning
Denial, denial

Travelling Vertical

La ex mujer de mi vida
Director: Josiane Balasko
Año: 2005

Decidí hacer la reseña de esta película de manufactura francesa simplemente porque es mejor otras del mismo país que vi en las últimas semanas y de las cuales esperaba más. Una de esas películas es la escafandra y la mariposa (Julian Schnabel, 2007) ganadora en el festival de Cannes y adulada por muchos, pero para mi es una película que reutiliza el tema del hombre ante la adversidad de una enfermad, lo único nuevo es una enfermedad distinta a otras películas como mi Pie izquierdo (Jim Sheridan, 1989) o Despertares (Penny Marshall, 1990) que para mala fortuna de los franceses son producciones de Hollywood. También la vendían diciendo que contenía imágenes sublimes, pero no es cierto, las imágenes están bonitas y punto, además se dan en momentos muy esporádicos. Para eso, es mejor ver toda la serie de Planeta Tierra realizada por la BBC. La otra cinta francesa es À l'intérieur (Alexandre Bustillo, 2007) película de género gore que desde el inicio promete ser repetitiva, sin imaginación y solo se puede rescatar la fotografía.

Sin embargo una industria que produce alrededor de 200 películas al año regularmente tiene varias cosas agradables de que hablar, como es el caso de la ex mujer de mi vida. Película de comedia que nos narra la vida de un escritor de cuentos de terror y fantasía que se reencuentra con su ex esposa. Situación que se vuelve complicada debido a que ella está embarazada y él se ve obligado a cuidarla a pesar de que aparentemente la detesta y estar comprometido con otra mujer.
La historia tiene un ritmo preciso y estable, aderezada por circunstancias que tratan de identificarse con el espectador, llena de personajes ridículos y a la vez enternecedores, además profundiza en las relaciones significativas de las personas, lo que lleva a una narrativa inteligente y sin prejuicios. Una película sencilla, sin mayores pretensiones y emocionalmente sincera.

Into my arms / Nick Cave

I don't believe in an interventionist God
But I know, darling, that you do
But if I did I would kneel down and ask Him
Not to intervene when it came to you
Not to touch a hair on your head
To leave you as you are
And if He felt He had to direct you
Then direct you into my arms
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my arms
And I don't believe in the existence of angels
But looking at you I wonder if that's true
But if I did I would summon them together
And ask them to watch over you
To each burn a candle for you
To make bright and clear your path
And to walk, like Christ, in grace and love
And guide you into my arms
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my armsAnd I believe in Love
And I know that you do too
And I believe in some kind of path
That we can walk down, me and you
So keep your candlew burning
And make her journey bright and pure
That she will keep returning
Always and evermore
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my arms

Travelling Vertical

Wall- E
Director: Andrew Stanton
Año: 2008

Primero; esto es animación por computadora y como tal, es el género más joven que existe en el cine. Entonces sí esta claro qué estamos viendo, es fácil entender la libertad creativa y las bases cinematográficas de la animación. Un género que al respetar esa necesidad de ir hacia lo inexplorado y a su vez lo fundamenta con el cine, se convierte en Wall – E.

La historia de Wall – E nace de los cerebritos que trabajan en las industrias Pixar, empresa que utiliza la tecnología en pro de la humanidad, si no me creen pueden revisar The incredibles (Brad Bird, 2004) y Ratatouille (Brad Bird, 2007 ). Wall – E es un robot abandonado en la Tierra que está programado para recolectar y organizar la basura y así ha sido durante 700 años con respecto a la línea del tiempo en la película. En un planeta donde ni un organismo vivo puede sobrevivir y los humanos han escapado al espacio, dejando un paisaje árido y desolado de lo que antes fue un edén. Es ahí donde este robot acumula basura y recuerdos albergando la esperanza de encontrar una compañera. Situación que puede sonarles descabellada, si así es: vuelvan al primer párrafo de esta reseña.

Evidentemente esta película es pura enseñanza a partir de imágenes y circunstancias que se narran de manera emotiva. En Wall-E se representa el ideal del amor, sentimiento que el robot aprende por medio del cine. Justo como aprenden de las emociones las personas sensibles y solitarias. Observando y racionalizando: la imagen y el movimiento. También vemos durante la primera parte de la película lo que es un homenaje al cine mudo, en escenas que rinden culto más que nada a la comedia silente. Hasta llevarnos a un viaje a la belleza del universo desconocido, hacia aquello que sólo podríamos ver por la magia del cine o nuestra imaginación. Ejemplo de ello son los ojos de Wall – E que reflejan una constelación de gases que emiten colores purpura o para no ir tan lejos la expulsión de una llamarada de plasma solar. Sin olvidarnos de la realidad de los estragos que puede causarle a la humanidad el consumo en masa y la dependencia a las maquinas (temas que también son expuestos en la película); así como la voluntad del ser humano por vivir.

La dinámica de Saturno

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Crónica de un desayuno
Director: Benjamín Cann
Año: 1999

La cinematografía en México durante las últimas cuatro o cinco décadas, no puede mencionar un número amplio de películas de calidad. Porque la industria del cine no existe y los proyectos para películas son captados por empresas que tienen como misión dos cosas: desarrollar cine que no entiende nadie y películas facilistas cuyo objetivo es ganar dinero. Por eso encontrar un producto de calidad es muy difícil y trompicado, lo positivo es que hay material rescatable. Ajeno a esta circunstancia, pero vinculado al cine, hallamos que en este país la vía donde transita el arte fílmico de calidad en una mayor cantidad es en el cortometraje. Probablemente porque el proceso de producción es mas arriesgado y esquiva procesos burocráticos. Regresando a las películas si tomamos otras alternativas como herramienta de búsqueda, descubrimos junto a otras, crónica de un desayuno.

Una película que nos entrega una mirada al núcleo familiar, a partir de una familia disfuncional que habita en la ciudad de México, en unos de tantos edificios viejos, donde se fraguan historias de forma paralela. La película inicia una noche antes, con la llegada de un hombre al departamento donde vive su esposa e hijos y el cruce con otro personaje que es parte de una historia diferente. Al amanecer los personajes van apareciendo y con ellos su frustración, rencor, imaginación, amor y adicciones. Entonces vemos el espíritu de la película que tiende hacia lo experimental utilizando recursos cinematográficos de un corte distinto al cine mexicano, por ejemplo: la gama de texturas, la iluminación, el guion, la vigencia de la historia y las proporciones o películas dentro de la película que escapan de lo acostumbrado. Quizá una excelente filme si le hubieran quitado unos cuantos grados de pretensión. Que a final de cuentas es de lo que regularmente sufre el cine experimental.