B.

tv on the radio - modern romance

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Demonios
Director: Lamberto Bava
Año: 1985

Se sabe que los años 80 son considerados la década de una generación perdida o generación X. sin logros, ni adelantos, pero no se le debe juzgar porque la época actual donde la cultura de reciclaje (que llego demasiado tarde) nos enseña a reconsiderar lo que se hizo en el pasado y algunas veces hasta se copia creaciones de otros tiempos. Para muestra de ello tenemos las famosas películas Planet Terror (Robert Rodríguez, 2007) y Death Proof (Quentin Tarantino, 2007) que se basaron en formulas de películas de serie B. Categoría del cine de bajo presupuesto y poca calidad en su contenido. A pesar de considerárseles de esa forma fue en la década de los 80 que se filmo Demonios de Lamberto Bava, una película con toda la estética de serie B y la carga generacional de esa época.

Del director podemos decir que cuando la película llego a la ciudad de Tuxtla Gutiérrez no se sabía nada de él y actualmente son pocos los que han visto Demonios y reconocen al hijo de Mario Bava. Un cineasta que desde sus inicios se preocupo por demostrar en sus películas aspectos oscuros de la manera de ser de las generaciones que vio pasar, en piezas de cine de terror, además de un lenguaje visual que inspiro a directores como Darío Argento, quien es él guionista de Demonios y ayudo a Lamberto Bava a realizar Demonios.

Demonios quizá no es la película más reconocida por la crítica, pero si es la de más fácil acceso ya que podemos verla o bajarla de la red. El filme es sobre una función de cine. La premier de una película de terror de serie B en una grindhouse (sala de cine que expone películas las 24 hrs). En la sala los espectadores son un grupo de personas representativas de la diversidad que existe en cualquier sociedad, que van a ver una película en donde una mascara desata una maldición convirtiendo a las personas en bestias, en demonios. Evento que ocurre de forma similar en la película de Demonios, como si Lamberto Bava basara su obra en un siniestro Deja Vu.

La película de Lamberto Bava no solo es buena por desarrollar dos películas a la vez e incluso un homenaje a La Mascara del Demonio (1960, Mario Bava) uno de las obras representativas de su padre, también revalora el cine de serie B y se sale de las convenciones del cine de horror, reemplazando los típicos zombis por seres humanos convertidos en demonios, además de considerar a grupos de Heavy en la banda sonora del filme.

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Masters of Horror: El cuento de Haeckel
Director: John McNaughton
Año: 2006

La serie de cine para tv masters of horror tiene tres películas que vale la pena escribir sobre ellas. Debido al respeto de sus directores por el género, bien apegado a las historias que cada una de estas nos cuentan. El sonido, la ambientación, las actuaciones, la aparición de la sangre en momentos precisos y el guion. Para quienes ya vieron la serie completa, saben a cuales películas me refiero. Si ese no es el caso, entonces seria bueno que revisaran Burn cigarretes (John Carpenter), Imprent (Takeshi Miike) y The Haekel’s tale, siendo esta última de la que escribo hoy.

En Haeckel’s tale la historia contextualizada en el siglo XIX es sobre un estudiante de medicina, llamado Ernst Haeckel, un joven burgués que inspirado por métodos experimentales de resurrección, busca a partir de la ciencia crear vida después de la muerte. Una idea que nos recuerda a Frankestein. Sin embargo el guion nos revela que es una historia alterna y que su relación es, que el mismo Haeckel estudia los apuntes de un doctor del cual no revelan su nombre para realizar sus experimentos. Talves los apuntes del Dr. Frankestein.
Haeckel después de experimentos fallidos, encuentra a un nigromante que hace trucos de magia magníficos. Lo que lleva a Haeckel a pedirle que reviva a un ser muerto. El acto se lleva a cabo y Haeckel después de discutir los secretos de la vida y la muerte, se va de la ciudad sin poder encontrar las respuestas que busca. Ya que debe realizar un largo viaje a su antiguo hogar, porque su padre está agonizando y necesita verlo.
Una travesía que lo lleva por un sendero en donde se enfrenta a la experiencia de la muerte, como si los eventos ocurridos le trataran de advertir sobre sus obstinadas ideas.

La historia de la película hace un planteamiento sobre el respeto que se le debe dar a los seres que han fallecido y como el amor hacia estos en un concepto bizarro si no somos capaces de entender que tanto vida y muerte son parte del ciclo natural de los seres humanos. Una idea que es mejor ejemplificada a manera de horror sobrenatural y enfermedad patológica al final de Haeckel’s tale. Lo que hace doblemente valiosa a esta obra de cine de horror.

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La noche de los espíritus necrófagos
Director: Ed Wood
Año: 1959

La filmografía de Ed Wood es una dualidad de los principios para reseñar cine. Dicha dualidad es punto de discusión para quienes has visto los trabajos de Ed Wood. Por ejemplo; Un grupo de personas cree que Ed Wood es un genio incomprendido, con el fundamento de que la memoria histórica del cine lo recuerda como un ejemplo de goce para quienes aman el hacer cine; por otro parte hay quienes piensan que su trabajo desvaloriza y transforma en algo ridículo el cine, basándose en el hecho de que el séptimo arte es complejo y por lo tanto no se deben considerar las obras de Ed Wood, al menos no como las de alguien adelantado a su época.
Una discusión sin final, porque incluso cualquiera al integrarse al tema sobre el director y su trabajo, adopta determinada postura inclinada hacia un lado de la doble cara del cine de Ed Wood. Por lo tanto al ver una cinta de este director, más que definir donde hay que situar su filmografía, es indicado hacer una disertación partiendo de dos puntos a parte de su dualidad. El primero, es sus capacidad como director; el segundo su propuesta.

Para ello decidí de entre dos películas del director, escribir sobre la noche de los espíritus necrófagos. Filme donde se aborda el tema de la superstición y credulidad. En la cinta vemos la postura de un grupo de detectives y policías hacia los extraños e inexplicables sucesos de una haunted house y como estos elementos confunden a las personas cuando son creyentes del poder de los muertos. Además de que como en todo cine de autor, el director expone sus ideas y personalidad dentro de la historia de la película.

La noche… es un gran viaje al universo del director, debido a la narrativa de estilo anecdótico, el genero que es mas congruente (no como en plan 9 donde se flirtea entre la ficción y el horror), lo que lleva a una mejor condición para narrar la película; haciéndola transitar entre lo psicológico y paranormal, sin dejar atrás los brillos de genialidad que por momentos se encuentran en el guión.
Claro que si solo vemos esto diríamos que Ed Wood hizo un gran trabajo; pero tenemos que considerar las deficiencias técnicas, como la falta de creatividad para la dirección de arte y lo estático de su filmación, que a su vez nos lleva a momentos confusos de la narración. En resultado: una gran película. Sin embargo, no tan grande como alguna donde salga el santo enfrentando a un monstruo. Tomando en cuenta que el enmascarado de plata no dirigía sus películas, pero al igual que Ed Wood, son sus representaciones lo que buscamos ver en la pantalla.

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Dead and Breakfast

Director: Matthew Leutwyler

Año: 2004

Se puede decir que el cine de horror norteamericano tiene varios rostros que van desde películas de ese genero con gran presupuesto, las cuales regularmente son seriadas (es decir que incluso sabemos cual será el final de la película) y que llegan a los cines con la intención de que un montón de personas morbosas gasten su dinero, situación que no solamente ocurre con el cine de horror. Hasta otras que intentan generar una sensación lo más cercana al miedo. Aunque son pocas las que logran esa meta.

En ese camino del cine de horror (sin llegar a los ya mencionados extremos) hallamos películas que buscan su propia formula de reinventar el genero, añadiendo elementos independientes o inesperados dentro de ese tipo de cine. Uno de los ejemplos recientes es Dead and Breakfast.

Película sobre un grupo de amigos que deciden pasar la noche en el hostal de un típico pueblo norteamericano (conservador, racista y con habitantes a la defensiva). Y que al amanecer encuentran al dueño del lugar brutalmente asesinado, lo que se convierte en el detonador de la violencia y la sátira de toda la película.

Dead and Breakfast es un baño de sangre para los que gustan de la sangre en extremo, así como genera una atmosfera de comedia bastante disfrutable, por medio de un narrador que va cantando los hechos que ocurren en la película. Sin duda con la intención de transgredir la opresora y a veces mal lograda música, igual que las oscura narración de la mayoría de las películas del genero. A la vez que entrega una historia muy original, a pesar de tener que pasar por varios clichés del género, pero si careciera de ellos no fuera tan recomendable.

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METROPOLIS
Director: Rintaro
Año: 2002

Rintaro y Katsuhiro Otomo creador de la famosa AKIRAy reconocido dentro del manga, entregan en esta cinta una obra importante del género.
Nombrada de igual forma que la película de Fritz Lang, METROPOLIS es la historia sobre Tima un robot capaz de poder controlar a su voluntad todo armamento al que tenga acceso. Un robot que es el arma más poderosa, pero como cualquiera de su especie tiene un seguro, el cual la hace parecer un adolescente común. La historia se complica cuando el hijo del hombre que mando a crear a Tima, asesina y destruye el laboratorio donde esta se encuentra. Además de eso la historia crece al haber una lucha entre el empresario que busca el poder por medio del control de todo el armamento bélico y el político líder de la ciudad respaldado por las organizaciones militares; conflicto a que los ciudadanos se involucran en una batalla contra las maquinas, y por supuesto el vinculo cercano al amor que forma el joven detective que protege a Tima.

Lo que hace de METROPOLIS una película interesante en su narración ya que explota distintos eventos sociales dentro de una ciudad que es un bastión de la tecnología mas avanzada.
Otros elementos a resaltar y de los que se debe estar pendientes al ver la película son las ilustraciones. Las cuales con respecto a la figura humana, en METROPLIS son muy distintivas al conservar cierta empatía con lo infantil. Tal ves lo mas importante en ese rubro, sean los escenarios representativos de la animación japonesa y del futuro tecnológico promovido por su cultura, arte visual que sin el no habría película.

REPO! the genetic opera (Darren Lynn Bousman,2008)

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Control
Director: Anton Corbijn
Año: 2007
No existe en el cine un tema que se comprenda con tanta poesía como sucede con el suicidio. Ni siquiera los menos obsesionados con las películas, pueden decir que nunca vieron a una persona morir frente a sus ojos a través de una pantalla y no poder hacer nada.
Control es una película sobre el poético y desconcertante tema. En ella todos sabemos cual será el final de Ian Curtis (vocalista de Joy division). Así como aceptamos ese hecho en el pasado. Control nos da la razón; al narrar la vida de Ian Curtis, una con salida de emergencia.

La película esta basada en el libro de Deborah Curtis (viuda de Ian) y fue dirigida por Anton Corbijn, fotógrafo y videoasta de desde hace mucho tiempo de grupos como: depeche mode, nirvana, U2 y otros.
Su larga trayectoria en el mundo de la música, le es de gran ayuda ya que Control es su debut como director de un largometraje. Porque su experiencia le ha servido para conocer la conducta patológica de las estrellas del rock. Lo nos lleva a recordar el aspecto histriónico de Control.

Acertadamente la película fue filmada en blanco y negro, para introducirnos a un mundo supeditado por contrastes o como antítesis de los coloridos años 80 (época de expansión para la música comercial). Además la selección de la música nos advierte del talento de Joy Division para hacer rock, motivando a continuar escuchándolos. Elemento que junto a la historia hacen una buena película, capaz de acercarnos a una de las más incidentes historias del rock que ahora se una a otras bandas de ese genero como: The doors, pink Floyd y sex pistols. En ser bien trasladados a la pantalla grande.

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Kurt Cobain: sobre un hijo
Director: AJ Schnack
Año: 2007

“El 6 de abril de 1995 Kurt Cobain vocalista de la banda Nirvana fue encontrado en su casa en la ciudad de Seattle muerto por un disparo de escopeta en el rostro”. Recuerdo bien que era de mañana cuando lo decían y lo primero que pensé fue: nunca tendré la oportunidad de verlos en vivo.

La noticia causo conmoción en el mundo de la música porque Cobain para ese entonces se había convertido en un músico, compositor e interprete formidable. La música de Nirvana no abanderaba a una generación, se enfoco en cada adolescente, joven y adulto marginado por la sociedad. Formando un vinculo entre Nirvana y sus múltiples seguidores, a través de su música, que nunca se rompería y renovado constantemente al pasar los años, pues no hay época donde todas las personas se sientan adaptadas al mundo, siempre habrá seres humanos que por motivos emocionales y entornos sociales, estén desapegados y sean extraños al mundo. Situación que nada tiene que ver con el movimiento emo, porque me refiero a personas sin poses, modas y pertenencia a grupos sociales, además de que a quienes me refiero son cada día menos en número. Debido a eso Nirvana representado por su líder es una de las mejores bandas de música de la historia, estigmatizada por el frágil temperamento de su vocalista.

En el 2005 después de diez años de la muerte de K. Cobain, el director de cine Gus Van Sant, llevo al cine la vida de Cobain en un filme llamado Last days. Donde similar al titulo, la película supone narrar los últimos días de la vida de Kurt Cobain; en un tono de ficción, porque el personaje principal (el supuesto Cobain) en la película es llamado Blake.

Tres años y unos meses después, en la ciudad se exhibió otra película sobre el mítico personaje. El filme tiene como mayor logro: un guion que es la voz de Kurt Cobain, grabada para una entrevista dos años antes de su muerte. Así que a lo largo de 97 minutos de película, escuchamos la historia de Cobain contada por él mismo. Hecho histórico para quienes admiramos su música y nunca tuvimos la oportunidad de verlo en vivo; y que guardamos el deseo de que se hubiera alejado de todo, como lo expresa en la cinta, pero no de la forma en que lo hizo.

Kurt Cobain: sobre un hijo, no es una obra suprema del cine, sin embargo su emotividad, el soundtrack y las imágenes trabajadas sin pretensión que solo buscan acompañar las ideas de K. Cobain, la convierte en una obra que bien vale la pena revisar; se sea o no un paria, seguidor de nirvana o ambas cosas. Porque guste o no, es sobre un personaje universal que ha construido nuestra historia y son pocos quienes llevan durante su vida esa carga.

CHOKE (2008, Clark Gregg)

Componente

Tunel

XO

a donde sea

mundo virtual

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There will be blood
Director: Paul Thomas Anderson
Año: 2007

Es cierto que las economías más fuertes del mundo se mantienen de dos negocios: la Guerra y la extracción del petróleo. Que pueden ser considerados como hermanos dentro de la historia moderna, porque la consecuencia de los últimos eventos bélicos no tienen mas excusa que la adquisición del sedimento formado en la corteza terrestre desde hace miles de años.
Seria torpe de mi parte hacer cuentas y poner fechas y nombres de los países más ricos de esa fuente orgánica, pero no me saldría del tema ya que la película que reseño hoy, nos acerca hacia muchos de los procesos o quizá el camino universal sobre como un país se apodera de lo que no le pertenece, visto a través de la historia de un personaje: Daniel Plainview.

Después de ver There will be blood hay una lista de contenidos de los que vale la pena hablar; desde quien es el director hasta el cinismo del guion. Como un comienzo, la película cuenta la vida de un hombre dedicado a la empresa de explotar el petróleo. Negocio que conoce y del que sabe que quien tenga control será dueño del mundo. Un hijo prodigo de una nación dedicada a cultivar héroes egocéntricos, megalómanos y de actitud dictadora.

Ambientada en el inicio del siglo XIX, durante la fiebre por el consumo y explotación del mineral que serviría para impulsar los medios de transportes. En un país que busca de cualquier manera monopolizar la industria del petróleo. Daniel Plainview es un hombre entregado a su trabajo de explotación y venta de petróleo, quien junto a su hijo y un grupo de trabajadores de confianza, inicia su propia empresa. Una noche es visitado por un joven granjero que le indica un yacimiento mucho más grande de lo que Plainview se imagina. Plainview y su hijo viajan al lugar y compran la tierra con el objetivo de maximizar su imperio.

En un filme que a medida que avanza nos demuestra el lado oscuro de los personajes que buscan poder a través del dinero, sus relaciones motivadas por la avaricia mas que por el afecto y una bibliografía ficticia sobre la construcción de un monopolio.
Película que no deja dudas de que Paul Thomas Anderson es un intelectual del cine norteamericano. Capaz de construir universos paralelos y dotado para hacer cine como pocos. Solo por citar un ejemplo: los planos panorámicos en There will be blood rivalizan con los de The Sacriface (Tarkovsky, 1986) y eso solamente como manejo de la cámara; la música, el guion, el arte, ustedes lo descubrirán.

plainsong-the cure

"I think it's dark and it looks like rain"
you said
"and the wind is blowing like it's the end of the world"
you said
"and it's so cold
it's like the cold if you were dead"
and then you smiled
for a second

"I think I'm old and I'm feeling pain"
you said
"and it's all running out like it's the end of the world"
you said
"and it's so cold it's like the cold if you were dead"
and then you smiled
for a second

sometimes you make me feel
like I'm living at the edge of the world
like I'm living at the edge of the world
"it's just the way I smile"
you said

Herramienta periferica

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12 monos
Director: Terry Gilliam
Año: 1995

Se dice que la historia de 12 monos tiene lugar en el pasado del cine. Aproximadamente 58 años nace y se expande un estilo de hacer cine en Francia, llamado Nouvelle vague. Forma de cine basada en contenidos simples, pero al hacer la traducción al séptimo arte; la vida común, la rutina, los dramas típicos de las personas son manifestados en un rango sutil y así no considerárseles exagerados y ficticios, y lo suficiente desprejuiciados sin caer en lo surrealista. La jettée (1962, Chris Marker) es una de tantas obras que llevan el sello de Nouvelle vague en la frente. Película de ficción o quizá cortometraje por su duración de 30 min. Considerada la idea central de donde Terry Gilliam se inspiro para hacer la cíclica y temperamental 12 monos. Aunque yo soy de la opinión de que habría que preguntarle, si así fue. Sobre todo porque el cine de este director hace corto con el delicado cine de la Nouvelle vague.
Si no me creen y nunca han visto películas de esta escuela francesa o del carácter de Terry Gilliam, solo piense en el contraste de los siguientes títulos:Hiroshima mon amour (1959, Resnais), los 400 golpes (1959, Truffaut), Dispara sobre el pianista (1960, Truffaut) por nombrar algunos y en cuanto a T. Gilliam: Las aventuras del Baron Munchausen (1989), Los ladrones del tiempo (1981), Brasil (1985). Sin embargo lo que pierde Gilliam en limpieza lo gana en el virtuosismo de crear piezas genuinas de fantasía, ficción y futurismo de reciclaje.

Respecto a 12 monos, la película nos acerca a un futuro probable de la Tierra. En un planeta contaminado por un virus que solo afecta al ser humano, dejando al resto de los animales como seres dominantes de la superficie, mientras que los humanos sobrevivientes viven en el subsuelo.
La teoría de los científicos del futuro es que un grupo ambientalista llamado 12 monos fueron quienes esparcieron el virus, por lo que con una maquina del tiempo bastante rudimentaria y con márgenes de error limítrofes envían agentes al pasado para detener al grupo de los 12 monos, antes de que el virus se propague. Uno de esos agentes, un paria, convicto es quien consigue hallar en su primer viaje al pasado evidencia de gran ayuda para remediar el futuro de la humanidad.

12 monos tiene esa visión artística de tipo bizarro y apocalíptico; aspecto característico del director. Las locaciones son siempre en un atardecer gris y la noche. En lugares descorazonados y sucios. Situación construida a propósito con el objetivo de hacernos parte de esa atmosfera decadente de las grandes ciudades en los años 90, cuando la civilización estaba ante el umbral de la tecnología de punta y la locura colectiva.
Además la historia y el guion nos prueban como espectadores. Porque exponen nuestra fragilidad como organismos vivos. Y teoriza sobre la soledad de los viajeros del tiempo. Condición a la que estamos sometidos cada vez que recordamos, sobre todo si nuestro entorno esta ambientado por música de Tom Waits y Astor Piazzolla.

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Underground
Emir kusturica
Año: 1995

Si hablamos de los directores destacados del cine moderno, son pocos los representantes de la región de los países bajos, pero a pesar de ello figuran en los más grandes festivales del mundo. Un ejemplo es Cristian Mungiu ganador de la palma de oro en Cannes del año 2007 con la película 4 meses, 3 semanas y 2 días. Hecho que en la actualidad quizá lo haga el más conocido, sin embargo si damos unos pasos hacia atrás y nos situamos al menos una década en el pasado encontramos el nombre de Emir Kusturica, cineasta y músico de origen serbio, también ganador de la palma de oro con Underground (1995). A pesar del galardón para algunos nuestro primer acercamiento al cine de Kusturica fue Tiempo de gitanos (1998) película que representa de forma irónica y folklórica la vida de las personas mas desprotegidas de la región yugoslava y además pone en evidencia lo indiferentes que son los países desarrollados en Europa con sus vecinos necesitados.

De vuelta a Underground esta es un largometraje que manifiesta la inconformidad del director hacia los ataques que ha sufrido la región de los Balcanes desde la segunda guerra, el inicio de una guerra civil y sus consecuencias sociales. La historia de Underground se centra en un hombre que utiliza a sus amigos y familiares para manufacturar y vender armas durante la segunda guerra. Negocio que extiende hasta el final de esta y el inicio de la guerra de Bosnia. Engañando a quienes confían en él y confinándolos a un sótano para que se mantengan ciegos ante lo que está pasando.

Emir Kusturica es transparente en su discurso, lo que convierte sus obras en cine de autor a pesar de que el término se haya confundido y sobrevalorado. Basta con citar ejemplos como rescatar o reutilizar archivos fílmicos para servirse de ellos y así contar una historia que seguramente al verse en el momento de su estreno o actualmente, despierta momentos históricos de la civilización moderna que no pueden quedarse atrás. A primera impresión parece que estoy hablando de una cinta pesada, sombría y difícil de ver, pero no es el caso porque el director tiene la habilidad de sacar provecho del guion y representar no solo el lado negativo de las personas y los hechos, también subraya lo positivo de su cultura tan pasional y semejante a la latinoamericana. En sus maneras de sacar provecho de las desgracias y mantener la esperanza. No así en su nacionalismo arraigado hasta la confusión, como señala E. Kusturica en Underground.

Martes como hoy