Planeta Solaris

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Semáforo

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Vals con Bashir
Director: Ari Folman
Año: 2008

El mundo de las guerras de la era moderna tal como lo conocemos en México a través de los diversos medios de comunicación es ajeno a nuestro estilo de vida actual. Y al ser un país congestionado por naciones de primer mundo, la conformidad y adaptación nos tienen subyugados de tal manera que la palabra revolución o lucha armada son tópicos que no corresponden a una nación que por el momento se ha valido de su poder cultural para disociarse conscientemente de la tragedia humana. Sin embargo en otros países donde han intervenido fuerzas imperialistas con gestos políticos y acciones militares, la decisión de los ciudadanos de esos lugares fueron y continúan siendo la de oponerse a los regimenes que los invasores busquen establecer. Lo que nos lleva a una larga lista de conflictos entre naciones donde naturalmente los ciudadanos comunes se convierten en las victimas de las guerras. Genocidios que descasan en la impunidad y que solo son recordados por quienes vivieron dicho horror. Y son esas memorias las que inspiran a Ari Folman para entregarnos el testimonio de la guerra en Líbano por medio de entrevistas a militares que junto al director compartieron experiencias sobre esa guerra ocurrida por primera vez durante los años 80.

Si bien la película que cruza los entornos del genero documental fue recibida con los abrazos abiertos por la academia de cinematografía Estadunidense esto no solo se debe al cinismo político al que ese país acostumbra, también es merito de la calidad de la cinta, en la cual esta implícita la elocuencia de la historia y de las distintas narraciones de las entrevistas, así como el cuidadoso trabajo de animación que combina de forma armoniosa 2D y dibujo que en algunos capítulos de la película se aproximan a la sutileza de la pintura. Aspectos de la realización que convierten a Vals con Bashir en una muy buena película capaz de alternar el género documental con la animación sin que esta sea una quimera del séptimo arte. Siendo justos la mezcla le da esta película una belleza sombría que nos lleva al análisis de una guerra desde la visión de los soldados implicados en ella.

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Let the right one in
Director: Tomas Alfredson
Año: 2008

A finales del año pasado se estreno en las salas de cine de Europa y en el festival de Sitges el filme de Tomas Alfredson que esta basado en el best seller del escritor Lindviqst. La cinta de la cual el guión fue escrito por Lindviqst es de ese cine evocador del viejo mundo, una justa representante del cine europeo que hace su propio publico y cuya única preocupación es realizar una película que permanezca viva por mucho tiempo en la mente de los entusiastas del séptimo arte a la vez de que sea imprescindible en su estilo.

Lo que es agradable es redescubrir que en el cine los géneros pueden mezclarse hasta construir un mosaico lleno de historia, al punto de reinventar temas que aparentemente conocemos desde muchos ángulos. Justo como sucede en Let the right… película que narra la vida de Oskar, un adolescente obsesionado con la nota roja que es victima de abusos físicos y mentales por parte de sus compañeros y que comienza un romance con Eli, una adolescente que recientemente se mudo al mismo edificio donde él vive.

La sinopsis parece no decir mucho, sin embargo el trabajo de Lindviqst y Alfredson tiene como fundamento lo sobrenatural y es en se rubro que el director y el guionista se apegan perfectamente a convenciones de diferentes géneros del cine para entregarnos un trabajo mas que sobresaliente por el tratamiento que se le da a la película. Organizado con el objetivo de que el horror, el romance y el drama se equilibren uno al otro. Y eso solamente si nos quedamos con la lectura emocional que se le puede dar al filme. Porque si nos trasladamos a la lectura visual, se debe subrayar el ritmo sutil del filme que ciertamente para quienes confunden o prefieren la emoción por la violencia constante van a sufrir el tiempo que se toma la narración de Let the right… La cual no es lenta, simplemente se basa en el detalle y la sugestión. Además de contar con una fotografía franca y desoladora, adaptada de forma certera al ritmo discursivo de este largometraje.

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Wachtmen
Director: Zack Snyder
Año: 2009

La industria del cine es una que ha tomado ventaja de historias que en el pasado ya fueron escritas. Una de estas historias es la del enigmático escritor de comics y novelas graficas, Alan Moore. Watchmen, es su novela grafica mas reconocida por tratar un tema que en la época que fue publicada no se había desarrollado en el comic, la desconstrucción del superhéroe.
A si mismo la película de Zack Snyder es un retrato de la novela grafica aunque con un discurso visual y auditivo distinto. La cinta contextualizada en los años 80, en época de una posible guerra nuclear entre Estados Unidos y Rusia, nos lleva a la vida de un grupo de superhéroes que hicieron a un lado sus uniformes para llevar una vida normal. Sin embargo el asesinato de uno de ellos se convierte en el detonador del filme para que vayamos conociendo el pasado de cada uno a la vez que la historia avanza fortaleciendo una trama que va más allá de una cinta de acción e historieta. Porque en Watchmen se abre al espectador la interrogante del camino del superhéroe y este no solo se trata de patearle el trasero al villano. Me refiero a tener el control sobre quienes están bajo su protección.

Lo que esta de más decir en esta reseña es lo que van a encontrar en todas las demás que lean sobre esta película, pero si no llegan a leer otra no olviden fijarse en las alusiones a la cultura pop, los precedentes históricos y las teorías metafísicas que se dan en la película.Aunque hay otras cosas al margen que se dan en el filme que me gustaría mencionar. La primera; el hecho de que en Watchmen no se la pasan mistificando al superhéroe, su aparición no esta sujeta a discusión, simplemente existe. Segundo; las personas normales y los superhéroes son individuos ajenos el uno del otro. Tercero; un superhéroe puede matar si es necesario. Los códigos de los comics no se aplican en una realidad como la nuestra. Finalmente, los héroes también son supervillanos.

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Repo: the genetic opera
Director: Darren Lynn Bousman
Año: 2008

A pesar de no ser muy apegado al género del musical dentro del cine, me atreví a ver Repo porque el tráiler se me hizo interesante, original y un poco underground. Además, de la película puedo decir que su historia y narrativa es sobresaliente porque es una mezcla de ciencia ficción gótica y bastante gore. Una combinación que encuentra a partir de conjugar esos aspectos su originalidad. Y aunque mi experiencia en el género musical no es amplia debo admitir que Repo: the genetic opera tiene grandes aciertos ligados al arte y la historia que envuelven a la cinta que la hacen recomendable

En la trama del filme la industria Geneco controla el mercado de órganos, pero no es una empresa altruista, porque aquellos que compraron un órgano y después no pueden pagarlo son mutilados hasta la muerte por el asesino de la empresa, llamado REPO.

Acerca de la historia esta nos traslada a un probable futuro donde la ingeniería genética es la industria más poderosa del planeta. Tecnología que ha transformado a las personas llevándolas a transgredir los estándares de belleza, provocando que no solo se use ese avance de la medicina para trasplantes, también para alterar la estética natural de quien lo desee y esté dispuesto a pagar por ello. Lectura que nos entrega el director en una narrativa donde a manera de musical de rock se expone la teoría sobre el poder de la industria médica, sus alcances y consecuencias.

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Funny games
Director: Michael Haneke
Año: 2007

Hace dos años se estreno una cinta que impacto al publico y a la critica por el nivel de tensión que la historia y la película en si provoco a los espectadores que gustan y ven el cine al filo de la butaca. El filme del que hablo es Cache (2005) dirigida por Michael Haneke de quien se dijo ser el sucesor de Alfred Hitchcock, pero podemos pasar de largo ese comentario ya que dicha observación se utiliza cada vez que los críticos se impresionan o redescubren el suspense. Un género que Michael Haneke ha explorado y del que se puede decir que disfruta. Antes de Cache M. Haneke ya había realizado La pianista (2001) un filme de proporciones que encajan muy bien con el género, película de la que me atrevo decir que es la mejor forma de iniciar nuestro “trip” a través de una de las obras del director en activo y mas prominente respecto al suspense.

Funny games es su trabajo mas nuevo y las vez de los mas viejos porque la misma película fue hecha por Haneke en 1997. Sin embargo aprovechando la amplitud de mercado que da una producción Norteamericana, el deseo de que Haneke volviera a dirigirla, así como la libertad creativa permiten un fácil acceso a este remake.
Cinta dirigida en distintos tonos que van de lo armonioso a lo estridente y de ello esta consiente el director al ubicarnos en una bahía donde la vida es de lo mas tranquila y el refugio que da una mansión en medio de un ambiente natural contrasta con la violencia que las mentes de las personas adquieren en parte por culpa de la modernidad y los ambientes citadinos.

El filme narra la vida de una familia que visita su casa en la bahía Norteamérica para pasar un fin de semana relajado, pero toda la paz que alberga esa zona residencial es alterada por un par de jóvenes psicópatas. A lo largo de Funny games no hay concesiones para los personajes que son las victimas. Ya que se ven frente al temor de morir y lo expresan de forma realista. Expuesto por medio de buenas actuaciones donde sese puede sentir la transgresión a la que los personajes son expuestos. Y por si eso no es suficiente M. Haneke se mofa de las convenciones del género haciendo un lado sentimentalismo y apego que los espectadores hayamos creado con las victimas de la película. Llevando al suspenso casi al nivel que solo Alfred Hitchcock Psicosis (1960), David Fincher en Seven (1995), Jonathan Demme en El silencio de los inocentes (1991) y Roman Polansky en El Bebé de Rosemary (1968) han alcanzado.

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The Wrestler
Director: Darren Aronofsky
Año: 2008

Este Filme es el retrato realista de un luchador que después de estar en lo mas alto de se encuentra luchando para apenas sobrevivir en los circuitos mas bajos de la lucha. Quizá la introducción les haga pensar en una película de superación personal, sin embargo Darren Aronofsky alcanza por medio de la dirección de actores, el guion e historia de la cinta, así como los distintos planos y usos de de la cámara (que van desde el estilo documental hasta el plano americano y cámara al hombro, mas que nada) fluctuar mas allá de una cinta moralista.

Por mi parte acostumbrado a ver cintas donde los luchadores son seres capaces de todo, triunfadores hasta la medula, superhéroes y un ejemplo para la civilización humana. Si no estoy sorprendido al menos agradezco la verosimilitud de la película, capaz de sumergirnos en un estilo de vida donde la decisión y congruencia del personaje principal nos vuelven testigos de una profesión que al convertirse en una vocación van con uno hasta el final.

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Barry Lyndon
Director: Stanley Kubrick
Año: 1975

El tiempo ha pasado y el séptimo arte es testigo de ello de manera participativa. Sirviéndonos como medio visual de la historia de la humanidad, algunas veces subjetivamente, lo más apegada a la verdad histórica o situando dramas humanos paralelos a momentos históricos de la humanidad. Debido a eso nunca está de más retomar a los grandes maestros del lenguaje cinematográfico y analizar desde nuestra perspectiva alguna de sus grandes obras. Uno de esos maestros es Stanley Kubrick, quien seguramente muchos han escuchado nombrar y una de sus grandes obras es Barry Lyndon. Cinta ambientada en gran Bretaña del siglo XVII, que en lo profundo de ella y en la mente de Kubrick, realiza una crítica, no al estilo de vida de la burguesía británica, si no a quien renuncia a la belleza natural de la vida por la ostentosidad sin estar consciente del daño que se hace a sí mismo.

Barry Lyndon es el nombre de un joven granjero que está enamorado de su prima que después de hacerle creer que ella también lo quiere se compromete con un capitán Inglés. Llevando a Barry Lyndon a un duelo que lo obliga a huir de la campiña e introducirse en un mundo que le es desconocido pero, al que su inteligencia y falta de sensibilidad después de haberla perdido en el momento en que fue engañado por la mujer que amaba, le señalan un camino de avaricia y arrogancia de fácil acenso; si se va la vida en esa búsqueda de placer. Justamente como Barry Lyndon hace en su ficticia bibliografía fílmica.

Stanley Kubrick nos regala una obra de cine que ejemplifica porque el séptimo arte es tan apreciado al conjugar de forma majestuosa otras artes. En Barry Lyndon, Kubrick no solo entrega un discurso sobre las pasiones del hombre, también relata una pieza digna de las mejores novelas de época, así como nos enseña sobre apreciación de las imágenes en movimiento a través de las emociones de los personajes, uniéndolas a una melodía minimal que se convierte en un personaje a la par con el narrador externo de la película. Haciendo de Barry Lyndon una gran película que cierra el círculo en cuanto a Stanley Kubrick, que llevo la mayoría de los géneros del cine a un nivel de realización y análisis como nadie lo ha hecho.

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Lake Tahoe
Director: Fernando Eimbcke
Año: 2008

Esta es una película de la que voy a mencionar pocas cosas para sintetizar y no dar vueltas sobre el cine mexicano en la actualidad. Del director se que su primer película es temporada de patos y me pareció mala, acerca de Lake Tahoe desde el inicio me hace pensar en Mystery Train de Jim Jarmusch.

Lake Tahoe es una buena película narrada al estilo de dos o tres directores que son influencia para Fernando Eimbke. La fotografía es buena y la historia es agradable y un poco sórdida. Hay que subrayar que el cine en México como cualquier otro arte esta constituido de una variada gama de influencias del extranjero y que esto no demerita, reafirma una cultura llena de contrastes y capaz de adaptarse a otras maneras de pensar sin perder su identidad. Como se nota en la historia de Lake Tahoe donde el plot principal esta ligado a la muerte y su influencia en la vida de un joven que durante la película esta perturbado por la muerte de su padre.

Yuggoth

Nautilos
navega sobre Dagón
sus luces fluorescentes imitan al cielo
Su sonido:
Mar purpura
Noche de acuario

La precipitación

En todo lugar
Los libros hablan sobre ti
Derrumbe de hojas

Inundación ocre
A extremos de la Cd

Despedir enero

Las niñas huyen
Hacen equipos
En una cancha, en cemento
Gritan formulas para crecer
Con disparos de izquierda y derecha
Espejismo de las once
Abre paso a la última hora
Y pueda tomar el mundo entre nuestras manos
Reescribirlo después de la lluvia Kores
Contrarrestar matemáticas y español
En el libro perdido de historia

Te beso usando catalejos
Óptico contemplo
La caída de tu suéter
Rupturas en el pans
Un cabello que contiene esporas de los arboles
Que indican con su sombra mi regreso a casa
Es la tarde de enero una postal acartonada
La moneda soluble en casi una década.

Víspera laser

Confort de neón apagado
Un planeta de cosas amontonadas
(Aguardan sin respirar)

Mini epopeyas del tiempo
En 1983
Día 21, día 19, día 26

Una vuelta y el mismo lugar
Describen el amor en laser


Invierno periférico
Estruendo del cambio de track
No es suficiente la noche de súper carretera
Cuarenta minutos de viaje en subterráneo
O un pasaporte sellado en Canadá.

Dr Doom

Debe existir una pausa
entre tanto tiempo
y
limites para el espacio

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Alphaville
Director: Jean- Luc Godard
Año: 1965

La literatura distingue al género de la ciencia ficción en dos categorías: ciencia ficción ligera y ciencia ficción dura. En la primera los cuentos que se dan a conocer o que son narrados no están sujetos a un juicio científico, dando por establecido que cualquier situación es posible dentro de ese universo o discurso narrativo. En la ciencia ficción dura, las historias están vinculadas lo mas que se pueda a los conocimientos científicos y a posibles avances técnicos. Lo que propicia rigor en el discurso narrativo llevándonos a un estilo que por su misma complejidad es mas realista y por ende debe ser tratado con mayor cuidado, porque sino termina en una simple pretensión.

Dentro del séptimo arte el género de ciencia ficción también puede ser dividido en esas dos categorías, pero me es difícil pensar en películas del género que sean ciencia ficción dura. Debido a que el género es y ha sido utilizado en su mayoría como un sencillo entretenimiento a pesar de ello 2001: una odisea en el espacio (1968, S. Kubrick), Solaris (1972, Tarkovsky), Primer (2004, Shane Carruth), Ghost in the Shell (2004, Mamoru Oshii) y Alphaville, son un ejemplo de esa categoría del genero, además de que cada una de ellas representantes de distinta generaciones del cine.

Alphaville es una ciudad de otra galaxia a donde es enviado el espía Lemy Caution haciéndose pasar por un reportero con el objetivo de eliminar al creador de un sistema (Alpha 60), el cual suprime las emociones de las personas guiándolas a una sociedad que elimina la voluntad de los individuos con el objetivo de que todos sean parte de un bien superior. Sin embargo el adoctrinamiento de Alpha 60 no tiene el mismo efecto con todas las personas lo que lleva a eliminar a quienes se oponen al sistema.

La película como destacada obra de la Nouvelle vague cuenta con el héroe que parece un antihéroe, el villano con un gran poder, el distintivo blanco y negro y un buen y estructurado romance dentro de la película. También lo que vale la pena señalar es la teoría del filme sobre el lenguaje y las emociones. Porque en Alphaville las palabras que Alpha 60 suprime del conocimiento de las personas afecta en la experiencia de la gente, volviéndola incapaz de comunicarse mas allá de las palabras. En un lenguaje limitado y rediseñado para la creación de una sociedad distópica. Justamente lo que lleva a esta obra de la cinematografía a compararse con la literatura en 1984 de G. Orwell y un mundo de feliz de A. Huxley. Y por lo que se encuentra en la categoría de ciencia ficción dura, ya que le basta con un guión solido e innovador para hacernos sentir fuera de este mundo o en futuro posible. Lo que hace de Alphaville una gran obra de cine a pesar de que la mayoría de las personas no van a verla.

Interpol - Rest my chemistry

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Aelita
Director: Yakov Protazanov
Año:1924

Durante varias décadas el cine ruso tuvo una época grande en cuanto a producción fílmica no solo en realización, también en la calidad de sus contenidos llenos de una notable carga social y política. Incluso muchos años después la llegada de la Perestroika propicio que a finales de los años 80 se diera un diminuto boom en el cine ruso de esa época, aunque dicho movimiento marco el fin de una industria que se había hecho un nombre gracias a Essestein y Tarkovsky.

En la actualidad quizá la cinta más vista en Latinoamérica de origen ruso es guardianes de la noche y del dia (2004,2006 Timur Bekmambetov) pero, lo único remarcable de esa cinta son los artificios tecnológicos así que no me voy a detener más tiempo en ella. Contrario a esta y de inicio de esta década hallamos el regreso (2003, Andréi Zvyagintsev ) una verdadera obra de cine con identidad una historia narrada elocuentemente. Sin embargo en esta reseña iremos 85 años en el pasado para hablar de AELITA un filme que si tuviéramos que encasillarlo iría más allá de la ciencia ficción.

La película en blanco y negro, cobijada por el silencio de las voces de los actores y una pieza de música clásica le otorgan un tono parecido al teatro sobre todo cuando el contexto cambia de la Tierra a Marte. Aelita consiste en una historia dividida entre el drama humano y el extraterrestre y nos deja claro esa idea de que el cine es lo más cercano al mundo de los sueños. Mucho antes de que esa frase se acuñara y se convirtiera en una formula barata para resolverle el mundo a escritores de Reader’s digest y las actuales producciones estadunidenses.

Aelita es el nombre de la reina de Marte que a través de unos cristales puede ver la vida en la Tierra de un ingeniero espacial que entregado a su trabajo se confunde entre la realidad y su imaginación convirtiendo su vida en un martirio para si mismo y para la mujer que ama. En la película vemos una sociedad humana que ha absuelto la esclavitud pero, le ha dado paso a la división de clases y a batallas individuales en las emociones y deseos de las personas. Y en Marte (un planeta de corte expresionista) la civilización esta bajo un régimen que mantiene a la mayoría en la esclavitud e incluso Aelita es restringida de tomar sus propias decisiones. Lo que da pauta a que la trama nos lleve a manera de ciencia ficción a la confrontación de los individuos contra los demonios más ridículos de las personas: los celos y el poder.

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Unbreakable
Director: M. Night Shyamalan
Año: 2000

Esta entrega es sobre la segunda película producida, escrita y dirigida por uno de los directores de cine de la escuela norteamericana de Spielberg y Hitchcock: M. Night Shyamalan un director y escritor del cual una vez que se ha revisado toda su filmografía no cabe duda que sus películas son basadas en información a la que tiene acceso.

En Unbreakable el fenómeno que explora es la cultura del comic, las implicaciones mitológicas a las que revistas de superhéroes son expuestas y entrega un análisis realista del superhéroe inmerso en la modernidad, el contexto de M. Night Shyamalan.

En la historia de la cinta un padre de familia que tiene un empleo mal remunerado como vigilante en un estadio de futbol y que esta a punto de separarse de su esposa es agobiado por una sensación que lo ha perseguido siempre, el hecho de levantarse cada día y darse cuenta de que no está haciendo lo correcto con el curso de su vida. Situación que se manifiesta con más fuerza al ser el único sobreviviente de un accidente de tren. Acto que permite el desarrollo de la película, donde se va descubriendo a manera de suspenso la existencia de una teoría sobre el superhéroe y los conflictos sociales e individuales que enfrentaría en una sociedad donde el concepto es irreal e imposible.

Navidad artificial

En muchos colegios estaban ya de vacaciones y había como un millón de chicas esperando a su pareja: chicas con la pierna cruzada, chicas con la pierna sin cruzar, chicas con piernas preciosas, chicas con piernas horrorosas, chicas que parecían estupendas y chicas que debían ser unas brujas si de verdad se les llegaba a conocer bien. Era un bonito panorama, pero no sé si me entenderán lo que quiero decir. Aunque por otra parte era también bastante deprimente porque uno no podía dejar de preguntarse qué sería de todas ellas. Me refiero a cuando salieran del colegio y la universidad. La mayoría se casarían con cretinos, tipos de esos que se pasan el día hablando de cuántos kilómetros pueden sacarle a un litro de gasolina, tipos que se enfadan como niños cuando pierden al golf o algún juego tan estúpido como el ping-pong, tipos mala gente de verdad, tipos que en su vida han leído un libro, tipos aburridos…

El guardián entre el centeno – J. D. Salinger

Tomacorriente

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Familia tortuga
Director: Rubén Imaz
Año: 2007

La película de Rubén Imaz producida con el apoyo de Coneculta es la prueba de que el cine mexicano tiene futuro, sobre todo si permiten que los creadores presenten sus ideas de forma natural sin que nadie ajeno a la producción artística se involucre para desvirtuar o popularizar de forma grosera el trabajo de quien ha tenido que luchar para divulgar su obra. Es así como las obras de cineastas mexicanos y entusiastas del séptimo arte a través de continuar con su ideal llegaran a la madurez suficiente para establecer una industria del cine en un país optimo para crear una vasta filmografía moderna que no solo se ubique en ideas derivadas del norte y centro del país.

La cinta de Rubén Imaz tiene una primicia simple sobre un día en la vida de una familia que recientemente perdió a uno de sus miembros e igual a muchas familias viven bajo el mismo techo pero, la comunicación entre ellos y los problemas individuales son el factor predominante para exponer su historia y precisamente por eso Familia tortuga es el ejemplo de que el cine en México debe tomar rutas distintas y ajenas a la realidad centralizada.

La película debe verse desde dos perspectivas. La primera es que la cinta es un principio más parecida a un video o cortometraje, que lejos de incitar al espectador a seguir viéndola dan más ganas de apagar el lector de DVD y hacer cualquier otra cosa. Además de ser un cliché andante no solo en la historia, también en sus personajes y forma de ser.
La segunda perspectiva llega a la mitad de la película, porque la historia se estabiliza dando lugar a una narrativa agradable, la cual nos hace dejar atrás los clichés del filme para dar paso a la mirada del director acerca de la comunión en familia dentro de una sociedad en una Cd caótica y más que nada para que gestemos la teoría de que la película tiene dos ritmos o lenguajes distintos. Uno cobijado por el dogma 95 o la velocidad en la que se vive en el DF. El otro lenguaje, el de un cine con un objetivo social que nos muestra una historia donde la belleza de la cinta se enfoca en la intimidad del núcleo familiar y cada uno de los personajes. Finalmente para apreciar familia tortuga se necesita voluntad, gustar ampliamente del cine y haber hecho un sacrificio por mínimo que haya sido para conseguir la película.

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No amaras
Director: Kristof Kieslowski
Año: 1988

K. Kieslowski afamado director polaco, quien llevara a lo mas alto al país de Francia con la trilogía tres colores: azul,blanco, rojo. Títulos que hacen alusión a la bandera del país galo y que no solo causaran que se hablara de dichas películas por ese hecho, también lo hicieran por la catedra de cómo hacer cine en cada una de la trilogía donde usa como ejemplo a la sociedad francesa. Presicion dircursiva/narrativa notable que tambien uso en No amaras, filmada en su país de origen. En la cual Kieslowski expone su teoría sobre el amor.

No amaras es una cinta en la que un joven de 19 años llamado Tomek se enamora de una mujer adulta de nombre Magda, a la cual observa desde la ventana de su cuarto y que idealiza debido a las emociones que ella le causa, tan solo con el hecho de verla. Obviamente ellos comienzan una relación que a través de la película adquiere todos los matices de un primer romance para Tomek. Romance de donde se sustenta la historia del director, al presentar los dilemas mas comunes y verdaderos de una relación que es sostenida entre el ideal y la realidad de un sentimiento que una vez llevado al limite emocional termina de ser un ideal y se convierte en una búsqueda. Discurso que plantea Kieslowski por medio de los personajes, quienes comparten el mismo deseo. Sin embargo para Tomek dicho sentimiento es nuevo y esto lo lleva a idealizar a la persona que ama, a la vez que Magda como consecuencia de sus distintas experiencias y estilo de vida entiende que la unión entre ellos debe disolverse. Lo que da paso a una confrontación de emociones, sentimientos, malos entendidos y tristeza que con respecto al lenguaje del director y a la manera en que nos cuenta la película, es el pesimismo y el miedo la base para que las relaciones se fracturen. Y la idea principal en las que el director explora para hacer a través de un guión solido y buenas actuaciones, una de sus mejores películas.

Se nos ha muerto el año donde dejé tu nombre
para que recobrara su condición de estío.

Ya no sé,nunca entiendo estas precarias sílabas,
cosas que no recuerdo de pronto me dominan:
¿te dije que tenías la piel como de humo?
¿que de estarme en tus ojos me conozco el origen?
¿te he enseñado el misterio de los árboles solos? ¿sabes ya que tus manos son dos siestas dormidas?

No sé, nunca recuerdo tanta distancia,tanta canción que no
he cantado cuando anduvimos juntos.
Me dolería mucho no haberte dicho todo lo que llevo en la boca casi como otra risa.

ARMANDO TEJADA

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The fall
Director: Tarsem Singh
Año: 2006

Un año después de su estreno en Europa en el festival de cine fantástico, ficción y horror de Sitges, gracias a las descargas en Internet finalmente vi The Fall ganadora del premio a la mejor película en la edición Sitges 2007. Película dirigida por Tarsem Singh, un director de origen hindú quien en sus inicios se dedico a hacer videos musicales y que mas tarde llevo la estética visual de los videos a la pantalla del cine con su primer largometraje The Cell (2000), película donde ya demostraba su capacidad para crear una dirección de arte sobresaliente, como piezas de un surrealismo aun no consolidado y apenas explotado por unos pocos directores en el séptimo arte.
Desafortunadamente su primera película carecía de una historia que rivalizara con el aparato visual y contaba con una que otra estrella de la pantalla que desvirtuaban por mucho a The Cell.

Años más tarde cuando se le había perdido la pista aparece Tarsem Singh con su segundo largometraje. Filme que refuerza su teoría visual, además de demostrar madurez en su discurso visual y en la historia de The Fall. Respaldado por las actuaciones, la fotografía, la música y la edición; aspectos de la creación de las obras de cine donde la mano del director es de vital importancia.

The Fall es una cinta filmada en alrededor de 18 países que nos acerca a una historia en los años 20 dentro de un hospital, en donde dos personas internadas crean un vínculo de amistad. Un hombre adulto y una niña; ambos a partir de un cuento van descubriendo su vida y el porque están recluidos ahi. En un filme que si bien tiene una historia que por breves momentos se cae (y eso ocurre únicamente porque conocemos el referente de El Principito como obra literaria adaptada al cine) acierta al sobreexponer el delicado mundo de los adultos y el idealista y valiente mundo de los niños.

about Kurt Vonnegut's slaughter 5

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My Blueberry Nights
Director: Wong Kar Wai
Año: 2007

Son muchos los nombres y varios los géneros de quienes forman parte del grupo selecto de directores de origen asiáticos que en la actualidad son los más sobresalientes por sus diversos filmes y formas de interpretar la realidad y narrar historias por medio del cine. Su característica la identidad de cada uno de ellos consumada a través de sus películas al igual que la belleza estética dentro de sus obras, además de presentar historias universales a pesar de que estas tengan una pesada carga de la cultura oriental. De ese grupo hay nombres como Hou Hsiao-Hsien, Kim Ki Duk, Park Chang Wook, Zhang Yimou, Bong Joon-ho, Takeshi Kitano, Takeshi Miike y wong kar wai. Cada uno de ellos con estilos propios que los hacen parte de la historia contemporánea del cine y que han logrado que el mundo desde hace varios años voltee hacia la industria del cine de oriente para ver algo más que golpes y patadas.

Wong Kar Wai, el director de My blueberry nights, es un personaje dentro del cine moderno, consolidado por In the mood of love (2000), filme donde encontró el resultado de su fórmula para poder hablar como autor. Un estilo que desde As tears go by (1988) y Fallen angels (1995) había buscado. Y es que en el cine de Won Kar Wai sus historias se matizan por la carga emocional de los personajes y sobresalen escenas donde la música, los colores y sobre todo el tiempo es manipulado, al descender la velocidad de los fotogramas que regularmente vemos en un mismo tiempo. Básicamente para crear películas con una calidez que envuelvan al espectador.

Acerca de su nueva película, hay varios puntos a destacar. Uno de ellos, quizá el que más generaliza la película es la historia. Ya que en ella Wong kar wai consigue trasladar el lenguaje de su cine al mundo occidental sin forzar la película o alejándose de su emotividad como autor. En My blueberry nights una mujer joven se convierte en el hilo conductor de diferentes historias vinculas por el amor, incluyendo la historia de ella. Dramas humanos que van desde la soledad del dueño de una cafetería nocturna donde èl entabla relaciones afectuosas con las personas que frecuentan el lugar, quienes buscan alguien con quien hablar, hasta un bar donde un hombre manifiesta su frustración y decadencia por la incapacidad de olvidar a su ex esposa, así como el vicio del juego y el rencor de una mujer hacia su padre, revelado en un viaje por carretera a través del desierto. Lo que convierta a My blueberry nights en una buena obra cinematográfica con el sello del intimista Wong Kar Wai.

Rojo

B.

tv on the radio - modern romance

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Demonios
Director: Lamberto Bava
Año: 1985

Se sabe que los años 80 son considerados la década de una generación perdida o generación X. sin logros, ni adelantos, pero no se le debe juzgar porque la época actual donde la cultura de reciclaje (que llego demasiado tarde) nos enseña a reconsiderar lo que se hizo en el pasado y algunas veces hasta se copia creaciones de otros tiempos. Para muestra de ello tenemos las famosas películas Planet Terror (Robert Rodríguez, 2007) y Death Proof (Quentin Tarantino, 2007) que se basaron en formulas de películas de serie B. Categoría del cine de bajo presupuesto y poca calidad en su contenido. A pesar de considerárseles de esa forma fue en la década de los 80 que se filmo Demonios de Lamberto Bava, una película con toda la estética de serie B y la carga generacional de esa época.

Del director podemos decir que cuando la película llego a la ciudad de Tuxtla Gutiérrez no se sabía nada de él y actualmente son pocos los que han visto Demonios y reconocen al hijo de Mario Bava. Un cineasta que desde sus inicios se preocupo por demostrar en sus películas aspectos oscuros de la manera de ser de las generaciones que vio pasar, en piezas de cine de terror, además de un lenguaje visual que inspiro a directores como Darío Argento, quien es él guionista de Demonios y ayudo a Lamberto Bava a realizar Demonios.

Demonios quizá no es la película más reconocida por la crítica, pero si es la de más fácil acceso ya que podemos verla o bajarla de la red. El filme es sobre una función de cine. La premier de una película de terror de serie B en una grindhouse (sala de cine que expone películas las 24 hrs). En la sala los espectadores son un grupo de personas representativas de la diversidad que existe en cualquier sociedad, que van a ver una película en donde una mascara desata una maldición convirtiendo a las personas en bestias, en demonios. Evento que ocurre de forma similar en la película de Demonios, como si Lamberto Bava basara su obra en un siniestro Deja Vu.

La película de Lamberto Bava no solo es buena por desarrollar dos películas a la vez e incluso un homenaje a La Mascara del Demonio (1960, Mario Bava) uno de las obras representativas de su padre, también revalora el cine de serie B y se sale de las convenciones del cine de horror, reemplazando los típicos zombis por seres humanos convertidos en demonios, además de considerar a grupos de Heavy en la banda sonora del filme.

Travelling Vertical

Masters of Horror: El cuento de Haeckel
Director: John McNaughton
Año: 2006

La serie de cine para tv masters of horror tiene tres películas que vale la pena escribir sobre ellas. Debido al respeto de sus directores por el género, bien apegado a las historias que cada una de estas nos cuentan. El sonido, la ambientación, las actuaciones, la aparición de la sangre en momentos precisos y el guion. Para quienes ya vieron la serie completa, saben a cuales películas me refiero. Si ese no es el caso, entonces seria bueno que revisaran Burn cigarretes (John Carpenter), Imprent (Takeshi Miike) y The Haekel’s tale, siendo esta última de la que escribo hoy.

En Haeckel’s tale la historia contextualizada en el siglo XIX es sobre un estudiante de medicina, llamado Ernst Haeckel, un joven burgués que inspirado por métodos experimentales de resurrección, busca a partir de la ciencia crear vida después de la muerte. Una idea que nos recuerda a Frankestein. Sin embargo el guion nos revela que es una historia alterna y que su relación es, que el mismo Haeckel estudia los apuntes de un doctor del cual no revelan su nombre para realizar sus experimentos. Talves los apuntes del Dr. Frankestein.
Haeckel después de experimentos fallidos, encuentra a un nigromante que hace trucos de magia magníficos. Lo que lleva a Haeckel a pedirle que reviva a un ser muerto. El acto se lleva a cabo y Haeckel después de discutir los secretos de la vida y la muerte, se va de la ciudad sin poder encontrar las respuestas que busca. Ya que debe realizar un largo viaje a su antiguo hogar, porque su padre está agonizando y necesita verlo.
Una travesía que lo lleva por un sendero en donde se enfrenta a la experiencia de la muerte, como si los eventos ocurridos le trataran de advertir sobre sus obstinadas ideas.

La historia de la película hace un planteamiento sobre el respeto que se le debe dar a los seres que han fallecido y como el amor hacia estos en un concepto bizarro si no somos capaces de entender que tanto vida y muerte son parte del ciclo natural de los seres humanos. Una idea que es mejor ejemplificada a manera de horror sobrenatural y enfermedad patológica al final de Haeckel’s tale. Lo que hace doblemente valiosa a esta obra de cine de horror.

Travelling Vertical

La noche de los espíritus necrófagos
Director: Ed Wood
Año: 1959

La filmografía de Ed Wood es una dualidad de los principios para reseñar cine. Dicha dualidad es punto de discusión para quienes has visto los trabajos de Ed Wood. Por ejemplo; Un grupo de personas cree que Ed Wood es un genio incomprendido, con el fundamento de que la memoria histórica del cine lo recuerda como un ejemplo de goce para quienes aman el hacer cine; por otro parte hay quienes piensan que su trabajo desvaloriza y transforma en algo ridículo el cine, basándose en el hecho de que el séptimo arte es complejo y por lo tanto no se deben considerar las obras de Ed Wood, al menos no como las de alguien adelantado a su época.
Una discusión sin final, porque incluso cualquiera al integrarse al tema sobre el director y su trabajo, adopta determinada postura inclinada hacia un lado de la doble cara del cine de Ed Wood. Por lo tanto al ver una cinta de este director, más que definir donde hay que situar su filmografía, es indicado hacer una disertación partiendo de dos puntos a parte de su dualidad. El primero, es sus capacidad como director; el segundo su propuesta.

Para ello decidí de entre dos películas del director, escribir sobre la noche de los espíritus necrófagos. Filme donde se aborda el tema de la superstición y credulidad. En la cinta vemos la postura de un grupo de detectives y policías hacia los extraños e inexplicables sucesos de una haunted house y como estos elementos confunden a las personas cuando son creyentes del poder de los muertos. Además de que como en todo cine de autor, el director expone sus ideas y personalidad dentro de la historia de la película.

La noche… es un gran viaje al universo del director, debido a la narrativa de estilo anecdótico, el genero que es mas congruente (no como en plan 9 donde se flirtea entre la ficción y el horror), lo que lleva a una mejor condición para narrar la película; haciéndola transitar entre lo psicológico y paranormal, sin dejar atrás los brillos de genialidad que por momentos se encuentran en el guión.
Claro que si solo vemos esto diríamos que Ed Wood hizo un gran trabajo; pero tenemos que considerar las deficiencias técnicas, como la falta de creatividad para la dirección de arte y lo estático de su filmación, que a su vez nos lleva a momentos confusos de la narración. En resultado: una gran película. Sin embargo, no tan grande como alguna donde salga el santo enfrentando a un monstruo. Tomando en cuenta que el enmascarado de plata no dirigía sus películas, pero al igual que Ed Wood, son sus representaciones lo que buscamos ver en la pantalla.