Travelling Vertical

UP
Director: Pete Docter
Año: 2009

Es evidente que la modernidad ha comenzado a formar parte de las salas de cine por medio de la tridemensionalidad o 3D. En una tendencia donde no solo las películas animadas son las realizadas con esa intención, también filmes donde hay actores de carne y hueso y mucha tecnología están en ese camino.
Pixar que es una empresa dedicada a la animación es la que esta al frente de películas con una alta calidad no solo en su capacidad para crear personajes, objetos, animales, paisajes, lo que sea necesario para construir un mundo animado, pero toda esa capacidad de igual forma la han conjugado con las increíbles y conmovedoras historias en sus diversos largometrajes.

UP, su mas reciente trabajo es otra prueba de la gran capacidad y dedicación que Pixar tienen hacia el cine, y es que mientras otras renuevan franquicias y se las pasan reciclando ideas para hacer películas, los expertos de esta empresa de entretenimiento hasta ahora solo han contando historias originales.
UP, es el actual ejemplo al acercarnos por medio de su narrativa a la vida de un hombre que desde niño esta fascinado por las aventuras sin embargo su personalidad le impide llevar a cabo el viaje de su vida y al envejecer junto al amor de su vida decide impulsado por el sueño de su esposa (quien si tiene un espíritu exaltado hacia la aventura) realizar ese viaje que añoran desde la infancia. Desafortunadamente la muerte de su esposa lo aleja de ese deseo que mas tarde es avivado por el amor que él siente por ella y de esa forma huir de una casa de retiro para personas de la tercera edad.

La película en si tiene un discurso que nunca va pasar de moda en los ideales de cualquier persona y es el de llevar a cabo nuestros mayores deseos. Y eso no es el único acierto de la película. La narrativa de igual forma cuenta de forma sencilla y consistente la historia sin tratar de pretender mucho más que involucrarnos en la vida de los personajes y sentirnos parte de la aventura de la vida. Lo que convierte a UP en una pieza única de las muchas que Pixar tiene en ese género.

Sweet child in time you'll see the line
The line that's drawn between the good and the bad
See the blind man shooting at the world
Bullets flying taking toll
If you've been bad, Lord I bet you have
And you've been hit by flying lead
You'd better close your eyes and bow your head
And wait for the ricochet

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Hiroshima Mon Amour
Director: Alain Resnais
Año: 1959

Siempre en las obras de cine debe existir un espacio o momento para contarnos una historia de amor aunque esta se encuentre por debajo de la narrativa principal y solo funcione como una pieza más del engranaje de la cinta. No obstante es el amor el sentimiento primario que (afortunadamente) aun mueve a la sociedad y así sucede con el cine. Actualmente los romances de película son contados desde fuera, los espectadores vemos películas románticas sustentadas por ese sentimiento, pero con entornos sin alma que hacen imposible el profundizarnos con la elocuencia de las emociones que viven los personajes. No quiero decir que todas las cintas contemporáneas con esa temática sean malas, sin dudarlo existen varios ejemplos de que no todo en el cine de ese género es sentimentalismo banal. Y así como en la actualidad hay películas que exponen de forma real el amor, también el pasado del cine nos ha entregado obras de una calidad inmejorable respecto a ese tema. Debido a eso y a las coincidencias de la vida es que hoy escribo sobre un filme de la tendencia francesa llamada nouvele vague, una obra que por medio de dos personajes aparentemente distintos expone la belleza del acertijo del amor.

Hiroshima Mon Amour se trata sobre una mujer francesa y un hombre japonés que se encuentran en la misma ciudad, en Hiroshima y es ahí donde comienzan un romance intenso donde reencuentran ese sentimiento perdido y olvidado por una generación marcada por la segunda guerra.
La película realizada por Alain Resnais es de una narrativa suprema. Al manifestar el alma de los personajes principales por medio del guión, las actuaciones y los contextos. También engloba un trasfondo social y una critica por de mas sutil al bombardeo en Hiroshima. Resnais en un principio filma el dramatismo y el resurgimiento de una ciudad devastada, a la par de un dialogo y el acto sexual entre amantes con visiones distintas del final de la guerra marcado por Hiroshima. Y eso en un principio porque a medida que la cinta avanza vemos que el director se concentro en depurar las tomas de tal forma que los rostros de quienes son los artífices de la historia narren una obra que parece un dialogo intimo con los espectadores convirtiéndola en una cinta por de mas imprescindible.

Esta es una carta cursi
Derramare en ella
El ultimo resquicio de luz
Y un dragón
Prehispánico
Sopesara en su aliento
El amor que siento por ti
Es posible que no sobrevivamos
Y que el dragón escape
Diciendo en lenguaje de barro
Que somos agua
Gravedad nuclear
Y cientos de cosas que no podremos entender.

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Import/Export
Director: Ulrich Seidl
Año: 2007


Esta reseña es de un filme con el poder que solo séptimo arte puede traducir como una fuerza social y artística en cada nivel de composición de la película. Un ejemplo de esa energía para contar una historia es el tacto que tiene el director para llevarnos de un negocio de pornografía por Internet en Ucrania a la sección de geriatría dentro de un sanatorio en Austria. Situación constante en la narración de la historia porque es a través de dos personajes con historias distintas que el director presenta una realidad fría y triste, enmarcada de forma perfecta por la fotografía.

Import/Export expone la vida de una Joven ucraniana que es madre soltera y vive con su madre en un departamento donde apenas hay espacio para ellas y al ver agotadas sus oportunidades decide viajar a Austria para encontrar una mejor oportunidad de vida. Paralelamente la cinta también narra la vida de un hombre Austriaco que se encuentra desempleado y lleno de deudas que lo obligan a trabajar junto a su padrastro fuera de Austria.

Import/Export esta llena de aciertos ya que el director tuvo la suficiente capacidad para construir una película inquietante en el desarrollo de la historia al tratar temas evidentes en las culturas occidentales como la deshumanización y las diferencias sociales entre países donde la cercanía solo es un espejismo geográfico. Además de dichos aspectos, lo más interesante es que la fotografía es el formato básico de la cinta, al construir escenarios que rebasan el realismo y nos hacen pensar el alto nivel de realización del filme.

Sr. Spock

Que ventee el huracán mis telarañas

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Confesiones de una mente peligrosa
Director: George Clooney
Año: 2002


En la actualidad el cine hollywoodense a sufrido una decadencia que lo ha llevado a hacer refritos de películas y proyectos filmográficos de pésima calidad artística aunque de producciones de millones de dólares como es costumbre. Por eso quiero hablar hoy sobre esta cinta dirigida por un actor de la escuela de hollywood pero que ha sido dirigido por grandes directores de los que sin duda aprendió, porque en confesiones de una mente peligrosa su primer película como director, lleva muy bien lo que es el cine glamoroso, además de hacer una película sostenida por la historia, el guión, actuaciones, y un estilo filmográfico cuidadoso y calido.

El filme es sobre la vida de un hombre, el cual podría pasar por un loco o un genio que vive la época donde las transmisiones por televisión tomaban un gran auge y las televisoras estaunidenses construían un imperio televisivo, a la vez que se gestaba la guerra fría. Y es a partir de esos dos puntos que el personaje principal converge, debido a que por medio de la televisión consigue hacer realidad sus sueños de producir y dirigir programas, así como es convertido en un agente de la CIA.

La película que esta magistralmente escrita por C. Kauffman, quien sobresale al escribir guiones con historias demenciales y personajes complejos desde cualquier punto de vista y tan solo por eso tendría que verse. También tiene como acierto el concepto visual principalmente en la experimentación de los colores del filme que sirven para abrazar la historia en la pantalla.

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I’m a Cyborg, but that’s ok
Director: Park Chan-Wook
Año: 2006

Fue en el año de estreno de I`m a Cyborg… cuando Park Chan- Wook demostró haber dejado atrás su trilogía sobre la venganza para darse a conocer como un director ágil, versátil y capaz de incurrir en un genero distante a lo que nos había acostumbrado. La cinta fue considerada dentro del género de la comedia romántica y es cierto que su composición está en esa línea, sin embargo la película va un poco mas allá, porque claramente ejerce una crítica a la vida en las grandes ciudades y los efectos negativos que originan en los individuos.

Si bien la película de Park Chan- wook llego a ganar un premio internacional debido al guion, no es solo en ese sentido que se le debe juzgar a la obra de este director Coreano. Ya que la película está conformada por distintas características que son el sello de Park Chan-Wook, como es la forma de construir un universo dentro de la cinta por medio de la presentación y acercamiento con los personajes, que la hacen una obra sobresaliente. Además de expresar sus ideas más profundas sobre las relaciones sociales en personalidades definidas, con historias de vidas originales y desapegadas de lo común.

I’m a Cyborg, but that’s ok nos cuenta sobre una joven perturbada que después de auto flagelarse es enviada por su madre a un hospital donde comienza una relación con personas que padecen distintas enfermedades mentales, es en ese hospital que ella creara un vinculo emocional con uno de los internados a la vez que desarrollara su patología en la que cree ser un Cyborg.
El filme quizá tenga un punto débil y es que el directo no alcanza a completar la película con la suficiente fuerza con que la cinta arranca, a pesar de ello la manera fantástica de la narrativa y las historias detrás de los personajes la convierten en algo interesante dentro de la filmografía internacional e importante dentro de la filmografía de Park Chan-Wook.

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Los hermanos del Hierro
Director: Ismael Rodríguez
Año: 1961

Escribir sobre el cine de Ismael Rodríguez es retroceder a la época más prolija del cine mexicano y a su vez a la más destacada. Este director que trabajó con el gran icono de la era dorada del cine en México, después de hacerse un nombre en la industria como realizador hizo una de las mejores cintas de la cinematografía mexicana: Los hermanos del Hierro. Una película que suscribe en el género del western. El filme en síntesis es una mirada a la venganza, los vínculos de sangre y la transformación de los sentimientos. Desde una visión que da como resultado una narrativa abstracta, integradora de las partes de la pelicula y psicológica cuyo mayor acierto es contarnos el filme como si fuese visto desde la perspectiva de los personajes principales, cualidad vinculada a la consistencia del guión y la construcción de los personajes.

Concretamente la película trata sobre una mujer que decide después del asesinato de su marido entrenar a sus hijos con la ayuda de un sicario para vengarse del hombre que mato a su esposo. Una típica historia de vaqueros, sin embargo está llena de enormes aciertos cinematográficos que enriquecen el lenguaje de la cinta. Una de dichas características a subrayar es la ambientación que sirve para contener la película al igual para distinguir y entender a los personajes. Es en ellos donde la cinta desemboca todo su mensaje: en la madre que busca la venganza pese a que sean sus hijos quienes después sufran las consecuencias. Y por supuesto en la personalidad de los hijos, el mayor siempre sobrio e inteligente, mientras que el más joven traumatizado por el asesinato de su padre y la obstinación de su madre, al crecer se convierte en un pistolero con graves problemas psicológicos.

Ultrón

La cabeza de Ultrón se encuentra en la orilla de la playa. El agua espumosa humedece su frente. Me recuerda un solido beso y un epitafio que dice: aquí yace el rey Midas, obsérvenlo, antes fue el heredero de todo hoy solo un mar de arena lo rodea. No recuerdo quien describió el final con esas palabras pero, si conozco el origen de Ultrón. Estoy hablando de hace 10 o 12 años en el pasado cuando el Dr. Pim en un acto de inteligencia superior le otorga neuronas sintéticas activadas por descargas asociativas al robot. Una maquina con libre albedrio e infectada por el ADN de un sujeto como Pim. De quien más adelante les contare. Obviamente por la naturaleza del experimento, fue encapsulado y solo Pim tenía acceso. Lo se, era un maldito degenerado, ¿que hombre de ciencia haría algo así y lo ocultaría? Ultrón no era solamente una maquina lleno de cables y circuitos, en el habito un razonamiento igual al tuyo o el mío.

I hurt myself today
To see if I still feel
I focus on the pain
The only thing that's real
The needle tears a hole
The old familiar sting
Try to kill it all away
But I remember everything

What have I become?
My sweetest friend
Everyone I know
Goes away in the end
You could have it all
My empire of dirt
I will let you down
I will make you hurt

I wear this crown of shit
Upon my liar's chair
Full of broken thoughts
I cannot repair
Beneath the stains of time
The feelings disappear
You are someone else
I am still right here

What have I become?
My sweetest friend
Everyone I know
Goes away in the end

You could have it all
My empire of dirt
I will let you down
I will make you hurt
If I could start again
A million miles away
I would keep myself
I would find a way

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Gomorra
Director: Matteo Garrone
Año: 2008

La Camorra o Gomorra como se conoce en Italia es uno de los núcleos transgresores de la ley mas poderosos del planeta, que junto a otras familias de distintos países (yakuza, mafia irlandesa, Rusa, colombiana) sobreviven al tiempo y han hecho historia. Meritos suficientes para que algunas historias sobre estas mafias se lleven al cine, a veces de forma ficticia y en el caso de la película de Mateo Garrone apegándose lo mas que se puede a la realidad.

El filme nos cuenta sobre la vida de quienes están atrapados en un lugar donde las carentes opciones para vivir los llevo a introducirse en la mafia italiana, pero estos personajes en su mayoría son movidos por la necesidad de supervivencia mas que por su naturaleza delictiva.

Después de revisar la cinta es muy claro que Gomorra no es la típica película de gansters que pasan el tiempo disparando y saldando cuentas, o que siempre se encuentran vestidos formalmente. La película tampoco hace una crítica a los métodos de la Gomorra, el director es más inteligente y sustentándose en la novela en la que se basa el filme, nos muestra que en la actualidad la mafia ya no solo se dedica al tráfico de sustancias ilícitas ya que estas organizaciones han ido creciendo con la sociedad. También es importante subrayar que cada una de las historias contadas en la cinta son bien llevadas a través de personajes diseñados de manera adecuada que no desentonan o se aplanan dentro de una narración primaria, funcional y sin detalles que nos saquen del contexto realista en el que Mateo Garrone acertadamente logra involucrar al espectador y contarnos la película.

Solo en el cine

Rojo

Blanco

Azul

Vispera Laser

Ophiocus vs Nemesis

Morlock

Planeta Solaris

Issste

Semáforo

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Vals con Bashir
Director: Ari Folman
Año: 2008

El mundo de las guerras de la era moderna tal como lo conocemos en México a través de los diversos medios de comunicación es ajeno a nuestro estilo de vida actual. Y al ser un país congestionado por naciones de primer mundo, la conformidad y adaptación nos tienen subyugados de tal manera que la palabra revolución o lucha armada son tópicos que no corresponden a una nación que por el momento se ha valido de su poder cultural para disociarse conscientemente de la tragedia humana. Sin embargo en otros países donde han intervenido fuerzas imperialistas con gestos políticos y acciones militares, la decisión de los ciudadanos de esos lugares fueron y continúan siendo la de oponerse a los regimenes que los invasores busquen establecer. Lo que nos lleva a una larga lista de conflictos entre naciones donde naturalmente los ciudadanos comunes se convierten en las victimas de las guerras. Genocidios que descasan en la impunidad y que solo son recordados por quienes vivieron dicho horror. Y son esas memorias las que inspiran a Ari Folman para entregarnos el testimonio de la guerra en Líbano por medio de entrevistas a militares que junto al director compartieron experiencias sobre esa guerra ocurrida por primera vez durante los años 80.

Si bien la película que cruza los entornos del genero documental fue recibida con los abrazos abiertos por la academia de cinematografía Estadunidense esto no solo se debe al cinismo político al que ese país acostumbra, también es merito de la calidad de la cinta, en la cual esta implícita la elocuencia de la historia y de las distintas narraciones de las entrevistas, así como el cuidadoso trabajo de animación que combina de forma armoniosa 2D y dibujo que en algunos capítulos de la película se aproximan a la sutileza de la pintura. Aspectos de la realización que convierten a Vals con Bashir en una muy buena película capaz de alternar el género documental con la animación sin que esta sea una quimera del séptimo arte. Siendo justos la mezcla le da esta película una belleza sombría que nos lleva al análisis de una guerra desde la visión de los soldados implicados en ella.

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Let the right one in
Director: Tomas Alfredson
Año: 2008

A finales del año pasado se estreno en las salas de cine de Europa y en el festival de Sitges el filme de Tomas Alfredson que esta basado en el best seller del escritor Lindviqst. La cinta de la cual el guión fue escrito por Lindviqst es de ese cine evocador del viejo mundo, una justa representante del cine europeo que hace su propio publico y cuya única preocupación es realizar una película que permanezca viva por mucho tiempo en la mente de los entusiastas del séptimo arte a la vez de que sea imprescindible en su estilo.

Lo que es agradable es redescubrir que en el cine los géneros pueden mezclarse hasta construir un mosaico lleno de historia, al punto de reinventar temas que aparentemente conocemos desde muchos ángulos. Justo como sucede en Let the right… película que narra la vida de Oskar, un adolescente obsesionado con la nota roja que es victima de abusos físicos y mentales por parte de sus compañeros y que comienza un romance con Eli, una adolescente que recientemente se mudo al mismo edificio donde él vive.

La sinopsis parece no decir mucho, sin embargo el trabajo de Lindviqst y Alfredson tiene como fundamento lo sobrenatural y es en se rubro que el director y el guionista se apegan perfectamente a convenciones de diferentes géneros del cine para entregarnos un trabajo mas que sobresaliente por el tratamiento que se le da a la película. Organizado con el objetivo de que el horror, el romance y el drama se equilibren uno al otro. Y eso solamente si nos quedamos con la lectura emocional que se le puede dar al filme. Porque si nos trasladamos a la lectura visual, se debe subrayar el ritmo sutil del filme que ciertamente para quienes confunden o prefieren la emoción por la violencia constante van a sufrir el tiempo que se toma la narración de Let the right… La cual no es lenta, simplemente se basa en el detalle y la sugestión. Además de contar con una fotografía franca y desoladora, adaptada de forma certera al ritmo discursivo de este largometraje.

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Wachtmen
Director: Zack Snyder
Año: 2009

La industria del cine es una que ha tomado ventaja de historias que en el pasado ya fueron escritas. Una de estas historias es la del enigmático escritor de comics y novelas graficas, Alan Moore. Watchmen, es su novela grafica mas reconocida por tratar un tema que en la época que fue publicada no se había desarrollado en el comic, la desconstrucción del superhéroe.
A si mismo la película de Zack Snyder es un retrato de la novela grafica aunque con un discurso visual y auditivo distinto. La cinta contextualizada en los años 80, en época de una posible guerra nuclear entre Estados Unidos y Rusia, nos lleva a la vida de un grupo de superhéroes que hicieron a un lado sus uniformes para llevar una vida normal. Sin embargo el asesinato de uno de ellos se convierte en el detonador del filme para que vayamos conociendo el pasado de cada uno a la vez que la historia avanza fortaleciendo una trama que va más allá de una cinta de acción e historieta. Porque en Watchmen se abre al espectador la interrogante del camino del superhéroe y este no solo se trata de patearle el trasero al villano. Me refiero a tener el control sobre quienes están bajo su protección.

Lo que esta de más decir en esta reseña es lo que van a encontrar en todas las demás que lean sobre esta película, pero si no llegan a leer otra no olviden fijarse en las alusiones a la cultura pop, los precedentes históricos y las teorías metafísicas que se dan en la película.Aunque hay otras cosas al margen que se dan en el filme que me gustaría mencionar. La primera; el hecho de que en Watchmen no se la pasan mistificando al superhéroe, su aparición no esta sujeta a discusión, simplemente existe. Segundo; las personas normales y los superhéroes son individuos ajenos el uno del otro. Tercero; un superhéroe puede matar si es necesario. Los códigos de los comics no se aplican en una realidad como la nuestra. Finalmente, los héroes también son supervillanos.

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Repo: the genetic opera
Director: Darren Lynn Bousman
Año: 2008

A pesar de no ser muy apegado al género del musical dentro del cine, me atreví a ver Repo porque el tráiler se me hizo interesante, original y un poco underground. Además, de la película puedo decir que su historia y narrativa es sobresaliente porque es una mezcla de ciencia ficción gótica y bastante gore. Una combinación que encuentra a partir de conjugar esos aspectos su originalidad. Y aunque mi experiencia en el género musical no es amplia debo admitir que Repo: the genetic opera tiene grandes aciertos ligados al arte y la historia que envuelven a la cinta que la hacen recomendable

En la trama del filme la industria Geneco controla el mercado de órganos, pero no es una empresa altruista, porque aquellos que compraron un órgano y después no pueden pagarlo son mutilados hasta la muerte por el asesino de la empresa, llamado REPO.

Acerca de la historia esta nos traslada a un probable futuro donde la ingeniería genética es la industria más poderosa del planeta. Tecnología que ha transformado a las personas llevándolas a transgredir los estándares de belleza, provocando que no solo se use ese avance de la medicina para trasplantes, también para alterar la estética natural de quien lo desee y esté dispuesto a pagar por ello. Lectura que nos entrega el director en una narrativa donde a manera de musical de rock se expone la teoría sobre el poder de la industria médica, sus alcances y consecuencias.