para Fanntine

Silvia

Quasar is gone

La dinámica de Saturno

No era tarde al comienzo de esta historia. El recorrido no tiene contratiempos. La sonda nos indica el camino apropiado, el espacio libre. Solo unos años nos separan de ella. La seguimos porque nos guía hacia la oportunidad de consagrar a la especie humana como único dueño del sistema solar. Son las 15:50 pm en la Tierra. A esa hora hace unos años recibí una llamada que creí inoportuna. Estaba despidiendo a Mirt. Había padecido una severa obsesión que lo condujo a morir. Todos los que alguna vez fueron parte de él estuvieron ahí. Aún no entiendo porque decidió ser enterrado. Quizá siempre fue un hombre atrapado en un tiempo que hace mucho dejó de existir. Ahora tenemos tantas maneras de que nuestro cadáver sirva a la humanidad. Pudo haberlo donado a la medicina, la ciencia, hacerse cenizas, criogenizarse, pero él se quedo con el modelo clásico: crear vida después de muerto, aunque esta fuera desapercibida, menospreciada, destinada a perecer rápidamente. Creo que su última decisión no fue la correcta. El teléfono móvil se escucho todo el tiempo, mientras el ataúd ocupado por el cuerpo de Mirt descendía. Después me entere del objetivo de la llamada.

Hemos perdido contacto con la sonda durante dos horas. Los miembros de la tripulación no han parado de trabajar para obtener una respuesta. La lógica nos hace pensar en ecuaciones matemáticas y físicas. El cerebro de la nave trabaja a su máxima capacidad. No desviamos el curso o nos detenemos. Nuestro vuelo continúa bajo la sospecha de la desaparición de nuestra guía. Se abre campo de comunicación con la Tierra.

Humano nacido el 9 de febrero del 2180. Descendencia americana. Sin padecimientos cardiacos. Ni enfermedades virales. Tercer hijo de una familia de cinco. Perfil psicológico adecuado para la misión. Enseñanza académica básica. Ha sido escogido entre el número de la población actual para pertenecer al grupo de varones y mujeres que poblaran las lunas conocidas como Encedalo y Titán. Igual a todos los humanos mi aprendizaje se baso en matemáticas, química, física, geografía, psicología, sociología, arte, filosofía, electrónica, sistemas operacionales, astronomía e ingeniería espacial. Cualquiera es apto para la misión, sin embargo nosotros éramos seres hundidos en la derrota. No me imaginé viajar por el espacio rodeado de mujeres inmortales, ex-convictos, cyborgs, varones en rehabilitación e intelectuales, una lista muy larga e inflamable. Igual a reces. Quieren eliminarnos, pensé.

Somos la tripulación de la nave: Espejismo. Nuestro código es 11111382972. Hemos perdido contacto con la sonda guía desde las 1550 hrs. continuamos en el mismo curso. Esperamos sus órdenes. También perdimos la sonda de nuestro radar. Lo mejor es que continúen el mismo camino, ahora nosotros los dirigiremos desde la Tierra. No temán, el viaje será un éxito. De ustedes depende toda la humanidad. Tenemos nuestra esperanza sustentada en la tripulación. Se cierra campo auditivo. Esperen, queremos saber más, ¿tienen idea de porque perdimos contacto con la sonda?. Aquí nave Espejismo, código 11111382972. No hay respuesta. Por un instante todos pensamos lo mismo: nos han abandonado. Expulsados como basura espacial. Todo se vuelve lento. Una taza cae de las manos de alguien, el liquido se derrama en el piso, el ruido es ensordecedor entre tanto silencio. Volvemos a la realidad. Cada uno con distintas ideas. No importa si nos han abandonado. Tengo un plan, pero no le diré a nadie hasta comprobar que en verdad nos dejaron. Una nave de proporciones como las de Espejismo es una noche eterna. Después de descender, escalar y arrastrarme por lugares cubiertos de tubos, gases y ecos de palabras que la energía de la nave genera, llego a mi tubo de ensayo (así es como le llamo a mi espacio personal) e intento dormir.

Acerco mi oído izquierdo a la pared; sé que alguien ésta del otro lado y quiero escuchar lo que hace. Al principio no escucho nada, luego el sonido comienza a limpiarse, después escucho una voz distorsionada por culpa del material con el que fue hecha la nave. Ahora puedo saber que dice. No entiendo porque repite tanto la misma palabra, sigo escuchando lo mismo hasta que hay un estallido. Es como si hubiera implosión. El sonido golpea mí tímpano, me hace sentir que una cuña entra por mi oído. Nunca experimenté tanto desequilibrio. No es necesario imaginar cual es el daño que sufrió la persona del otro lado. Aturdido alcanzo a pensar que algunos comienzan a derrumbarse. Con certeza Espejismo llegará muy lejos.

Han pasado una horas y comienzo a sentirme mejor. Salgo del tubo y lo primero que veo son los ojos de ave de una mujer. Tardo poco en abrir mí campo visual, entonces la veo completamente. Tiene el cabello peinado hacia atrás, es oscuro y cae sobre su espalda. Su nariz es inexplicable y me gusta. Apenas noto sus labios, son largos y sumamente delgados. Su vestimenta causa un efecto doppler a mis ojos. Su estatura es pequeña. Esconde los brazos dentro de su vestido. Siento algo que había olvidado. No puedo huir. Lo que está por venir es una imagen nítida que dura menos que segundos en mí mente. Acabo de ver el futuro de toda la tripulación.

Voy arrastrándome por la sección más estrecha de la nave. Cada cuatro minutos este camino se llena de gases que sin el equipo adecuado moriría. Hay que llevar un traje y máscara especial, avanzar por donde los gases se hagan más intensos, algunas veces no se puede ver, solo el instinto y la memoria sirven para llegar a la cámara de las inmortales. Mujeres que dedican su vida a la belleza estética, maniquíes humanos de perfección monstruosa. La mas longeva, dicen que vivió 123 años sin un solo rastro de envejecimiento, pero se volvió demente a los 80 años. Al morir su piel era tan suave que quienes la tocaban se quedaban con un poco en sus manos, mil veces peor que tocar el cuerpo de una persona ahogada en el líquido más acido. Los gases que atraviesan este lugar provienen de los mantos tóxicos donde ellas se bañan. Están ahí solo unos segundos, luego entre ellas se inyectan en los ombligos, vacunas llenas de células regenerativas. Corren en círculos para que la influciòn se vierta por todo su cuerpo, después se cubren el cuerpo de celulosas que les mantienen la piel y los músculos firmes. Esa es la parte más dolorosa, porque ese tratamiento penetra sobre cada poro de su piel, rompiendo tejido celular, y al llegar a los músculos se enfría al grado de que algunas quedan rígidas en algunas zonas de su cuerpo hasta que mueren. A pesar de tal tormento su belleza física nunca se degenerará, al contrario, algunos organismos de esas mujeres reaccionan positivamente transgrediendo los conceptos generales de estética, como la mujer que vi, cuya mirada sobrepasa el común campo visual del ser humano.

Encuentro la plataforma en la que bajare a donde están las inmortales, ahí ya puedo estar de pie. Espero ser bien recibido, porque se que los extraños no son vistos de buena manera. La plataforma comienza a moverse, no soy el único en ella; otro tripulante esta a mi lado: es una mujer, no parece ser inmortal, por extraño que parezca creo que la había visto antes; en la Tierra.

No puedo dejar de verla y ella responde a mi fijación con una sonrisa; después dice: deseo que tengas suerte. La plataforma ya está en el salón del grupo de las inmortales. Ahí el olor es lo primero en sentirse, al inicio un aroma dulce virtuoso intenso produce un cosquilleo en los ojos, luego un nudo en la garganta y continua hasta la irritación ocular; un par de gotas se escurren por mis mejillas, la del ojo izquierdo llega a mis labios. Limpio mi rostro. Perdí de vista a mi acompañante de la plataforma. Una dama inmortal me sujeta del brazo, viste un traje largo brillante hecho de plasma mercurial, su figura es evidente a pesar de tener solo descubierto el rostro. Perdido no puedo resistirme a su beso. El calor en sus labios. El susurro de una lengua a otra. El plasma de su traje nos envuelve. Entonces comienzo a tocarla, mis manos solo se mezclan con el estado gelatinoso de su cuerpo, formado y unido por el plasma. Es un rostro con vida; ¿Qué lejos quieren llegar estas mujeres? Pero no son solo ellas, Espejismo está constituido por una masa de materiales maleables y gente dirigidos por un nuevo razonamiento. Ella se va, avanza sin dejar de verme. Tengo miedo, aquí estoy a los pies del placer mas puro que los hombres podemos concebir: la belleza y su siniestra manifestación. Recuerdo lo que significa el amor para mi, respiro profundamente entre este ambiente tan denso y camino a través de ellas. Algunas están perdidas en su belleza en su mito; otras están reunidas observándose mutuamente, se tocan los brazos, el rostro, hacen malabares con sus manos enredadas en su cabello. Quiero regresar, aunque debo seguir buscándola. Nunca he tomado una decisión difícil, siempre estoy evitándolas, es fácil tomar el camino sencillo: seguir siendo un cobarde. Reinicio mi búsqueda y ahora solo me concentro en la inmortal que deseo encontrar ¿tendrá nombre? Yo la llamare Lucida, porque quien tenga sus ojos podrá sentirlo todo porque eso es el umbral del conocimiento; y ya no se conoce a muchas personas que se guíen por el instinto, abolido por el profundo avance científico, degenerado en esta humanidad polar.

Capitulo 2
Negro silencio espacial cobija a Nautilus, pero dentro de la nave las estaciones del año son imitadas por la compleja computadora. Hoy llueve y algunos se detienen a ver el cielo virtual, entre ellos Krim. La lluvia termina y el metal, los circuitos y cables regresan a su composición de ciudad, esa es la forma que Krim encuentra al verlos. No sabe cuanto ha caminado, si conoce cada sector de la nave, se ha convertido en un fantasma. Nautilus aun no lo considera una baja, su cuarto y su labor dentro todavía no son ocupadas por alguien más, de hecho algunas veces gases azules producidos por Nautilus guían el camino de Krim. Y aunque Krim no dice nada el sabe de la obsesión que tiene la computadora de la nave porque nadie pierda el control.

La oscuridad envuelve el túnel que cruza Krim hasta que de los costados un gas azul cubre sus tobillos y dibuja un camino zigzagueante hacia una puerta poco usual. En ella hay símbolos grabados de paganismo muy parecidas a la simbología científica. Krim esta parado frente a ese lugar tratando de entender la naturaleza de las creencias de los hombres que llegaron a concebir esas ideas religiosas. Es inevitable no tocar la puerta, pero esta se abre dejando ver un hombre de baja estatura frente a Krim. Ambos se observan como dos enfermos mentales en medio de la calle. Minutos después están charlando. Moog es el nombre del anfitrión, dice haber visto que Krim llegaría a donde el habita como si tuviera premoniciones. Moog en la Tierra fue un magnifico estudiante de sucesos paranormales y presume que esta a un paso de tener una prueba de la existencia de seres espirituales que lo visitan en forma de energía, según Moog los que decidieron enviarlo a Encedalo sabían que el cambiaria las creencias de la raza humana y que pronto el orden de las cosas volverían a un estado de creencia absoluta derivada de los designios de fe. Krim escucha atento sin embargo ve que hay una jaula vacía, cree que su anfitrión esta desesperado por creer en algo, que Moog tiene un espíritu primitivo.

Dime exactamente, ¿porque piensas que el espíritu envejece?

Krim no sabe que responder, la pregunta puede ser una coincidencia o probablemente ese personaje si puede leer las ideas de los otros, si es así no debería estar encerrado, debería salir y ayudarlo a entender cual es el objetivo de la misión y la razón por la cual no puede encontrar a la mujer con ojos de ave.
Y bien, que se supone debo deducir de tu silencio, buscas que lea otra vez tu mente, créeme no me gusta hacerlo. Me siento solo, desconfiado de todo lo que me rodea. La jaula vacía que tengo me recuerda el control de nuestra especie en la tierra. El mismo que nos hace viajar hacia Encedalo, yo se que todos los tripulantes de esta nave, de este drama, vamos a morir. No te diré en que forma, cada quien decidirá. Esta es una historia que jamás tendrá lugar, no existe la memoria para nosotros.
Si lo sabias, nunca debiste abordar Nautilus – responde Krim- creo que no fue una decisión inteligente de tu parte.

Moog se levanta y de una gaveta pegada a la pared saca un reproductor holográmico de primera generación. Vuelve a sentarse y coloca el proyector en medio de ambos. Krim lo observa sin pensar en nada. Entonces el proyector comienza a construir imágenes de Moog desde que era un niño hasta el día de su muerte. Muerte que llega ahí en esa jaula de metal dentro de Nautilus. Krim titubea antes de decir cualquier cosa, no entiende cual es el significado de lo que acaba de ver.
No tienes que emitir una opinión o juicio de inmediato –habla Moog- no fue una gran vida, pero si dios decreto que mi cuerpo físico muera en esta nave no puedo ir en contra de mi destino. Así es la naturaleza del universo, de la decisión suprema. Veo en tu rostro que mis respuestas no son lo que deseas escuchar y estoy seguro, te preguntas ¿Cómo es posible que crea en lo que vimos? Si te contara como me fue entregado este contenedor de imágenes tampoco lo creerías. Serás tu el que no cree.
Krim cae desmayado, su cuerpo esta frágil por la falta de gravedad. Necesita volver a donde todo comenzó y permanecer un tiempo en la cámara de centrifugado.

Sidonia dimensión dos

Algunos no se dieron cuenta pero el 9 de diciembre el mundo en donde vivíamos cambio. No hay un hecho consistente capaz de asegurar que lo que escribiré es verdad, solamente son ideas que durante muchos días se han interceptado para darme el resultado de la ecuación que da vida a esta teoría de la cual no revelaré mucho, la tengo reservada solo para amigos. Hoy rodeado de ellos decido contarles… El robot NEBEL se apago dejándome una paz interna que me lleva a la tristeza profunda de morir y no luchar contra esa ley. Solo han pasado 3 horas y yo sigo observando sus ojos: Júpiter y Saturno grises, su núcleo muerto. Puedo ir la fábrica y traer otro núcleo pero, ¿será la misma máquina? Los núcleos caen por dos orificios del tamaño de un corazón adulto. ¿Puedo ser capaz de comprar los núcleos, algún humano cambio su alma de esa forma?
Fo se levanta y por un momento cree que el robot NEBEL lo seguirá, pero la maquina se queda ahí como parte del piso, un anti organismo, el último deseo del humano.

La historia de la ciencia y el reptil

Aquí en el punto geográfico más desolado del planeta después de que la civilización humana desapareció se encuentra un joven reptil que avanza por los escombros. En su camino a lo lejos se logra ver una forma que llama su atención. Al llegar ahí se siente atrapado por formas extrañas que manipulaban la vida de las personas en la Tierra pero él no es presa de ese ser que no se puede mover, sin ojos y tampoco olor. Reptil continúa su camino, mientras avanza en completa tranquilidad.

Galactus

El dios humano. Él tomo un poco de la sabiduría infinita y lo convirtió en una fuerza natural del universo con figura semejante a los humanos y alma de materia oscura.

De la presentación de la fábrica de jugos naturales que utilizaba las frutas con objetivos científicos de exploración espacial y uso de las leyes y poderes espaciales que los frutos contienen al crecer a pocos Kilómetros del núcleo de la Tierra

En una mesa platinada una jarra transparente casi invisible contiene un litro de Hanza jugo de piña, hay dos vasos a sus costados y dos seres estilizados, humanoides, clones de novena generación son usados para beber la primera prueba de la piña que contiene el don de hacer sentir a quien lo toma en altas cantidades el movimiento elíptico del planeta y tener alucinaciones de la primera estación espacial, aquella que siglos atrás de la raza humana operaba como un arma secreta oculta por el gobierno de los Estados Unidos, un país de la guerra fundado hace 41 siglos y que había desparecido 20 siglos atrás de la civilización actual.

DEJA VU

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Travelling Vertical

In Bruges
Director: Martin McDonagh
Año: 2008

Hace unas semanas vi esta película y prometí que iba a ser la reseña por el hecho de que es una buena película que cubre con las exigencias de quienes buscan un cine inteligente con nivel artístico y además entretenido. In Bruges es un filme directo que es sostenido por la alta definición de sus personajes dentro de un guion que prácticamente hace que cobren vida y los llene de un trasfondo humano que se agradece.

En el filme la historia nos lleva a un paseo turístico por la ciudad de Brujas en Bélgica y es por medio de esa visita que vamos conociendo a los personajes que son las piezas claves del largometraje, ambos un par de hombres adultos; uno de mayor edad que el otro, irlandeses que han dejado su país porque el hombre que los contrato para hacer un trabajo los ha enviado a Brujas a que tomen un respiro de su difícil tarea. Ambas personalidades distintas por circunstancias generacionales y de experiencias van haciendo crecer su amistad y reencontrando un camino o intentándolo arreglar después de lo que han hecho con sus vidas.

Pese a que la sinopsis del párrafo anterior puede parecer de flojera, el largometraje está estructurado por diálogos bien logrados y situaciones que llevan la cinta al humor negro y a una narrativa de un ritmo ameno que busca sensibilizarnos a través de las emociones de los personajes, sus historias y las imágenes de la ciudad medieval que sirve de contexto para una película que Guy Ritchie se hubiera cortado un brazo por filmarla.

MJ

Televisionism

There's a place in hell for me and my friends

There is a place
Reserved
For me and my friends
And when we go
We all will go

Morrisey

Nothing I am
Nothing I dream
Nothing is new
Nothing I think or believe in or say
Nothing is true

Travelling Vertical

Pandorum
Director: Christian Alvart
Año: 2009

La reseña de hoy está dedicada a una cinta de ciencia ficción no solo porque me gusta ese género, también por ser una película bien realizada y buscar alternativas para un género que en el cine se repite con respecto a las historias. En Pandorum se puede decir que la mezcla de un futuro negativo para el hogar de los humanos, la megalomanía, la fatalidad, el destino, la esperanza, el terror espacial y la estética cyber punk hacen de este filme un buena fórmula para todos los que van en busca de algo más que remakes o historias nuevas de pésima calidad cuya intención es recabar entradas.

La trama sencilla de Pandorum está basada en la pérdida de memoria de dos tripulantes de la nave Elyseum (que viaja con la última esperanza de la humanidad hacia otra galaxia donde se encuentra un planeta de condiciones similares a la Tierra) por culpa del hypersueño inducido. Quienes al despertar se encuentran atrapados en un sector de la nave y ante un panorama nada halagüeño de lo que posiblemente ocurrió mientras estaban dormidos.

Quizá la cinta en su totalidad no sea lo mejor que hemos visto en los últimos años en cuanto a este género, sin embargo vale la pena y es muy recomendable para quienes buscan cintas bien realizadas en el sentido más estricto del cine como un espacio de recreación, aunque sí es cierto que el guion tiene un par de errores son muy mínimos y no alteran de forma violenta la película que en su totalidad deja una sensación agradable.

El vagabundo
Director:Rogelio A. Gonzáles
año. 1953

Travelling Vertical

Blow Up
Director: Michelangelo Antonioni
Año: 1966

Es el en año del mundial de Inglaterra 66 cuando Blow Up se estreno generando comentarios y criticas positivas que en la actualidad continúan avalando la magnífica calidad de esta cinta partiendo de comentarios que la consideran uno de los grandes ejemplos del estilo avant garde cinema hasta la precisión y sutileza del thriller que interpone al espectador a observar la historia de manera perspicaz. La obra de Antonioni nos acerca sin necesitar escenas violentas a niveles altos de observación por medio de imágenes cargadas de todo tipo de lenguaje con el que las personas podemos comunicarnos. Lo que nos hace pensar en el quehacer narrativo del director, quien por medio de un uso preciso de la trama que teje a Blow Up realiza una obra apegada a su tiempo, pero con un sello de modernidad que la convierte en una película trascendente para la filmografía mundial.

En la historia de Blow Up, el personaje principal aparece desde el comienzo del filme dando el aspecto de ser un indigente o un obrero industrial que camina junto a otros de su clase por las calles londinenses hasta que llega un auto deportivo y ahí se convierte en el fotógrafo prominente que es en realidad. En ese punto la película se vuelca al trabajo que ese fotógrafo desempeña en un mundo de glamour cubierto de frivolidad hasta que la realidad cambia para el personaje principal quien a través de la lente de su cámara descubre un posible homicidio.

Blow Up que para muchos es un referente de la década de los 60 por su contenido sexual, libre, a favor de uso de las drogas, así como basarse en una idea que deviene de un cuento de Julio Cortázar para desarrollar uno de los momentos climáticos de la cinta que termina por encausar la historia del filme convierten a Blow Up en esas cintas que se encuentran un paso muy corto de lo más alto del séptimo arte.

1999

Imprime un ultrasonido
Del corazón
Cotiza la vida
Entre objetos de crudo
Mujer halcón
Amante de miracle man
Que los rayos omega nunca te encuentren…

Soy el último y el más solitario de los seres humanos
Privado de amor y amistad, y muy inferior en esto al más imperfecto
De los animales.

El loco y la Venus
Charles Baudelaire

I´m going to kill myself tomorrow

I am a world before I am a man
I was a creature before I could stand
I will remember before I forget
Before I forget that

XS

Why did you kill the princess?

Dr. Destiny

En sueños camino contigo.

Havok

Travelling Vertical

The doors
Director: Oliver Stone
Año: 1991

Inspirado por el trailer de When you’re strange (Tom Dicillo,2009)después de mucho tiempo decidi volver a ver The Doors y fui sorprendido al encontrarme con una película completamente nueva y diferente en comparación a cuando la vi siendo apenas un estreno. Es que en aquel entonces ver The Doors era más un gesto de rebeldía y transgresión juvenil, fue redescubrir la música en Inglés y encontrarnos con la poesía que hay en el rock, en canciones que nos satisfacen y que para muchos esos placeres debían de llegar por medio de The Doors por el simple hecho de que Dylan y los Stones seguían y continúan vivos y Morrinson no. Así que a quienes la modernidad y los efectos globales de la comunicación nos golpeaban la cara en el inicio de la década de los 90 hicimos de The doors nuestro umbral al fin del milenio, a Trainspotting (Danny Boyle 1996), a Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994) y natural born killers (Oliver Stone, 1994).

Oliver Stone quien tiene una gran capacidad para hacer películas que se basan en acontecimientos de la realidad hizo de The Doors una obra mítica de la banda y de su vocalista y compositor de la mayoría de las canciones del grupo a través de un trabajo de investigación sobre la biografía de los personajes y lectura de la poesía de Jim Morrinson, donde se encuentra el sustento del guión de la película. Lo que nos va guiando a un viaje largo que muestra desde el comienzo el desencanto por la vida de Jim Morrrinson al tener contacto con la muerte al ver los ojos de un indígena nativo norteamericano cuando todavía era un niño. Después pasa por el Morrinson exaltado por la literatura y la existencia al vivir una experiencia con el Peyote hasta formar la banda The Doors y llegar a la fama que lo corrompe, enseñándonos una cara de Jim Morrinson distinta al comienzo del filme, y de esa forma volver a un nuevo comienzo para él donde se reencuentra con su arte, su poesía, el espíritu del nativo que vio cuando era niño.

Girl I love you

Falling falling
The sun is burning black
Falling falling
It's beating on my back
With a fire
With a fire



Fire/U2

Spiral out. Keep going

Travelling Vertical

Son Of Rambow
Director: Garth Jennings
Año: 2007

Varias son las películas donde el tema principal versa sobre lo valioso de la amistad y las características que esta debe tener. Tal vez nuestra actualidad nos lleve a amistades que no se vinculan al respeto, la camaradería a lo valioso de la compañía de personas con quienes se comparte un estilo de vida y formas de pensar. Probablemente muchos de nosotros solo tenemos conocidos y personas con quienes convivimos en el trabajo y que nos otorgan algo con el objetivo de recibir algo a cambio, por eso he decidido escribir sobre Son of Rambow, un largometraje donde la amistad es el punto principal y el discurso no trata de inventar nada nuevo sobre el tema o se dirige hacia una critica facilista, al contrario, la visión de la historia del film intenta revalorizar la amistad esa es la lección más clara de la película, lo que la convierte en algo valioso e interesante de apreciar.

Son of Rambow es sobre un par de niños que apenas están entrando a la adolescencia, uno de ellos el típico niño rebelde que tiene muchas cosas materiales pero que nadie en su casa le dedica un tiempo o le hace sentir que lo aprecian y por otro lado el niño que hace justo lo que su madre le indica, el estereotipo de niño bueno apegado a los deseos de su madre y su religión. Ambos estudiantes del mismo liceo cruzan sus caminos y comienzan su amistad alentados por un proyecto que harán juntos, filmar una película para un concurso, una cinta que tratara sobre el hijo de Rambow, inspirados por el héroe de las películas John Rambo. Sin embargo otros estudiantes comienzan a entrometerse en el proyecto y a transformar la amistad de los dos niños dando origen a un conflicto en el que todos los personajes de la cinta se involucran en una historia que lejos de ser un culebrón, se convierte debido a su cadencia y practicidad narrativa en un entramado circular.

Sin duda una cinta divertida y llena de un contenido valioso que no intenta juzgar los valores y formas de ver la vida de los demás, al contrario da una postura que todos deberíamos asumir cuando estamos frente a alguien que estimamos sin tomar en cuenta el su status, creencias e ideales.

Infinity
director:Matthew Broderick
año: 1996

segunda función de ciencia ficción

Travelling Vertical

Away from her
Director: Sarah Polley
Año: 2006

Las veces que he visto a la actriz Sarah Polley en películas donde las tramas varían diametralmente, imagine que estaba ante una mujer con destacables atributos para la actuación, además de ser afortunada por tener el papel protagónico en películas bien realizadas, pero lo que no me imagine fue que tuviera la voluntad para adentrarse en la difícil tarea de dirigir un largometraje y lo hiciera satisfactoriamente.

En away from her, cinta escrita y dirigida por Sarah Polley la historia está enfocada en aquellas personas que por razones naturales de la vida han enfermado y la melancolía que dicha enfermedad le causa a sus seres queridos. En el filme se narra la vida de una pareja que han estado juntos por mucho tiempo debido al amor que existe entre ambos, pero al ser dos personas de edad avanzada uno de ellos ha comenzado a desarrollar anzelmeir. Lo que lleva a una inevitable ruptura emocional que va más allá de la culminación del amor.

La dirección de Sarah Polley sabe utilizar la sensibilidad de los personajes principales y llevarlos por medio del guión a un drama sutil sin pretensiones, que va hacia lo inevitable de su relación como pareja. Es en ese punto donde la historia de away from her nos lleva a entender el amor y el olvido que ambos amantes y personajes principales del filme deberán afrontar, entender y de esa manera poder continuar con sus vidas a pesar de que su edad y el tiempo de convivencia juntos los haya hecho dependientes uno del otro.

Travelling Vertical

Rumble fish
Director: Francis Ford Coppola
Año: 1983

Escribir y redescubrir el cine que hace Francis Ford Coppola ha sido lo mejor que ha pasado durante la semana pasada cuando buscando en un videoclub encontré una cinta realizada por este director tan reconocido dentro de la cinematografía mundial. Recuerdo muy lejanamente la primera vez que vi una película de él y quedarme sentado a lo largo del metraje en formato beta disfrutando de la familia Corleone y sus negocios, mas tarde llegaría la clásica de terror: Drácula, ese día al ver los créditos vi su nombre donde tenía que estar el del director lo cual me levanto muchas sospechas sobre la cinta y que hice a un lado una vez que vi esa obra del cine donde Coppola de nuevo hizo alarde de su habilidad como director y artista para poder tejer una historia tan basta sin perder el objetivo principal a través de la cinta. Tiempo después vi la guerra de Vietnam en la mirada fría, cruda, filosófica, romántica, poética, ambigua, solemne, caótica, vigente… de un director que sin duda después de conocer algunos de sus filmes es de reconocerle su exactitud para transformar la realidad de una historia y convertirla o llevarla a los umbrales de ficción más sutiles.

Rumble Fish es una de esas obras de Coppola consideras de las mejores que ha realizado por notorias características alrededor de la película, además de que la mayoría de los aspectos de la cinta están vinculadas por su guión lleno de atmosferas ligeramente separadas de la ficción.
La historia parece tener una primicia muy simple al tratarse de un par de hermanos que viven en un pueblo (que después por cuestiones del guión nos parece una ciudad saturada por el urbanismo) el menor de ellos busca ser como su hermano mayor a quien le llaman el chico de la moto y que dejo el pueblo pero que súbitamente regresa para encontrar su destino y encaminar a su hermano.

No debe sorprendernos que al ver Rumble Fish llegue a nuestra mentes la idea de que el filme no está siendo lo suficientemente verosímil y quizá para algunos radicales la visión de lo que debe ser una pandilla de jóvenes revoltosos sea algo más salvaje y agresivo de lo que vemos en la película, pero la cinta no busca trascender en ese sentido, de hecho las peleas son bastante sobre actuadas. Lo que debemos de tener en cuenta es la facilidad que tiene el guion para convertir la realidad en ficción y confrontarnos como espectadores a descubrir el sentido de las vidas del chico de la moto y Rusty James.

Be clear every day, every evening
It calls here aloud from above
Carefully watched for a reason
Mistaking devotion and love
Surrendered to self-preservation
From others who care for themselves
But life as it touches perfection
Appears just like anything else

Y luego, lo más importante de todo: recordar quién soy. Recordar quién se supone que soy. No creo que esto sea un juego. Por otra parte, nada está claro. Por ejemplo: ¿Quién eres tú? Y si crees que lo sabes, ¿por qué insistes en mentir al respecto? No tengo ninguna respuesta. Lo único que puedo decir es esto: Mi nombre es Paul Auster. Ése no es mi verdadero nombre.

Ciudad de cristal/Paul Auster

Travelling Vertical

The Hurt Locker
Director: Kathryn Bigelow
Año: 2009

No recuerdo cuantas películas he visto de guerra o asociadas a ese tema, probablemente las más significativas de los últimos tres años sean dos cintas que no tienen nada que ver con la industria norteamericana de cine, además de ser cintas que utilizan la animación como característica para dar le amplitud narrativa a sus historias, por supuesto estoy hablando de Vals con Bashir y Persepolis. Sin embargo los norteamericanos no podían relegar un tema que es suyo desde hace mucho tiempo y no solo me refiero al cine, también la industria de la guerra en Estados Unidos es otro tema que es parte de su cultura. Un ejemplo claro de cómo los ciudadanos de esa nación entienden esa cosmovisión, es la cinta que reseñamos hoy, The Hurt Locker o la zona de miedo como se hizo la traducción del título para Latinoamérica.

La cinta esta contextualizada en el año 2004 en Irak y se enfoca principalmente en militares especializados en detección y desactivación de explosivos. Un grupo de estos militares que como vemos en la cinta no son grandes pelotones de infantería sino un reducido equipo de tres, el especialista y otros dos que tienen la preparación pero no la experiencia ni el rango que se dedican a cubrirle las espaldas al técnico. Militares que a pesar de cumplir una función sumamente peligrosa físicamente incluso se encuentran en situaciones de riesgo psicológico debido a su complicada asignación. Haciendo una descripción de los miembros del equipo antibombas, tenemos por una parte al militar que es asignado a un nuevo equipo en Bagdad y que representa el prototipo de militar, un ser humano que vive de esa emoción que le da desactivar bombas y sentir que ese es su lugar y su deber; entre sus compañeros un militar de raza negra encargado de proteger a quien está al mando de la misión, sobre él recae el peso de las muertes que se den mientras esté a cargo de la seguridad, un superviviente de la guerra, quizá el militar más especializado para el combate; y en ese mismo equipo no puede faltar el militar joven el que se encuentra ahí por necesidad y desea salir con vida, quien es atormentado en cada misión por el constante sentimiento de muerte.

The Hurt Locker que ha sido nominada a los premios de la academia, es acertada su nominación en categoría a mejor película y sobresaliente en su cinematografía al presentar un rostro moderno de la guerra, donde el objetivo o idea central es reconocer que la industria de la guerra y la cultura de esta son parte de los individuos de una nación que buscan su identidad y el para que de su existencia sin hacer ninguna sentencia en contra o a favor de las políticas de Estados Unidos lo que la hace el mejor film bélico del año pasado.

¿De qué lóbregos avernos de terror propios del diabólico Aqueronte, de qué insondables abismos de conciencia extracósmica, de qué sombria y secularmente latente estirpe infrahumana procedían aquellos semiarticulados sonidos medio graznidos medio trueno?


El horror de Dunwich/H.P. Lovecraft

Los ojos de Gabriel irritados por el suelo cuyo brillo de muchas capas de cera de abeja se veía hoy acentuado por la pesada araña que colgaba del techo, se dirigieron a la pared por encima del piano.

Los muertos/James Joyce

Y bailamos, en la orilla de un ignorado futuro, con el eco de un desvanecido pasado.

El día de los Trífidos/John Wyndham

feliz no cumpleaños

matar al vampiro

Travelling Vertical

La visita de la banda
Director: Eran Kolirin
Año: 2007

Es agradable tener la oportunidad y el deseo de ver cine de otros países, además de la importancia que tiene para conocer la cosmovisión de otras sociedades que distan de la propia y ayudan a tener un concepto amplio de lo que el mundo en su totalidad representa desde una perspectiva social. Basándome en esa idea doy inicio a la reseña de esta semana, sobre una cinta en donde la convenciones sociales de dos grupos de personas de diferentes países se mezclan azarosamente dando paso a un shock cultural entre egipcios e israelís; los primeros, una banda de música de la policía egipcia que viajan a Israel para dar una presentación en un centro cultural de ese país y los segundos, un grupo de personas de un poblado de Israel que reciben a los músicos de la banda.

La visita de la banda lleva consigo implicaciones que al relacionarse con el comportamiento y estilo de vida de quienes están cerca de alguno de los miembros ocasiona que en poco tiempo se dé una amistad inusual. Amistad que sirve de ayuda entre ambos grupos que en una tarde y noche que los músicos conviven con unos cuantos habitantes del pueblo estos se llegan a conocer y aprender mutuamente de su felicidad y tristeza.

Una película que a pesar de no corresponder a los niveles de cine espectáculo que la mayoría de las personas busca se sostiene por otros atributos relacionados al cine como arte, una herramienta cultural y artística que contiene y usa de buena forma la música, las actuaciones, el guion, la narrativa, fotografía, elementos importantes en una cinta que deben estar presentes en cualquier trabajo del séptimo arte y La visita de la banda cumple con esos requisitos.

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Where The Wild Things Are
Director: Spike Jonze
Año: 2009

Hace algunos meses cuando vi el trailer de where the wild things are me sorprendí de volver a ver el nombre de Spike Jonze en los créditos ya que había pasado el tiempo sin saber de este videasta y director cinematográfico al que por razones personales y nostálgicas, y también por su calidad y firma particular es importante apreciar lo que ha hecho a través del video y el cine. Es probable que nombres de películas como adaptation (2002 ) y being John Malkovich (1999) y videos de artistas como Bjork y Chemical Brothers les recuerden obras del pasado de este director que tiene un gusto hacia la belleza de los recuerdos, de la memoria, los sueños y la imaginación que se ven reflejados en videos y filmes. En esta ocasión su trabajo está basado en un libro para niños que lleva el mismo nombre de la cinta.

En where the wild things are, el personaje principal es un niño que vive con su madre y su hermana pero se siente abandonado por ellas y después de pasar por una tristeza profunda que tiene que ver con la soledad y falta de atención destruye un objeto que para su hermana tiene valor sentimental a manera de venganza porque los amigos de ella destruyeron el iglú que había construido. Lo que lleva a una situación donde el personaje principal pierde el control de sus emociones y se rebela contra sus familiares.

La película desde el punto de vista sin consultar el libro está llena de aciertos que la convierten en una obra que debe apreciarse. Spike Jonze nos lleva al mundo que habitan los monstruos donde un niño aprende que el rencor, la venganza, la incomprensión y el odio a si mismo, son el producto de algo que fue bello y continua siéndolo y que los seres salvajes son quienes llegan a sentir con mayor fuerza y apreciar la verdad como símbolos de amor entre todos los seres. Una enseñanza que toda historia debe contar cada vez que estén involucrados seres puros ya sean monstruos o niños. Además Spike Jonze amplia el sentido de la película al no dejar en la superficie todo lo que representa la trama de la cinta y de seguro de la adaptación del guión cinematográfico al libro.

En aquel día de luna azul de septiembre
en silencio bajo un joven ciruelo
estreché a mi pálido amor callado
entre mis brazos como un sueño bendito.
Y por encima de nosotros en el hermoso cielo estival
había una nube, que contemple mucho tiempo;
era muy blanca y tremendamente alta
y cuando volví a mirar hacia arriba, ya no estaba.


Desde aquel día muchas , muchas lunas
se han zambullido en silencio y han pasado.
Los ciruelos habrán sido arrancados
y si me preguntas ¿qué fue de aquel amor?
entonces te contesto:no consigo acordarme,
pero aun así es cierto sé a qué te refieres.
Aunque su rostro , de verdad , no lo recuerdo,
ahora sé tan sólo que entonces la besé.


Y también el beso lo habría olvidado hace tiempo
de no haber estado allí aquella nube;
a ella sí la recuerdo y siempre la recordaré,
era muy blanca y venía de arriba.
Puede que los ciruelos todavía florezcan
y que aquella mujer tenga ya siete hijos,
pero aquella nube floreció sólo algunos minutos
y cuando miré a lo alto se estaba desvaneciendo en el viento.

"Recuerdo a Maria A." Bertolt Brecht

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The Fourth Kind
Director: Olatunde Osunsanmi
Año: 2009

El nombre de esta película deviene de la denominación que hacen los investigadores del fenómeno OVNI al supuesto contacto entre seres humanos y entidades de otro planeta, también conocido como abducción. Se dice que la abducción es el contacto directo con estos seres y existen muchos casos de personas en el mundo que afirman haber tenido un encuentro de este tipo, obviamente el cine que desde su invención es una herramienta para representar los sueños del hombre asi como su existencia y para manifestar la imaginación, no es ajeno a este tipo de temas y desde los años 50 con el estallido de la guerra fría y su latente guerra nuclear, los creadores de cine han usado los mitos sobre el fenómeno OVNI que se suscitaron y tuvieron un mayor auge en esos años, con el objetivo de entretener e informar sobre lo que se supone es la manifestación de la vida extraterrestre en la Tierra. La lista de películas sobre este tema es muy larga y son pocas las que podría recomendar, creo que El Día Que La Tierra Se Detuvo (Robert Wise, 1951), Encuentros Cercanos Del Tercer Tipo (Steven Spielberg, 1977) y Fuego En El Cielo (Robert Lieberman, 1993) son mis favoritas en ese género, esta última con aspectos parecidos a The Fourth Kind, ya que en ambas las abducciones de parte de los alienígenas hacia los seres humanos son violentas y destructivas.

The Fourth Kind o el cuarto contacto como es la traducción en español de la película tiene muchas características que benefician a la cinta y que la vuelven recomendable. Uno de ellas es que está basada en hechos supuestamente verídicos, lo que le da un grado más de curiosidad a los espectadores y a pesar de que este tipo de cintas siempre tienen algo de eso The Fourth Kind se destaca por usar imágenes de grabaciones reales y mezclarlas con la narración de la cinta. En el cuarto contacto la Dr. Abigail Tyler ha comenzado a conectar por medio de la hipnosis regresiva los casos clínicos de dos de sus pacientes lo que la lleva a investigar sobre su comportamiento hasta quedar revelado que la psicosis de sus pacientes son causadas por estar en contacto con seres extraterrestres.

Al inicio de la cinta aparece la protagonista del filme argumentando el porqué del uso de imágenes reales, sobre la veracidad de los hechos y el derecho del espectador a creer o no en lo que están a punto de ver, mensaje que me parece bastante acertado pues los escépticos que ven la película pueden optar por irse, mientras que los creyentes del fenómeno y curiosos se pueden quedar a disfrutar del filme. Además la cinta es recomendable para aquellos que buscan ver imágenes perturbadoras, escuchar voces reales de extraterrestres y encontrarse con seres de otro planeta con personalidades psicóticas pervertidas por su avance tecnológico.

Goodbye
The lion stares high
And all the universe cries
For your memory
I hate I
Oh, could you lead my lips to sigh

Somehow, I smothered rainbows
And all the universe crawls
Farthest ends of me
I'm in now

Homewards, he dealed with scarecrows
And all the universe knows
Wailing finally
I would roar

Oh, could you fail in me
Sin calls

Goodbye
I've wandered 'round isles
And all the universe cries
For your memory
I warned I
Oh, starry are your spheres, delight


universe,Sebastien Tellier

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Onibaba
Director: Kaneto Shindo
Año: 1964

La reseña de esta semana es dedicada a una cinta japonesa que tiene la marca de esas buenas películas que integran lo real con elementos mas allá de lo naturales y se mezclan con precisión para convertirse en parte de la cinematografía de un país que a través de su arte nos lleva a conocer sobre su historia y folklore. En Onibaba, el director Kaneto Shindo combina una historia ambientada en el campo japonés, un lugar donde unos cuantos agricultores tuvieron que cambiar su estilo de vida por necesidad y naturaleza, a consecuencia de la guerra existente entre el ejército de samuráis de dos emperadores que ha obligado a las personas a robar y asesinar para poder sobrevivir.

El filme se ubica específicamente en una par de mujeres, una joven y otra de edad avanzada quienes juntas se dedican a robar a soldados heridos que se adentran a su territorio e incluso tienen que matarlos. Ambas abandonadas por el mismo hombre, (el hijo para una y el esposo para la otra) tienen que comerciar con lo que usurpan a los muertos y vivir de esa forma. Una tarde un hombre que también tiene su hogar en ese poblado y que es conocido de ellas regresa de la guerra con la noticia de que el hombre que esperan ha muerto. Es en ese punto que se da una relación entre ese hombre y la mujer joven, lo que lleva a desencadenar la envidia y el miedo de la mujer mayor dando paso a que se desarrolle la historia y conozcamos la leyenda de Onibaba, el demonio.

Lo más importante a destacar de Onibaba es que el director nos entrega una de varias historias que se encuentran alrededor de la leyenda de ese demonio y lo hace por medio de una fabula budista, pero no es solo el hecho de hacerlo, también la forma en la cual la película es llevada ya que con tan solo un hueco en la tierra parecido a un pozo y el paisaje lleno de juncos que se mueven interminablemente por acción del viento y esa sensación de aislamiento entre los personajes de la película hace de esta cinta una obra del séptimo arte imprescindible de ver y precisamente lo que le da a Onibaba esa cualidad es la capacidad del director de conjugar esos elementos realistas y después cambiarlos a un ambiente fantástico y siniestro.

shadowcat

poema

X

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I´m Not There
Director: Todd Haynes
Año: 2007

Hace tiempo que quería ver I´m Not There por diversas razones y una de estas era intentar descifrar la historia que según me habían dicho era bastante difícil de entender, pero ahora que la he visto puedo decir que no es necesario tratar de confrontar nuestro razonamiento; debido a que en el film el guión es muy claro respecto a la historia, la cual narra las distintas personalidades y experiencias en la vida de Bob Dylan icono de la música folk que inicio su carrera en los años 60.
Para aquellos que aprecian la música en sus diversos idiomas y mensajes esta es una buena cinta en ese aspecto porque la película se compone de muchos capítulos que se encuentran bajo la estructura de las letras de canciones y música que por sí mismas narran I´m Not There y que le dan un carácter artístico a la película que además de estar muy bien editada, cuenta con muy buenas actuaciones y tiene momentos en que la transición de una escena a otra son memorables. Tampoco hay que pasar por alto el perfil que la cinta nos entrega del cantante Bob Dylan.

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Delta
Director: Kornèl Mundruczò
Año: 2008

El paisaje del río Danubio en Europa es el contexto que el director utiliza para el desarrollo de una historia realista. Una proyección como muchas de las que deben existir de la parte rural del viejo continente, lugares alejados de la modernidad, un pueblo en Hungría rodeado por el delta del rìo Danubio es el origen del filme que el director escribió y narró sencillamente, atributo que hizo de la cinta una historia llena de historias secretas, las cuales son una cartografía para que los espectadores descubramos el corazón de una sociedad. Y esa revelación se da a partir de dos ejes principales en la película uno de ellos la cultura y el otro la relación amorosa entre dos personajes; Fauna quien es la mujer que nunca ha salido del pueblo y que tiene que vivir bajo los conceptos de una sociedad conservadora y Mihail el hermano de ella que ha regresado al poblado después de mucho tiempo. La película en general es muy buena porque integra la historia y las imágenes sin dejar cabos sueltos, como si fuera un estudio social donde es evidente que el comportamiento de un grupo de personas y su conocimiento está íntimamente vinculado al lugar que habitan.

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Oveja negra
Año: 2009
Director: Humberto Hinojosa

Es bueno encontrar que el cine mexicano sigue aportando buenas historias a los espectadores que buscan películas mexicanas que no van a festivales o aparecerán en la sección de cine de autor. Y es que debemos aceptar el hecho de que en nuestro país regularmente hay dos estilos de cine: el muy malo y tiene como característica querer parecerse al cine de Hollywood; y el otro que no tiene que ser malo necesariamente pero que suele ser de autor y de poco acceso a todos además de contar con poca difusión. Sin embargo Oveja Negra es un filme que solo necesitó contar bien una historia para que encontrarse en otra categoría. La cual es la de cine comercial pero, bien hecho. Es decir que no busca más que lo básico sin pretensiones.

Oveja negra es un cuento simple donde un par de amigos que viven en un pueblo del norte de México han decidido después del abuso de su patrón cambiar la vida que tienen y emigrar a estados unidos. Pero para hacerlo tienen que robar ya que no cuentan con nadie y ambos son pobres. Alrededor de esa idea se va creando la trama que tiene una historia de amor, amistad, humor, buenas actuaciones, en concreto un buen trabajo del director que supo notar los alcances de la película y no forzó la cinta. Lo que hizo de Oveja Negra un buen film ligero y entretenido.

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Happy go lucky
Director: Mike Leigh
Año: 2008

No existe duda de que el cine nos enseña sobre la vida de forma positiva, incluso a las personas mas seria y de carácter duro puede sacarle una sonrisa; siempre que el manejo del lenguaje cinematográfico se concrete de forma inteligente sin subestimar a las espectadores que cada día están cansados de comedias vulgares y ofensivas.

Happy go lucky es uno de esos filmes con la capacidad de entregarnos una historia llena de alegría y entusiasmo que se ve reflejado en el personaje principal y en la trama de la cinta. Es importante destacar su sencillez y agilidad para narrarnos una breve parte de la vida de una educadora que toma la existencia como todos tendríamos que hacerlo, como la única oportunidad que tenemos de ser felices y estar en paz con uno mismo y las demás personas, sin que sea necesario convertirnos a una religión o ir a lo mas alto de una montaña.

Esta película tiene una primicia simple que la hace importante dentro de la filmografía internacional de este año, debido a que no se basa en el sensacionalismo social o género gastado para atrapar al espectador. Happy go lucky nos lleva a presenciar unos días en la vida de una maestra de preescolar que quizá contagiada por el espíritu de los niños le otorga a cada persona una forma de ver el mundo de los adultos que dista mucho de la tensión y parálisis mentales que solemos padecer los que estamos bastante crecidos y creemos que la estabilidad depende de nuestros logros sociales y laborales.

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Moon
Director: Duncan Jones
Año: 2009

Moon es una cinta estrenada en varios festivales que para algunos críticos son de segunda clase o que no tienen el nivel de grandes festivales de cine como San Sebastián o el festival de Berlín, pero llegar a un festival donde compites contra las ideas de otros y ser galardonado como mejor película y mejor actor es algo valioso, sobre todo para aquellos con el deseo de nuevas propuestas en géneros de cine que están llenos de fantasía, horror y ficción. Es por eso y debido a su calidad como obra cinematográfica de género, además de que seguramente será material de conversación para alguna generación de personas que la reseña de esta semana es para MOON, un filme de ciencia ficción que nos ofrece una historia donde existe la posibilidad de conectarse con las emociones del personaje principal de forma mucho más simple que otras películas, porque en Moon el argumento está diseñado para un solo actor, además se presta a que tomemos mucho mayor atención al nivel de histrionismo de Sam Rokcwell. Otros aspectos a destacar del filme es su arte, en cuestiones de escenografía y diseño en general ya que tienen un lenguaje por si mismos, el cual nos quiere decir que la tecnología en la actualidad tiene mucho de ciencia ficción.

El entramado de Moon está basado en un astronauta que se encarga de enviar combustible extraído de la Luna a la Tierra y que está a punto de terminar su contrato de tres años como empleado de las empresas Lunar, encargados de la tecnología que abastece a la Tierra. A partir de ese punto, del estado de soledad en el que se encuentra Sam Bell (S. Rockwell) quien tiene como único contacto a la computadora de la nave y unas cuantas grabaciones que llegan de la Tierra, la cinta comienza a desarrollarse y de esa forma establecer el contexto de Moon. El cual por un momento nos hará creer varias ideas con el objetivo de abrir la historia a algo más realista en el sentido de una cinta de género.
Otra característica de esta película que vale destacar y lo que hace de Moon una película valiosa es que lejos de ser una cinta con temas apocalípticos con relación a un posible futuro de la civilización humana, nos muestra una cara positiva de la tecnología aplicada para el beneficio de las personas y también señala que no es la tecnología lo que está mal, si no la aplicación de ella.

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El séptimo sello
Director: Ingmar Bergman
Año: 1956

Probablemente el estilo de hacer cine de Ingmar Bergman tenga un mejor ejemplo en la noche del lobo (1968), sin embargo la precisión y capacidad que tuvo para representar la vida y la muerte en el séptimo sello es el porque de escribir sobre esa cinta.
Ingmar Bergman es considerado uno de los grandes maestros del cine al crear un lenguaje que se caracteriza por narrar historias desde una visión analítica de cada personaje y exige que el entramado de las películas sea un reflejo de ellos. Y es en ese tratamiento que el cine de Bergman se lleva las palmas, porque al ser tan detallado y minuciosamente cuidado, sus obras se integran a la realidad y la ficción, al documental y la entrevista, a la visión particular y la duda existencial.

En el séptimo sello, el director se hace de un grupo de personas, de personajes paganos que son liderados por un caballero que regresa de las cruzadas, en èl recae el peso de la muerte, pero es quien a su vez guía a un grupo de gente a través de un sendero sinuoso contextualizado en la edad media.
En el filme Ingmar Bergman se excluye del pensamiento occidental sobre la muerte, al representar un contacto con la muerte que los occidentales temen por ideología. También otorga a la muerte un papel en el que juzga los actos de los seres humanos y concede la posibilidad de escapar de ella por lo menos una vez. Todo ello cubierto de una atmosfera que cambia de tonos y vinculada a lo religioso, al oscurantismo y lo pagano.

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El diario de los muertos
Director: George A. Romero
Año: 2007

De la mente que nos ha llevado a la pantalla grande lo grotesco y el primitivo instinto de supervivencia sobrenatural, del padre de los muertos que caminan sobre la Tierra, llega esta nueva entrega de cine de horror zombi: The Diary Of The Dead. La última cinta de George A. Romero y con la que se cree se cierra la trilogía que inicio con The Night Of The Dead y The Dawn Of The Dead.

En el diario de los muertos George A. Romero vuelve a presentarnos un cuadro donde inesperadamente los muertos cobran vida para cuestionar a los seres humanos sobre su propia deshumanización y falta de razonamiento frente a una situación caótica, capaz de despertar en las personas sus instintos mas oscuros o como en el caso de algunos personajes de la película lleva su razonamiento a un nivel que supera lo instintivo al transformar su entorno, utilizándolo a su beneficio.

La cinta en su forma de película de horror no solo cumple al reutilizar a estos monstruos clásicos del cine de horror que son los zombis, también concede un lenguaje actualizado de lo que debe ser una película de zombis en nuestros días. Además el maquillaje y los efectos son una parte del depurado estilo del director a lo largo de los años haciendo este género de cine, como el argumento y discurso dentro de la cinta.

Ever tried. Ever failed. No matter. Try again. Fail again. Fail better.

samuel Beckett

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Profondo Rosso
Director: Dario Argento
Año: 1975

¿Qué es el género de terror y suspenso? Si no una representación cultural de los miedos y monstruos que habitan en nuestras mentes, corazones y en la oscuridad tan distinta y a la vez cercana a cada uno de nosotros. Un ser habitante de la Tierra que posee a algunos cuantos para perpetrar sus deseos mortales de enseñarnos lo que el ser humano es capaz de hacer en cuestiones de dolor y sufrimiento. O en otros casos que viven latentes en nuestra actividad creativa y así se convierte en nuestra creación y representación propia del miedo.
Dicha representación del genero de suspenso y terror del cine italiano tiene un nombre que durante dos décadas y aun en la actualidad se ha movido como un espectro creador de obras de genero, me refiero a Dario Argento quien ha experimentado con el cine de genero entregándonos obras que van desde la sugestión a la crudeza.
El filme del que escribo de este director de culto es una de sus cintas menos fuertes visualmente, pero de las más vistas y aplaudida por los seguidores del genero. Y lo es precisamente porque al verla, desde un inicio conjuga un momento de paz con lo oscuro y perverso, además de ir construyendo un juego de detectives entre el personaje principal y el asesino.
Profondo Rosso, consiste en la psicosis asesina de un personaje que al matar deja huellas sobre su posible pasado como si deseara cubrir lo que nadie quiere que sepa. La cinta que esta cubierta por una atmosfera al estilo Hitchcok se desprende de lo normal y tiene mucho parecido a juegos psicológicos de mesa. Probablemente Profondo Rosso no sea una buena película para quienes no están abiertos a visones oscuras de culturas que no sean anglosajonas, pero eso no quiere decir que la muerte y depravación humana sea característica de una solo forma de concebir el cine. Además hay que recordar que si Profondo Rosso como espectador no te mueve también hay que revisar Suspiria (1977) y sus trabajos como guionista en Demonios 1 y 2 (1985, 1986; Lamberto Bava).

Futuro progresivo

El planeta cambia de forma progresiva, uno apenas y lo nota al llegar la muerte del amor. El mundo cambia y es innecesario escribir sobre melodías desconectadas de galaxias y civilizaciones extraterrestres en su ocaso. La Tierra cambia sin tu voz. El mundo cambia y cae frente a mí el suicida desde el noveno del edificio.

Ishtar Terra

La Tierra es como una tarde de paseo en Venus a través de una capsula espacial del siglo pasado, de aleación en tonos verdes incandescentes por excesivo uso de conductos que deben permanecer a temperatura regular.
La capsula aterriza esquivando terreno volcánico. El clima hace parecer que el transporte es más pequeño de lo normal. Tenemos que salir y tomar muestras con nuestras propias manos y dar una caminata no prevista. Llenamos los trajes con el plasma para sentirnos seguros en un clima hostil. El deseo de cada uno es obtener muestras de oro de las minas de Ishtar Terra y después volver a la Tierra como astronautas millonarios.
Hay una pequeña cresta cerca de Et y Olp. Ishtar Terra tiembla y nuestros injertos de computadora se averían centésimas de segundo, suficiente para cegarnos. La cresta, el pequeño volcán expulsa lava sobre Et y Olp. Ambos mueren. Encuentro sus cuerpos solo por suerte. No les ofrezco una ceremonia, les quito las placas de los tanques de abastecimiento de oxigeno y de presurización de plasma.

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Evil aliens
Director: Jake West
Año: 2005

Esta es una cinta realizada de forma simple casi de estilo serie b pero con un discurso moderno que la lleva por una senda discursiva violenta, sarcástica, sin sutilezas y es exactamente ahí donde Evil aliens se vuelve una película que vale la pena ver a menos de que seas un purista del cine o de pensamiento moralista.
La película es tan básica que se puede definir de manera inmediata, al verla es notorio que la idea principal está en presentarnos de forma fría sin mensajes entre líneas o visiones profundas los placeres humanos cargados de violencia, sin alma, muy al estilo hardcore, de manera que sean generadores de violencia y la cinta por si misma tenga ese discurso.

Evil aliens nos narra sobre un grupo de personas, que van desde granjeros, conductores de un programa televisivo y entusiasta s de los extraterrestres que viajan a una isla con un mínimo de población para hacer un reportaje sobre las imágenes hechas por supuestas fuerzas de otro mundo en los campos de trigo y así da comienzo la trama a una lucha entre seres humanos y extraterrestres sádicos y violentos que buscan conquistar la Tierra y despedazar a la humanidad.
Aunque la película es de muy bajos recursos tiene eso como finalidad y lo hace evidente sobre todo en la cuestión visual con respecto a los efectos especiales de las naves, todo lo demás no esta tan mal y por supuesto se pasa por alto a ver un film con esa intención.