CHOKE (2008, Clark Gregg)

Componente

Tunel

XO

a donde sea

mundo virtual

Travelling Vertical

There will be blood
Director: Paul Thomas Anderson
Año: 2007

Es cierto que las economías más fuertes del mundo se mantienen de dos negocios: la Guerra y la extracción del petróleo. Que pueden ser considerados como hermanos dentro de la historia moderna, porque la consecuencia de los últimos eventos bélicos no tienen mas excusa que la adquisición del sedimento formado en la corteza terrestre desde hace miles de años.
Seria torpe de mi parte hacer cuentas y poner fechas y nombres de los países más ricos de esa fuente orgánica, pero no me saldría del tema ya que la película que reseño hoy, nos acerca hacia muchos de los procesos o quizá el camino universal sobre como un país se apodera de lo que no le pertenece, visto a través de la historia de un personaje: Daniel Plainview.

Después de ver There will be blood hay una lista de contenidos de los que vale la pena hablar; desde quien es el director hasta el cinismo del guion. Como un comienzo, la película cuenta la vida de un hombre dedicado a la empresa de explotar el petróleo. Negocio que conoce y del que sabe que quien tenga control será dueño del mundo. Un hijo prodigo de una nación dedicada a cultivar héroes egocéntricos, megalómanos y de actitud dictadora.

Ambientada en el inicio del siglo XIX, durante la fiebre por el consumo y explotación del mineral que serviría para impulsar los medios de transportes. En un país que busca de cualquier manera monopolizar la industria del petróleo. Daniel Plainview es un hombre entregado a su trabajo de explotación y venta de petróleo, quien junto a su hijo y un grupo de trabajadores de confianza, inicia su propia empresa. Una noche es visitado por un joven granjero que le indica un yacimiento mucho más grande de lo que Plainview se imagina. Plainview y su hijo viajan al lugar y compran la tierra con el objetivo de maximizar su imperio.

En un filme que a medida que avanza nos demuestra el lado oscuro de los personajes que buscan poder a través del dinero, sus relaciones motivadas por la avaricia mas que por el afecto y una bibliografía ficticia sobre la construcción de un monopolio.
Película que no deja dudas de que Paul Thomas Anderson es un intelectual del cine norteamericano. Capaz de construir universos paralelos y dotado para hacer cine como pocos. Solo por citar un ejemplo: los planos panorámicos en There will be blood rivalizan con los de The Sacriface (Tarkovsky, 1986) y eso solamente como manejo de la cámara; la música, el guion, el arte, ustedes lo descubrirán.

plainsong-the cure

"I think it's dark and it looks like rain"
you said
"and the wind is blowing like it's the end of the world"
you said
"and it's so cold
it's like the cold if you were dead"
and then you smiled
for a second

"I think I'm old and I'm feeling pain"
you said
"and it's all running out like it's the end of the world"
you said
"and it's so cold it's like the cold if you were dead"
and then you smiled
for a second

sometimes you make me feel
like I'm living at the edge of the world
like I'm living at the edge of the world
"it's just the way I smile"
you said

Herramienta periferica

Travelling Vertical

12 monos
Director: Terry Gilliam
Año: 1995

Se dice que la historia de 12 monos tiene lugar en el pasado del cine. Aproximadamente 58 años nace y se expande un estilo de hacer cine en Francia, llamado Nouvelle vague. Forma de cine basada en contenidos simples, pero al hacer la traducción al séptimo arte; la vida común, la rutina, los dramas típicos de las personas son manifestados en un rango sutil y así no considerárseles exagerados y ficticios, y lo suficiente desprejuiciados sin caer en lo surrealista. La jettée (1962, Chris Marker) es una de tantas obras que llevan el sello de Nouvelle vague en la frente. Película de ficción o quizá cortometraje por su duración de 30 min. Considerada la idea central de donde Terry Gilliam se inspiro para hacer la cíclica y temperamental 12 monos. Aunque yo soy de la opinión de que habría que preguntarle, si así fue. Sobre todo porque el cine de este director hace corto con el delicado cine de la Nouvelle vague.
Si no me creen y nunca han visto películas de esta escuela francesa o del carácter de Terry Gilliam, solo piense en el contraste de los siguientes títulos:Hiroshima mon amour (1959, Resnais), los 400 golpes (1959, Truffaut), Dispara sobre el pianista (1960, Truffaut) por nombrar algunos y en cuanto a T. Gilliam: Las aventuras del Baron Munchausen (1989), Los ladrones del tiempo (1981), Brasil (1985). Sin embargo lo que pierde Gilliam en limpieza lo gana en el virtuosismo de crear piezas genuinas de fantasía, ficción y futurismo de reciclaje.

Respecto a 12 monos, la película nos acerca a un futuro probable de la Tierra. En un planeta contaminado por un virus que solo afecta al ser humano, dejando al resto de los animales como seres dominantes de la superficie, mientras que los humanos sobrevivientes viven en el subsuelo.
La teoría de los científicos del futuro es que un grupo ambientalista llamado 12 monos fueron quienes esparcieron el virus, por lo que con una maquina del tiempo bastante rudimentaria y con márgenes de error limítrofes envían agentes al pasado para detener al grupo de los 12 monos, antes de que el virus se propague. Uno de esos agentes, un paria, convicto es quien consigue hallar en su primer viaje al pasado evidencia de gran ayuda para remediar el futuro de la humanidad.

12 monos tiene esa visión artística de tipo bizarro y apocalíptico; aspecto característico del director. Las locaciones son siempre en un atardecer gris y la noche. En lugares descorazonados y sucios. Situación construida a propósito con el objetivo de hacernos parte de esa atmosfera decadente de las grandes ciudades en los años 90, cuando la civilización estaba ante el umbral de la tecnología de punta y la locura colectiva.
Además la historia y el guion nos prueban como espectadores. Porque exponen nuestra fragilidad como organismos vivos. Y teoriza sobre la soledad de los viajeros del tiempo. Condición a la que estamos sometidos cada vez que recordamos, sobre todo si nuestro entorno esta ambientado por música de Tom Waits y Astor Piazzolla.

Travelling Vertical

Underground
Emir kusturica
Año: 1995

Si hablamos de los directores destacados del cine moderno, son pocos los representantes de la región de los países bajos, pero a pesar de ello figuran en los más grandes festivales del mundo. Un ejemplo es Cristian Mungiu ganador de la palma de oro en Cannes del año 2007 con la película 4 meses, 3 semanas y 2 días. Hecho que en la actualidad quizá lo haga el más conocido, sin embargo si damos unos pasos hacia atrás y nos situamos al menos una década en el pasado encontramos el nombre de Emir Kusturica, cineasta y músico de origen serbio, también ganador de la palma de oro con Underground (1995). A pesar del galardón para algunos nuestro primer acercamiento al cine de Kusturica fue Tiempo de gitanos (1998) película que representa de forma irónica y folklórica la vida de las personas mas desprotegidas de la región yugoslava y además pone en evidencia lo indiferentes que son los países desarrollados en Europa con sus vecinos necesitados.

De vuelta a Underground esta es un largometraje que manifiesta la inconformidad del director hacia los ataques que ha sufrido la región de los Balcanes desde la segunda guerra, el inicio de una guerra civil y sus consecuencias sociales. La historia de Underground se centra en un hombre que utiliza a sus amigos y familiares para manufacturar y vender armas durante la segunda guerra. Negocio que extiende hasta el final de esta y el inicio de la guerra de Bosnia. Engañando a quienes confían en él y confinándolos a un sótano para que se mantengan ciegos ante lo que está pasando.

Emir Kusturica es transparente en su discurso, lo que convierte sus obras en cine de autor a pesar de que el término se haya confundido y sobrevalorado. Basta con citar ejemplos como rescatar o reutilizar archivos fílmicos para servirse de ellos y así contar una historia que seguramente al verse en el momento de su estreno o actualmente, despierta momentos históricos de la civilización moderna que no pueden quedarse atrás. A primera impresión parece que estoy hablando de una cinta pesada, sombría y difícil de ver, pero no es el caso porque el director tiene la habilidad de sacar provecho del guion y representar no solo el lado negativo de las personas y los hechos, también subraya lo positivo de su cultura tan pasional y semejante a la latinoamericana. En sus maneras de sacar provecho de las desgracias y mantener la esperanza. No así en su nacionalismo arraigado hasta la confusión, como señala E. Kusturica en Underground.

Martes como hoy

Travelling Vertical

El topo
Dirección: Alejandro Jodorowsky
Año: 1970

Hace unos meses una publicación en la red subió información sobre trece lecciones para hacer cine según Jodorowsky. Como renuente lector on line leí unas dos o tres lecciones y me quedo claro que Jodorowsky era un autor de cine para sí mismo. Con sus lecciones (después de leerlas todas) intenta no fomentar el hacer cine, él trata de explicarse como realizador y dejar en claro que las películas deben tener contenidos espirituales y físicos. Revelar el cine como una extensión de nosotros y la realidad que hemos creado. Otras versiones menos exaltadas y entre charlas me comentaban que Jodorowsky trabajó con el dibujante Moebius haciendo comics, confieso que me atrajo su versatilidad porque lo que yo sabía era que su producción artística se limitaba a la literatura. A pesar de tenerlo hasta en la sopa fue hasta el lunes pasado que vi el topo y comprobé su congruencia y visceralidad como autor, supongo que a veces va demasiado lejos y por eso el topo es una gran película, pero me deja con una nausea exagerada y sin ganas de volver a verla completamente. Y es que dicha película se divide en dos partes, aunque jodorowsky piense distinto si lee esta reseña.

La primera parte es un western con una sobresaliente ambientación de tono y ritmo que nos hace pensar que no vemos una película, su fluidez narrativa es similar a la de leer un libro. En una historia de la que tenemos una lectura en fotogramas por segundo sobre un pistolero que viaja con su hijo por el desierto y juntos encuentran un pueblo donde ocurrió una matanza. En ese punto el destino guía a padre e hijo a los múltiples asesinos de la gente de ese pueblo y hacia un futuro que los aísla; entonces la historia se centra en el pistolero demostrándonos que ese hombre es un ser excepcional, no solo dotado con la habilidad de manejar un arma, también iluminado espiritualmente. Sin embargo como cualquiera es corrompido por el poder y conocimiento.

La segunda mitad de la película se enfoca hacia la crítica social y lo hace de forma despiadada. La sociedad es presentada grotesca, mentirosa, llena de temores, perversa, insensible, un espejo de cuerpo completo. La película se satura de transgresión y se vuelve un escupitajo en el rostro del espectador, claro la historia no se pierde, seguimos con el personaje del pistolero que es rescatado por un grupo de personas en su mayoría con malformaciones físicas, hasta que despierta y sin poder quedarse ciego ante la injusticia y el desprecio que las personas del pueblo cometen al grupo de personas que lo rescataron, decide ayudarlos y tal vez de esa forma lograr absolución de sus actos en el pasado.

Travelling Vertical

Batman / The Dark Knight
Director: Christopher Nolan
Año: 2008

En la actualidad el universo de los comics ha evolucionado, al nivel de convertirse en el umbral de la literatura y la plástica para millones de personas. Desencadenando una euforia en las productoras de cine más poderosas que año con año apuestan por películas basadas en historietas. Circunstancia que en el pasado desearon algunos fans del comic. Una época en la que DC y Marvel comics dominaban el mercado adaptando las historias de sus personajes al mundo moderno, dejando atrás la manía de hacer héroes capitalistas y villanos socialistas. Lo que llevo a historias capaces de tocar a generaciones de lectores que nada tenían que ver con los “baby boombers”. Obviamente que con dicha reestructuración muchos personajes de DC y Marvel quedarían sin rumbo, circunstancia que llego a afectar mas a DC, al grado de que a Superman hasta lo tuvieron que matar. Mientras que otros se vieron favorecidos por el hecho de tener sus propios demonios y empezar una lucha contra ellos, en lugar de andar vendiendo banderas.

Hoy en día Batman y Spiderman son el referente no solo de los comics, también de las adaptaciones en el cine. Siendo sus películas las mejores a pesar de que ahora existan mas editoriales que se dedican a la industria de los comics y empiecen a construir sus propios mitos. Como es el caso de Hellboy de Dark Horse comics que en determinados asentamientos geográficos y sociales ha sido favorecido por el cine. Curiosamente las mejores películas de superhéroes de esos tres personajes han sido las segundas partes. Sin embargo Batman, The Dark Knight hasta el momento supera ha cualquier película basada en un comic. Batman, The Dark Knight es un homenaje en cine al comic y una reivindicación con los cercanos seguidores del universo del hombre murciélago, así como un despertar para aquellos que ya vieron la película y no han leído: The Dark Knight Returns, Arkham Asylum y The Killing Joke.

En esta segunda entrega la visión de Christopher Nolan nos lleva a un Batman confrontado, en la cuerda floja por así decirlo. Un antihéroe que ha perdido su mayor ventaja sobre los criminales de Ciudad Gótica. El miedo infundido por él ya no es el mismo. Con la llegada del Joker, queda expuesto como alguien limitado a las reglas y en un momento de la película sin motivos para seguir siendo el caballero de la noche. Además la ciudad encuentra en el fiscal Harvey Dent a un nuevo héroe que por una cara esta acatado a la constitución, él es el personaje que Gótica necesita, un funcionario publico con la fuerza necesaria para destruir el índice criminal de la ciudad, quien aliado a el comisionado James Gordon y Batman forman un martillo en contra de la mafia. Criminales que encuentran como única solución al hombre de la sonrisa eterna, el rey payaso del crimen. Un villano elocuente que a través de la película adquiere ese carácter mítico que en los comics es evidente. Su propósito el caos, las cosas sencillas de la vida, la dinamita, la pólvora y los cuchillos. Un acierto del guión, porque cada vez que el Joker se define, ayuda a definir a los otros personajes y que no se diga más.

House of Cards / radiohead

I don't wanna be your friend
I just wanna be your lover
No matter how it ends
No matter how it starts

Forget about your house of cards
And I'll do mine
Forget about your house of cards
And I'll do mine

Fall off the table,
And get swept under
Denial, denial

The infrastructure will collapse
From carpet spikes
Throw your keys in the bowl
Kiss your husband 'good night'

Forget about your house of cards
And I'll do mine
Forget about your house of cards
And I'll do mine

Fall off the table,
And get swept under

Denial, denial
Denial, denial

Your ears are burning
Denial, denial
Your ears should be burning
Denial, denial

Travelling Vertical

La ex mujer de mi vida
Director: Josiane Balasko
Año: 2005

Decidí hacer la reseña de esta película de manufactura francesa simplemente porque es mejor otras del mismo país que vi en las últimas semanas y de las cuales esperaba más. Una de esas películas es la escafandra y la mariposa (Julian Schnabel, 2007) ganadora en el festival de Cannes y adulada por muchos, pero para mi es una película que reutiliza el tema del hombre ante la adversidad de una enfermad, lo único nuevo es una enfermedad distinta a otras películas como mi Pie izquierdo (Jim Sheridan, 1989) o Despertares (Penny Marshall, 1990) que para mala fortuna de los franceses son producciones de Hollywood. También la vendían diciendo que contenía imágenes sublimes, pero no es cierto, las imágenes están bonitas y punto, además se dan en momentos muy esporádicos. Para eso, es mejor ver toda la serie de Planeta Tierra realizada por la BBC. La otra cinta francesa es À l'intérieur (Alexandre Bustillo, 2007) película de género gore que desde el inicio promete ser repetitiva, sin imaginación y solo se puede rescatar la fotografía.

Sin embargo una industria que produce alrededor de 200 películas al año regularmente tiene varias cosas agradables de que hablar, como es el caso de la ex mujer de mi vida. Película de comedia que nos narra la vida de un escritor de cuentos de terror y fantasía que se reencuentra con su ex esposa. Situación que se vuelve complicada debido a que ella está embarazada y él se ve obligado a cuidarla a pesar de que aparentemente la detesta y estar comprometido con otra mujer.
La historia tiene un ritmo preciso y estable, aderezada por circunstancias que tratan de identificarse con el espectador, llena de personajes ridículos y a la vez enternecedores, además profundiza en las relaciones significativas de las personas, lo que lleva a una narrativa inteligente y sin prejuicios. Una película sencilla, sin mayores pretensiones y emocionalmente sincera.

Into my arms / Nick Cave

I don't believe in an interventionist God
But I know, darling, that you do
But if I did I would kneel down and ask Him
Not to intervene when it came to you
Not to touch a hair on your head
To leave you as you are
And if He felt He had to direct you
Then direct you into my arms
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my arms
And I don't believe in the existence of angels
But looking at you I wonder if that's true
But if I did I would summon them together
And ask them to watch over you
To each burn a candle for you
To make bright and clear your path
And to walk, like Christ, in grace and love
And guide you into my arms
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my armsAnd I believe in Love
And I know that you do too
And I believe in some kind of path
That we can walk down, me and you
So keep your candlew burning
And make her journey bright and pure
That she will keep returning
Always and evermore
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my arms

Travelling Vertical

Wall- E
Director: Andrew Stanton
Año: 2008

Primero; esto es animación por computadora y como tal, es el género más joven que existe en el cine. Entonces sí esta claro qué estamos viendo, es fácil entender la libertad creativa y las bases cinematográficas de la animación. Un género que al respetar esa necesidad de ir hacia lo inexplorado y a su vez lo fundamenta con el cine, se convierte en Wall – E.

La historia de Wall – E nace de los cerebritos que trabajan en las industrias Pixar, empresa que utiliza la tecnología en pro de la humanidad, si no me creen pueden revisar The incredibles (Brad Bird, 2004) y Ratatouille (Brad Bird, 2007 ). Wall – E es un robot abandonado en la Tierra que está programado para recolectar y organizar la basura y así ha sido durante 700 años con respecto a la línea del tiempo en la película. En un planeta donde ni un organismo vivo puede sobrevivir y los humanos han escapado al espacio, dejando un paisaje árido y desolado de lo que antes fue un edén. Es ahí donde este robot acumula basura y recuerdos albergando la esperanza de encontrar una compañera. Situación que puede sonarles descabellada, si así es: vuelvan al primer párrafo de esta reseña.

Evidentemente esta película es pura enseñanza a partir de imágenes y circunstancias que se narran de manera emotiva. En Wall-E se representa el ideal del amor, sentimiento que el robot aprende por medio del cine. Justo como aprenden de las emociones las personas sensibles y solitarias. Observando y racionalizando: la imagen y el movimiento. También vemos durante la primera parte de la película lo que es un homenaje al cine mudo, en escenas que rinden culto más que nada a la comedia silente. Hasta llevarnos a un viaje a la belleza del universo desconocido, hacia aquello que sólo podríamos ver por la magia del cine o nuestra imaginación. Ejemplo de ello son los ojos de Wall – E que reflejan una constelación de gases que emiten colores purpura o para no ir tan lejos la expulsión de una llamarada de plasma solar. Sin olvidarnos de la realidad de los estragos que puede causarle a la humanidad el consumo en masa y la dependencia a las maquinas (temas que también son expuestos en la película); así como la voluntad del ser humano por vivir.

La dinámica de Saturno