Travelling Vertical

Barry Lyndon
Director: Stanley Kubrick
Año: 1975

El tiempo ha pasado y el séptimo arte es testigo de ello de manera participativa. Sirviéndonos como medio visual de la historia de la humanidad, algunas veces subjetivamente, lo más apegada a la verdad histórica o situando dramas humanos paralelos a momentos históricos de la humanidad. Debido a eso nunca está de más retomar a los grandes maestros del lenguaje cinematográfico y analizar desde nuestra perspectiva alguna de sus grandes obras. Uno de esos maestros es Stanley Kubrick, quien seguramente muchos han escuchado nombrar y una de sus grandes obras es Barry Lyndon. Cinta ambientada en gran Bretaña del siglo XVII, que en lo profundo de ella y en la mente de Kubrick, realiza una crítica, no al estilo de vida de la burguesía británica, si no a quien renuncia a la belleza natural de la vida por la ostentosidad sin estar consciente del daño que se hace a sí mismo.

Barry Lyndon es el nombre de un joven granjero que está enamorado de su prima que después de hacerle creer que ella también lo quiere se compromete con un capitán Inglés. Llevando a Barry Lyndon a un duelo que lo obliga a huir de la campiña e introducirse en un mundo que le es desconocido pero, al que su inteligencia y falta de sensibilidad después de haberla perdido en el momento en que fue engañado por la mujer que amaba, le señalan un camino de avaricia y arrogancia de fácil acenso; si se va la vida en esa búsqueda de placer. Justamente como Barry Lyndon hace en su ficticia bibliografía fílmica.

Stanley Kubrick nos regala una obra de cine que ejemplifica porque el séptimo arte es tan apreciado al conjugar de forma majestuosa otras artes. En Barry Lyndon, Kubrick no solo entrega un discurso sobre las pasiones del hombre, también relata una pieza digna de las mejores novelas de época, así como nos enseña sobre apreciación de las imágenes en movimiento a través de las emociones de los personajes, uniéndolas a una melodía minimal que se convierte en un personaje a la par con el narrador externo de la película. Haciendo de Barry Lyndon una gran película que cierra el círculo en cuanto a Stanley Kubrick, que llevo la mayoría de los géneros del cine a un nivel de realización y análisis como nadie lo ha hecho.

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Lake Tahoe
Director: Fernando Eimbcke
Año: 2008

Esta es una película de la que voy a mencionar pocas cosas para sintetizar y no dar vueltas sobre el cine mexicano en la actualidad. Del director se que su primer película es temporada de patos y me pareció mala, acerca de Lake Tahoe desde el inicio me hace pensar en Mystery Train de Jim Jarmusch.

Lake Tahoe es una buena película narrada al estilo de dos o tres directores que son influencia para Fernando Eimbke. La fotografía es buena y la historia es agradable y un poco sórdida. Hay que subrayar que el cine en México como cualquier otro arte esta constituido de una variada gama de influencias del extranjero y que esto no demerita, reafirma una cultura llena de contrastes y capaz de adaptarse a otras maneras de pensar sin perder su identidad. Como se nota en la historia de Lake Tahoe donde el plot principal esta ligado a la muerte y su influencia en la vida de un joven que durante la película esta perturbado por la muerte de su padre.

Yuggoth

Nautilos
navega sobre Dagón
sus luces fluorescentes imitan al cielo
Su sonido:
Mar purpura
Noche de acuario

La precipitación

En todo lugar
Los libros hablan sobre ti
Derrumbe de hojas

Inundación ocre
A extremos de la Cd

Despedir enero

Las niñas huyen
Hacen equipos
En una cancha, en cemento
Gritan formulas para crecer
Con disparos de izquierda y derecha
Espejismo de las once
Abre paso a la última hora
Y pueda tomar el mundo entre nuestras manos
Reescribirlo después de la lluvia Kores
Contrarrestar matemáticas y español
En el libro perdido de historia

Te beso usando catalejos
Óptico contemplo
La caída de tu suéter
Rupturas en el pans
Un cabello que contiene esporas de los arboles
Que indican con su sombra mi regreso a casa
Es la tarde de enero una postal acartonada
La moneda soluble en casi una década.

Víspera laser

Confort de neón apagado
Un planeta de cosas amontonadas
(Aguardan sin respirar)

Mini epopeyas del tiempo
En 1983
Día 21, día 19, día 26

Una vuelta y el mismo lugar
Describen el amor en laser


Invierno periférico
Estruendo del cambio de track
No es suficiente la noche de súper carretera
Cuarenta minutos de viaje en subterráneo
O un pasaporte sellado en Canadá.

Dr Doom

Debe existir una pausa
entre tanto tiempo
y
limites para el espacio

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Alphaville
Director: Jean- Luc Godard
Año: 1965

La literatura distingue al género de la ciencia ficción en dos categorías: ciencia ficción ligera y ciencia ficción dura. En la primera los cuentos que se dan a conocer o que son narrados no están sujetos a un juicio científico, dando por establecido que cualquier situación es posible dentro de ese universo o discurso narrativo. En la ciencia ficción dura, las historias están vinculadas lo mas que se pueda a los conocimientos científicos y a posibles avances técnicos. Lo que propicia rigor en el discurso narrativo llevándonos a un estilo que por su misma complejidad es mas realista y por ende debe ser tratado con mayor cuidado, porque sino termina en una simple pretensión.

Dentro del séptimo arte el género de ciencia ficción también puede ser dividido en esas dos categorías, pero me es difícil pensar en películas del género que sean ciencia ficción dura. Debido a que el género es y ha sido utilizado en su mayoría como un sencillo entretenimiento a pesar de ello 2001: una odisea en el espacio (1968, S. Kubrick), Solaris (1972, Tarkovsky), Primer (2004, Shane Carruth), Ghost in the Shell (2004, Mamoru Oshii) y Alphaville, son un ejemplo de esa categoría del genero, además de que cada una de ellas representantes de distinta generaciones del cine.

Alphaville es una ciudad de otra galaxia a donde es enviado el espía Lemy Caution haciéndose pasar por un reportero con el objetivo de eliminar al creador de un sistema (Alpha 60), el cual suprime las emociones de las personas guiándolas a una sociedad que elimina la voluntad de los individuos con el objetivo de que todos sean parte de un bien superior. Sin embargo el adoctrinamiento de Alpha 60 no tiene el mismo efecto con todas las personas lo que lleva a eliminar a quienes se oponen al sistema.

La película como destacada obra de la Nouvelle vague cuenta con el héroe que parece un antihéroe, el villano con un gran poder, el distintivo blanco y negro y un buen y estructurado romance dentro de la película. También lo que vale la pena señalar es la teoría del filme sobre el lenguaje y las emociones. Porque en Alphaville las palabras que Alpha 60 suprime del conocimiento de las personas afecta en la experiencia de la gente, volviéndola incapaz de comunicarse mas allá de las palabras. En un lenguaje limitado y rediseñado para la creación de una sociedad distópica. Justamente lo que lleva a esta obra de la cinematografía a compararse con la literatura en 1984 de G. Orwell y un mundo de feliz de A. Huxley. Y por lo que se encuentra en la categoría de ciencia ficción dura, ya que le basta con un guión solido e innovador para hacernos sentir fuera de este mundo o en futuro posible. Lo que hace de Alphaville una gran obra de cine a pesar de que la mayoría de las personas no van a verla.

Interpol - Rest my chemistry

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Aelita
Director: Yakov Protazanov
Año:1924

Durante varias décadas el cine ruso tuvo una época grande en cuanto a producción fílmica no solo en realización, también en la calidad de sus contenidos llenos de una notable carga social y política. Incluso muchos años después la llegada de la Perestroika propicio que a finales de los años 80 se diera un diminuto boom en el cine ruso de esa época, aunque dicho movimiento marco el fin de una industria que se había hecho un nombre gracias a Essestein y Tarkovsky.

En la actualidad quizá la cinta más vista en Latinoamérica de origen ruso es guardianes de la noche y del dia (2004,2006 Timur Bekmambetov) pero, lo único remarcable de esa cinta son los artificios tecnológicos así que no me voy a detener más tiempo en ella. Contrario a esta y de inicio de esta década hallamos el regreso (2003, Andréi Zvyagintsev ) una verdadera obra de cine con identidad una historia narrada elocuentemente. Sin embargo en esta reseña iremos 85 años en el pasado para hablar de AELITA un filme que si tuviéramos que encasillarlo iría más allá de la ciencia ficción.

La película en blanco y negro, cobijada por el silencio de las voces de los actores y una pieza de música clásica le otorgan un tono parecido al teatro sobre todo cuando el contexto cambia de la Tierra a Marte. Aelita consiste en una historia dividida entre el drama humano y el extraterrestre y nos deja claro esa idea de que el cine es lo más cercano al mundo de los sueños. Mucho antes de que esa frase se acuñara y se convirtiera en una formula barata para resolverle el mundo a escritores de Reader’s digest y las actuales producciones estadunidenses.

Aelita es el nombre de la reina de Marte que a través de unos cristales puede ver la vida en la Tierra de un ingeniero espacial que entregado a su trabajo se confunde entre la realidad y su imaginación convirtiendo su vida en un martirio para si mismo y para la mujer que ama. En la película vemos una sociedad humana que ha absuelto la esclavitud pero, le ha dado paso a la división de clases y a batallas individuales en las emociones y deseos de las personas. Y en Marte (un planeta de corte expresionista) la civilización esta bajo un régimen que mantiene a la mayoría en la esclavitud e incluso Aelita es restringida de tomar sus propias decisiones. Lo que da pauta a que la trama nos lleve a manera de ciencia ficción a la confrontación de los individuos contra los demonios más ridículos de las personas: los celos y el poder.

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Unbreakable
Director: M. Night Shyamalan
Año: 2000

Esta entrega es sobre la segunda película producida, escrita y dirigida por uno de los directores de cine de la escuela norteamericana de Spielberg y Hitchcock: M. Night Shyamalan un director y escritor del cual una vez que se ha revisado toda su filmografía no cabe duda que sus películas son basadas en información a la que tiene acceso.

En Unbreakable el fenómeno que explora es la cultura del comic, las implicaciones mitológicas a las que revistas de superhéroes son expuestas y entrega un análisis realista del superhéroe inmerso en la modernidad, el contexto de M. Night Shyamalan.

En la historia de la cinta un padre de familia que tiene un empleo mal remunerado como vigilante en un estadio de futbol y que esta a punto de separarse de su esposa es agobiado por una sensación que lo ha perseguido siempre, el hecho de levantarse cada día y darse cuenta de que no está haciendo lo correcto con el curso de su vida. Situación que se manifiesta con más fuerza al ser el único sobreviviente de un accidente de tren. Acto que permite el desarrollo de la película, donde se va descubriendo a manera de suspenso la existencia de una teoría sobre el superhéroe y los conflictos sociales e individuales que enfrentaría en una sociedad donde el concepto es irreal e imposible.

Navidad artificial

En muchos colegios estaban ya de vacaciones y había como un millón de chicas esperando a su pareja: chicas con la pierna cruzada, chicas con la pierna sin cruzar, chicas con piernas preciosas, chicas con piernas horrorosas, chicas que parecían estupendas y chicas que debían ser unas brujas si de verdad se les llegaba a conocer bien. Era un bonito panorama, pero no sé si me entenderán lo que quiero decir. Aunque por otra parte era también bastante deprimente porque uno no podía dejar de preguntarse qué sería de todas ellas. Me refiero a cuando salieran del colegio y la universidad. La mayoría se casarían con cretinos, tipos de esos que se pasan el día hablando de cuántos kilómetros pueden sacarle a un litro de gasolina, tipos que se enfadan como niños cuando pierden al golf o algún juego tan estúpido como el ping-pong, tipos mala gente de verdad, tipos que en su vida han leído un libro, tipos aburridos…

El guardián entre el centeno – J. D. Salinger

Tomacorriente

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Familia tortuga
Director: Rubén Imaz
Año: 2007

La película de Rubén Imaz producida con el apoyo de Coneculta es la prueba de que el cine mexicano tiene futuro, sobre todo si permiten que los creadores presenten sus ideas de forma natural sin que nadie ajeno a la producción artística se involucre para desvirtuar o popularizar de forma grosera el trabajo de quien ha tenido que luchar para divulgar su obra. Es así como las obras de cineastas mexicanos y entusiastas del séptimo arte a través de continuar con su ideal llegaran a la madurez suficiente para establecer una industria del cine en un país optimo para crear una vasta filmografía moderna que no solo se ubique en ideas derivadas del norte y centro del país.

La cinta de Rubén Imaz tiene una primicia simple sobre un día en la vida de una familia que recientemente perdió a uno de sus miembros e igual a muchas familias viven bajo el mismo techo pero, la comunicación entre ellos y los problemas individuales son el factor predominante para exponer su historia y precisamente por eso Familia tortuga es el ejemplo de que el cine en México debe tomar rutas distintas y ajenas a la realidad centralizada.

La película debe verse desde dos perspectivas. La primera es que la cinta es un principio más parecida a un video o cortometraje, que lejos de incitar al espectador a seguir viéndola dan más ganas de apagar el lector de DVD y hacer cualquier otra cosa. Además de ser un cliché andante no solo en la historia, también en sus personajes y forma de ser.
La segunda perspectiva llega a la mitad de la película, porque la historia se estabiliza dando lugar a una narrativa agradable, la cual nos hace dejar atrás los clichés del filme para dar paso a la mirada del director acerca de la comunión en familia dentro de una sociedad en una Cd caótica y más que nada para que gestemos la teoría de que la película tiene dos ritmos o lenguajes distintos. Uno cobijado por el dogma 95 o la velocidad en la que se vive en el DF. El otro lenguaje, el de un cine con un objetivo social que nos muestra una historia donde la belleza de la cinta se enfoca en la intimidad del núcleo familiar y cada uno de los personajes. Finalmente para apreciar familia tortuga se necesita voluntad, gustar ampliamente del cine y haber hecho un sacrificio por mínimo que haya sido para conseguir la película.

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No amaras
Director: Kristof Kieslowski
Año: 1988

K. Kieslowski afamado director polaco, quien llevara a lo mas alto al país de Francia con la trilogía tres colores: azul,blanco, rojo. Títulos que hacen alusión a la bandera del país galo y que no solo causaran que se hablara de dichas películas por ese hecho, también lo hicieran por la catedra de cómo hacer cine en cada una de la trilogía donde usa como ejemplo a la sociedad francesa. Presicion dircursiva/narrativa notable que tambien uso en No amaras, filmada en su país de origen. En la cual Kieslowski expone su teoría sobre el amor.

No amaras es una cinta en la que un joven de 19 años llamado Tomek se enamora de una mujer adulta de nombre Magda, a la cual observa desde la ventana de su cuarto y que idealiza debido a las emociones que ella le causa, tan solo con el hecho de verla. Obviamente ellos comienzan una relación que a través de la película adquiere todos los matices de un primer romance para Tomek. Romance de donde se sustenta la historia del director, al presentar los dilemas mas comunes y verdaderos de una relación que es sostenida entre el ideal y la realidad de un sentimiento que una vez llevado al limite emocional termina de ser un ideal y se convierte en una búsqueda. Discurso que plantea Kieslowski por medio de los personajes, quienes comparten el mismo deseo. Sin embargo para Tomek dicho sentimiento es nuevo y esto lo lleva a idealizar a la persona que ama, a la vez que Magda como consecuencia de sus distintas experiencias y estilo de vida entiende que la unión entre ellos debe disolverse. Lo que da paso a una confrontación de emociones, sentimientos, malos entendidos y tristeza que con respecto al lenguaje del director y a la manera en que nos cuenta la película, es el pesimismo y el miedo la base para que las relaciones se fracturen. Y la idea principal en las que el director explora para hacer a través de un guión solido y buenas actuaciones, una de sus mejores películas.

Se nos ha muerto el año donde dejé tu nombre
para que recobrara su condición de estío.

Ya no sé,nunca entiendo estas precarias sílabas,
cosas que no recuerdo de pronto me dominan:
¿te dije que tenías la piel como de humo?
¿que de estarme en tus ojos me conozco el origen?
¿te he enseñado el misterio de los árboles solos? ¿sabes ya que tus manos son dos siestas dormidas?

No sé, nunca recuerdo tanta distancia,tanta canción que no
he cantado cuando anduvimos juntos.
Me dolería mucho no haberte dicho todo lo que llevo en la boca casi como otra risa.

ARMANDO TEJADA

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The fall
Director: Tarsem Singh
Año: 2006

Un año después de su estreno en Europa en el festival de cine fantástico, ficción y horror de Sitges, gracias a las descargas en Internet finalmente vi The Fall ganadora del premio a la mejor película en la edición Sitges 2007. Película dirigida por Tarsem Singh, un director de origen hindú quien en sus inicios se dedico a hacer videos musicales y que mas tarde llevo la estética visual de los videos a la pantalla del cine con su primer largometraje The Cell (2000), película donde ya demostraba su capacidad para crear una dirección de arte sobresaliente, como piezas de un surrealismo aun no consolidado y apenas explotado por unos pocos directores en el séptimo arte.
Desafortunadamente su primera película carecía de una historia que rivalizara con el aparato visual y contaba con una que otra estrella de la pantalla que desvirtuaban por mucho a The Cell.

Años más tarde cuando se le había perdido la pista aparece Tarsem Singh con su segundo largometraje. Filme que refuerza su teoría visual, además de demostrar madurez en su discurso visual y en la historia de The Fall. Respaldado por las actuaciones, la fotografía, la música y la edición; aspectos de la creación de las obras de cine donde la mano del director es de vital importancia.

The Fall es una cinta filmada en alrededor de 18 países que nos acerca a una historia en los años 20 dentro de un hospital, en donde dos personas internadas crean un vínculo de amistad. Un hombre adulto y una niña; ambos a partir de un cuento van descubriendo su vida y el porque están recluidos ahi. En un filme que si bien tiene una historia que por breves momentos se cae (y eso ocurre únicamente porque conocemos el referente de El Principito como obra literaria adaptada al cine) acierta al sobreexponer el delicado mundo de los adultos y el idealista y valiente mundo de los niños.

about Kurt Vonnegut's slaughter 5