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La visita de la banda
Director: Eran Kolirin
Año: 2007

Es agradable tener la oportunidad y el deseo de ver cine de otros países, además de la importancia que tiene para conocer la cosmovisión de otras sociedades que distan de la propia y ayudan a tener un concepto amplio de lo que el mundo en su totalidad representa desde una perspectiva social. Basándome en esa idea doy inicio a la reseña de esta semana, sobre una cinta en donde la convenciones sociales de dos grupos de personas de diferentes países se mezclan azarosamente dando paso a un shock cultural entre egipcios e israelís; los primeros, una banda de música de la policía egipcia que viajan a Israel para dar una presentación en un centro cultural de ese país y los segundos, un grupo de personas de un poblado de Israel que reciben a los músicos de la banda.

La visita de la banda lleva consigo implicaciones que al relacionarse con el comportamiento y estilo de vida de quienes están cerca de alguno de los miembros ocasiona que en poco tiempo se dé una amistad inusual. Amistad que sirve de ayuda entre ambos grupos que en una tarde y noche que los músicos conviven con unos cuantos habitantes del pueblo estos se llegan a conocer y aprender mutuamente de su felicidad y tristeza.

Una película que a pesar de no corresponder a los niveles de cine espectáculo que la mayoría de las personas busca se sostiene por otros atributos relacionados al cine como arte, una herramienta cultural y artística que contiene y usa de buena forma la música, las actuaciones, el guion, la narrativa, fotografía, elementos importantes en una cinta que deben estar presentes en cualquier trabajo del séptimo arte y La visita de la banda cumple con esos requisitos.

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Where The Wild Things Are
Director: Spike Jonze
Año: 2009

Hace algunos meses cuando vi el trailer de where the wild things are me sorprendí de volver a ver el nombre de Spike Jonze en los créditos ya que había pasado el tiempo sin saber de este videasta y director cinematográfico al que por razones personales y nostálgicas, y también por su calidad y firma particular es importante apreciar lo que ha hecho a través del video y el cine. Es probable que nombres de películas como adaptation (2002 ) y being John Malkovich (1999) y videos de artistas como Bjork y Chemical Brothers les recuerden obras del pasado de este director que tiene un gusto hacia la belleza de los recuerdos, de la memoria, los sueños y la imaginación que se ven reflejados en videos y filmes. En esta ocasión su trabajo está basado en un libro para niños que lleva el mismo nombre de la cinta.

En where the wild things are, el personaje principal es un niño que vive con su madre y su hermana pero se siente abandonado por ellas y después de pasar por una tristeza profunda que tiene que ver con la soledad y falta de atención destruye un objeto que para su hermana tiene valor sentimental a manera de venganza porque los amigos de ella destruyeron el iglú que había construido. Lo que lleva a una situación donde el personaje principal pierde el control de sus emociones y se rebela contra sus familiares.

La película desde el punto de vista sin consultar el libro está llena de aciertos que la convierten en una obra que debe apreciarse. Spike Jonze nos lleva al mundo que habitan los monstruos donde un niño aprende que el rencor, la venganza, la incomprensión y el odio a si mismo, son el producto de algo que fue bello y continua siéndolo y que los seres salvajes son quienes llegan a sentir con mayor fuerza y apreciar la verdad como símbolos de amor entre todos los seres. Una enseñanza que toda historia debe contar cada vez que estén involucrados seres puros ya sean monstruos o niños. Además Spike Jonze amplia el sentido de la película al no dejar en la superficie todo lo que representa la trama de la cinta y de seguro de la adaptación del guión cinematográfico al libro.

En aquel día de luna azul de septiembre
en silencio bajo un joven ciruelo
estreché a mi pálido amor callado
entre mis brazos como un sueño bendito.
Y por encima de nosotros en el hermoso cielo estival
había una nube, que contemple mucho tiempo;
era muy blanca y tremendamente alta
y cuando volví a mirar hacia arriba, ya no estaba.


Desde aquel día muchas , muchas lunas
se han zambullido en silencio y han pasado.
Los ciruelos habrán sido arrancados
y si me preguntas ¿qué fue de aquel amor?
entonces te contesto:no consigo acordarme,
pero aun así es cierto sé a qué te refieres.
Aunque su rostro , de verdad , no lo recuerdo,
ahora sé tan sólo que entonces la besé.


Y también el beso lo habría olvidado hace tiempo
de no haber estado allí aquella nube;
a ella sí la recuerdo y siempre la recordaré,
era muy blanca y venía de arriba.
Puede que los ciruelos todavía florezcan
y que aquella mujer tenga ya siete hijos,
pero aquella nube floreció sólo algunos minutos
y cuando miré a lo alto se estaba desvaneciendo en el viento.

"Recuerdo a Maria A." Bertolt Brecht

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The Fourth Kind
Director: Olatunde Osunsanmi
Año: 2009

El nombre de esta película deviene de la denominación que hacen los investigadores del fenómeno OVNI al supuesto contacto entre seres humanos y entidades de otro planeta, también conocido como abducción. Se dice que la abducción es el contacto directo con estos seres y existen muchos casos de personas en el mundo que afirman haber tenido un encuentro de este tipo, obviamente el cine que desde su invención es una herramienta para representar los sueños del hombre asi como su existencia y para manifestar la imaginación, no es ajeno a este tipo de temas y desde los años 50 con el estallido de la guerra fría y su latente guerra nuclear, los creadores de cine han usado los mitos sobre el fenómeno OVNI que se suscitaron y tuvieron un mayor auge en esos años, con el objetivo de entretener e informar sobre lo que se supone es la manifestación de la vida extraterrestre en la Tierra. La lista de películas sobre este tema es muy larga y son pocas las que podría recomendar, creo que El Día Que La Tierra Se Detuvo (Robert Wise, 1951), Encuentros Cercanos Del Tercer Tipo (Steven Spielberg, 1977) y Fuego En El Cielo (Robert Lieberman, 1993) son mis favoritas en ese género, esta última con aspectos parecidos a The Fourth Kind, ya que en ambas las abducciones de parte de los alienígenas hacia los seres humanos son violentas y destructivas.

The Fourth Kind o el cuarto contacto como es la traducción en español de la película tiene muchas características que benefician a la cinta y que la vuelven recomendable. Uno de ellas es que está basada en hechos supuestamente verídicos, lo que le da un grado más de curiosidad a los espectadores y a pesar de que este tipo de cintas siempre tienen algo de eso The Fourth Kind se destaca por usar imágenes de grabaciones reales y mezclarlas con la narración de la cinta. En el cuarto contacto la Dr. Abigail Tyler ha comenzado a conectar por medio de la hipnosis regresiva los casos clínicos de dos de sus pacientes lo que la lleva a investigar sobre su comportamiento hasta quedar revelado que la psicosis de sus pacientes son causadas por estar en contacto con seres extraterrestres.

Al inicio de la cinta aparece la protagonista del filme argumentando el porqué del uso de imágenes reales, sobre la veracidad de los hechos y el derecho del espectador a creer o no en lo que están a punto de ver, mensaje que me parece bastante acertado pues los escépticos que ven la película pueden optar por irse, mientras que los creyentes del fenómeno y curiosos se pueden quedar a disfrutar del filme. Además la cinta es recomendable para aquellos que buscan ver imágenes perturbadoras, escuchar voces reales de extraterrestres y encontrarse con seres de otro planeta con personalidades psicóticas pervertidas por su avance tecnológico.

Goodbye
The lion stares high
And all the universe cries
For your memory
I hate I
Oh, could you lead my lips to sigh

Somehow, I smothered rainbows
And all the universe crawls
Farthest ends of me
I'm in now

Homewards, he dealed with scarecrows
And all the universe knows
Wailing finally
I would roar

Oh, could you fail in me
Sin calls

Goodbye
I've wandered 'round isles
And all the universe cries
For your memory
I warned I
Oh, starry are your spheres, delight


universe,Sebastien Tellier

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Onibaba
Director: Kaneto Shindo
Año: 1964

La reseña de esta semana es dedicada a una cinta japonesa que tiene la marca de esas buenas películas que integran lo real con elementos mas allá de lo naturales y se mezclan con precisión para convertirse en parte de la cinematografía de un país que a través de su arte nos lleva a conocer sobre su historia y folklore. En Onibaba, el director Kaneto Shindo combina una historia ambientada en el campo japonés, un lugar donde unos cuantos agricultores tuvieron que cambiar su estilo de vida por necesidad y naturaleza, a consecuencia de la guerra existente entre el ejército de samuráis de dos emperadores que ha obligado a las personas a robar y asesinar para poder sobrevivir.

El filme se ubica específicamente en una par de mujeres, una joven y otra de edad avanzada quienes juntas se dedican a robar a soldados heridos que se adentran a su territorio e incluso tienen que matarlos. Ambas abandonadas por el mismo hombre, (el hijo para una y el esposo para la otra) tienen que comerciar con lo que usurpan a los muertos y vivir de esa forma. Una tarde un hombre que también tiene su hogar en ese poblado y que es conocido de ellas regresa de la guerra con la noticia de que el hombre que esperan ha muerto. Es en ese punto que se da una relación entre ese hombre y la mujer joven, lo que lleva a desencadenar la envidia y el miedo de la mujer mayor dando paso a que se desarrolle la historia y conozcamos la leyenda de Onibaba, el demonio.

Lo más importante a destacar de Onibaba es que el director nos entrega una de varias historias que se encuentran alrededor de la leyenda de ese demonio y lo hace por medio de una fabula budista, pero no es solo el hecho de hacerlo, también la forma en la cual la película es llevada ya que con tan solo un hueco en la tierra parecido a un pozo y el paisaje lleno de juncos que se mueven interminablemente por acción del viento y esa sensación de aislamiento entre los personajes de la película hace de esta cinta una obra del séptimo arte imprescindible de ver y precisamente lo que le da a Onibaba esa cualidad es la capacidad del director de conjugar esos elementos realistas y después cambiarlos a un ambiente fantástico y siniestro.

shadowcat

poema

X

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I´m Not There
Director: Todd Haynes
Año: 2007

Hace tiempo que quería ver I´m Not There por diversas razones y una de estas era intentar descifrar la historia que según me habían dicho era bastante difícil de entender, pero ahora que la he visto puedo decir que no es necesario tratar de confrontar nuestro razonamiento; debido a que en el film el guión es muy claro respecto a la historia, la cual narra las distintas personalidades y experiencias en la vida de Bob Dylan icono de la música folk que inicio su carrera en los años 60.
Para aquellos que aprecian la música en sus diversos idiomas y mensajes esta es una buena cinta en ese aspecto porque la película se compone de muchos capítulos que se encuentran bajo la estructura de las letras de canciones y música que por sí mismas narran I´m Not There y que le dan un carácter artístico a la película que además de estar muy bien editada, cuenta con muy buenas actuaciones y tiene momentos en que la transición de una escena a otra son memorables. Tampoco hay que pasar por alto el perfil que la cinta nos entrega del cantante Bob Dylan.

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Delta
Director: Kornèl Mundruczò
Año: 2008

El paisaje del río Danubio en Europa es el contexto que el director utiliza para el desarrollo de una historia realista. Una proyección como muchas de las que deben existir de la parte rural del viejo continente, lugares alejados de la modernidad, un pueblo en Hungría rodeado por el delta del rìo Danubio es el origen del filme que el director escribió y narró sencillamente, atributo que hizo de la cinta una historia llena de historias secretas, las cuales son una cartografía para que los espectadores descubramos el corazón de una sociedad. Y esa revelación se da a partir de dos ejes principales en la película uno de ellos la cultura y el otro la relación amorosa entre dos personajes; Fauna quien es la mujer que nunca ha salido del pueblo y que tiene que vivir bajo los conceptos de una sociedad conservadora y Mihail el hermano de ella que ha regresado al poblado después de mucho tiempo. La película en general es muy buena porque integra la historia y las imágenes sin dejar cabos sueltos, como si fuera un estudio social donde es evidente que el comportamiento de un grupo de personas y su conocimiento está íntimamente vinculado al lugar que habitan.

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Oveja negra
Año: 2009
Director: Humberto Hinojosa

Es bueno encontrar que el cine mexicano sigue aportando buenas historias a los espectadores que buscan películas mexicanas que no van a festivales o aparecerán en la sección de cine de autor. Y es que debemos aceptar el hecho de que en nuestro país regularmente hay dos estilos de cine: el muy malo y tiene como característica querer parecerse al cine de Hollywood; y el otro que no tiene que ser malo necesariamente pero que suele ser de autor y de poco acceso a todos además de contar con poca difusión. Sin embargo Oveja Negra es un filme que solo necesitó contar bien una historia para que encontrarse en otra categoría. La cual es la de cine comercial pero, bien hecho. Es decir que no busca más que lo básico sin pretensiones.

Oveja negra es un cuento simple donde un par de amigos que viven en un pueblo del norte de México han decidido después del abuso de su patrón cambiar la vida que tienen y emigrar a estados unidos. Pero para hacerlo tienen que robar ya que no cuentan con nadie y ambos son pobres. Alrededor de esa idea se va creando la trama que tiene una historia de amor, amistad, humor, buenas actuaciones, en concreto un buen trabajo del director que supo notar los alcances de la película y no forzó la cinta. Lo que hizo de Oveja Negra un buen film ligero y entretenido.

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Happy go lucky
Director: Mike Leigh
Año: 2008

No existe duda de que el cine nos enseña sobre la vida de forma positiva, incluso a las personas mas seria y de carácter duro puede sacarle una sonrisa; siempre que el manejo del lenguaje cinematográfico se concrete de forma inteligente sin subestimar a las espectadores que cada día están cansados de comedias vulgares y ofensivas.

Happy go lucky es uno de esos filmes con la capacidad de entregarnos una historia llena de alegría y entusiasmo que se ve reflejado en el personaje principal y en la trama de la cinta. Es importante destacar su sencillez y agilidad para narrarnos una breve parte de la vida de una educadora que toma la existencia como todos tendríamos que hacerlo, como la única oportunidad que tenemos de ser felices y estar en paz con uno mismo y las demás personas, sin que sea necesario convertirnos a una religión o ir a lo mas alto de una montaña.

Esta película tiene una primicia simple que la hace importante dentro de la filmografía internacional de este año, debido a que no se basa en el sensacionalismo social o género gastado para atrapar al espectador. Happy go lucky nos lleva a presenciar unos días en la vida de una maestra de preescolar que quizá contagiada por el espíritu de los niños le otorga a cada persona una forma de ver el mundo de los adultos que dista mucho de la tensión y parálisis mentales que solemos padecer los que estamos bastante crecidos y creemos que la estabilidad depende de nuestros logros sociales y laborales.

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Moon
Director: Duncan Jones
Año: 2009

Moon es una cinta estrenada en varios festivales que para algunos críticos son de segunda clase o que no tienen el nivel de grandes festivales de cine como San Sebastián o el festival de Berlín, pero llegar a un festival donde compites contra las ideas de otros y ser galardonado como mejor película y mejor actor es algo valioso, sobre todo para aquellos con el deseo de nuevas propuestas en géneros de cine que están llenos de fantasía, horror y ficción. Es por eso y debido a su calidad como obra cinematográfica de género, además de que seguramente será material de conversación para alguna generación de personas que la reseña de esta semana es para MOON, un filme de ciencia ficción que nos ofrece una historia donde existe la posibilidad de conectarse con las emociones del personaje principal de forma mucho más simple que otras películas, porque en Moon el argumento está diseñado para un solo actor, además se presta a que tomemos mucho mayor atención al nivel de histrionismo de Sam Rokcwell. Otros aspectos a destacar del filme es su arte, en cuestiones de escenografía y diseño en general ya que tienen un lenguaje por si mismos, el cual nos quiere decir que la tecnología en la actualidad tiene mucho de ciencia ficción.

El entramado de Moon está basado en un astronauta que se encarga de enviar combustible extraído de la Luna a la Tierra y que está a punto de terminar su contrato de tres años como empleado de las empresas Lunar, encargados de la tecnología que abastece a la Tierra. A partir de ese punto, del estado de soledad en el que se encuentra Sam Bell (S. Rockwell) quien tiene como único contacto a la computadora de la nave y unas cuantas grabaciones que llegan de la Tierra, la cinta comienza a desarrollarse y de esa forma establecer el contexto de Moon. El cual por un momento nos hará creer varias ideas con el objetivo de abrir la historia a algo más realista en el sentido de una cinta de género.
Otra característica de esta película que vale destacar y lo que hace de Moon una película valiosa es que lejos de ser una cinta con temas apocalípticos con relación a un posible futuro de la civilización humana, nos muestra una cara positiva de la tecnología aplicada para el beneficio de las personas y también señala que no es la tecnología lo que está mal, si no la aplicación de ella.

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El séptimo sello
Director: Ingmar Bergman
Año: 1956

Probablemente el estilo de hacer cine de Ingmar Bergman tenga un mejor ejemplo en la noche del lobo (1968), sin embargo la precisión y capacidad que tuvo para representar la vida y la muerte en el séptimo sello es el porque de escribir sobre esa cinta.
Ingmar Bergman es considerado uno de los grandes maestros del cine al crear un lenguaje que se caracteriza por narrar historias desde una visión analítica de cada personaje y exige que el entramado de las películas sea un reflejo de ellos. Y es en ese tratamiento que el cine de Bergman se lleva las palmas, porque al ser tan detallado y minuciosamente cuidado, sus obras se integran a la realidad y la ficción, al documental y la entrevista, a la visión particular y la duda existencial.

En el séptimo sello, el director se hace de un grupo de personas, de personajes paganos que son liderados por un caballero que regresa de las cruzadas, en èl recae el peso de la muerte, pero es quien a su vez guía a un grupo de gente a través de un sendero sinuoso contextualizado en la edad media.
En el filme Ingmar Bergman se excluye del pensamiento occidental sobre la muerte, al representar un contacto con la muerte que los occidentales temen por ideología. También otorga a la muerte un papel en el que juzga los actos de los seres humanos y concede la posibilidad de escapar de ella por lo menos una vez. Todo ello cubierto de una atmosfera que cambia de tonos y vinculada a lo religioso, al oscurantismo y lo pagano.

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El diario de los muertos
Director: George A. Romero
Año: 2007

De la mente que nos ha llevado a la pantalla grande lo grotesco y el primitivo instinto de supervivencia sobrenatural, del padre de los muertos que caminan sobre la Tierra, llega esta nueva entrega de cine de horror zombi: The Diary Of The Dead. La última cinta de George A. Romero y con la que se cree se cierra la trilogía que inicio con The Night Of The Dead y The Dawn Of The Dead.

En el diario de los muertos George A. Romero vuelve a presentarnos un cuadro donde inesperadamente los muertos cobran vida para cuestionar a los seres humanos sobre su propia deshumanización y falta de razonamiento frente a una situación caótica, capaz de despertar en las personas sus instintos mas oscuros o como en el caso de algunos personajes de la película lleva su razonamiento a un nivel que supera lo instintivo al transformar su entorno, utilizándolo a su beneficio.

La cinta en su forma de película de horror no solo cumple al reutilizar a estos monstruos clásicos del cine de horror que son los zombis, también concede un lenguaje actualizado de lo que debe ser una película de zombis en nuestros días. Además el maquillaje y los efectos son una parte del depurado estilo del director a lo largo de los años haciendo este género de cine, como el argumento y discurso dentro de la cinta.

Ever tried. Ever failed. No matter. Try again. Fail again. Fail better.

samuel Beckett

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Profondo Rosso
Director: Dario Argento
Año: 1975

¿Qué es el género de terror y suspenso? Si no una representación cultural de los miedos y monstruos que habitan en nuestras mentes, corazones y en la oscuridad tan distinta y a la vez cercana a cada uno de nosotros. Un ser habitante de la Tierra que posee a algunos cuantos para perpetrar sus deseos mortales de enseñarnos lo que el ser humano es capaz de hacer en cuestiones de dolor y sufrimiento. O en otros casos que viven latentes en nuestra actividad creativa y así se convierte en nuestra creación y representación propia del miedo.
Dicha representación del genero de suspenso y terror del cine italiano tiene un nombre que durante dos décadas y aun en la actualidad se ha movido como un espectro creador de obras de genero, me refiero a Dario Argento quien ha experimentado con el cine de genero entregándonos obras que van desde la sugestión a la crudeza.
El filme del que escribo de este director de culto es una de sus cintas menos fuertes visualmente, pero de las más vistas y aplaudida por los seguidores del genero. Y lo es precisamente porque al verla, desde un inicio conjuga un momento de paz con lo oscuro y perverso, además de ir construyendo un juego de detectives entre el personaje principal y el asesino.
Profondo Rosso, consiste en la psicosis asesina de un personaje que al matar deja huellas sobre su posible pasado como si deseara cubrir lo que nadie quiere que sepa. La cinta que esta cubierta por una atmosfera al estilo Hitchcok se desprende de lo normal y tiene mucho parecido a juegos psicológicos de mesa. Probablemente Profondo Rosso no sea una buena película para quienes no están abiertos a visones oscuras de culturas que no sean anglosajonas, pero eso no quiere decir que la muerte y depravación humana sea característica de una solo forma de concebir el cine. Además hay que recordar que si Profondo Rosso como espectador no te mueve también hay que revisar Suspiria (1977) y sus trabajos como guionista en Demonios 1 y 2 (1985, 1986; Lamberto Bava).

Futuro progresivo

El planeta cambia de forma progresiva, uno apenas y lo nota al llegar la muerte del amor. El mundo cambia y es innecesario escribir sobre melodías desconectadas de galaxias y civilizaciones extraterrestres en su ocaso. La Tierra cambia sin tu voz. El mundo cambia y cae frente a mí el suicida desde el noveno del edificio.

Ishtar Terra

La Tierra es como una tarde de paseo en Venus a través de una capsula espacial del siglo pasado, de aleación en tonos verdes incandescentes por excesivo uso de conductos que deben permanecer a temperatura regular.
La capsula aterriza esquivando terreno volcánico. El clima hace parecer que el transporte es más pequeño de lo normal. Tenemos que salir y tomar muestras con nuestras propias manos y dar una caminata no prevista. Llenamos los trajes con el plasma para sentirnos seguros en un clima hostil. El deseo de cada uno es obtener muestras de oro de las minas de Ishtar Terra y después volver a la Tierra como astronautas millonarios.
Hay una pequeña cresta cerca de Et y Olp. Ishtar Terra tiembla y nuestros injertos de computadora se averían centésimas de segundo, suficiente para cegarnos. La cresta, el pequeño volcán expulsa lava sobre Et y Olp. Ambos mueren. Encuentro sus cuerpos solo por suerte. No les ofrezco una ceremonia, les quito las placas de los tanques de abastecimiento de oxigeno y de presurización de plasma.

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Evil aliens
Director: Jake West
Año: 2005

Esta es una cinta realizada de forma simple casi de estilo serie b pero con un discurso moderno que la lleva por una senda discursiva violenta, sarcástica, sin sutilezas y es exactamente ahí donde Evil aliens se vuelve una película que vale la pena ver a menos de que seas un purista del cine o de pensamiento moralista.
La película es tan básica que se puede definir de manera inmediata, al verla es notorio que la idea principal está en presentarnos de forma fría sin mensajes entre líneas o visiones profundas los placeres humanos cargados de violencia, sin alma, muy al estilo hardcore, de manera que sean generadores de violencia y la cinta por si misma tenga ese discurso.

Evil aliens nos narra sobre un grupo de personas, que van desde granjeros, conductores de un programa televisivo y entusiasta s de los extraterrestres que viajan a una isla con un mínimo de población para hacer un reportaje sobre las imágenes hechas por supuestas fuerzas de otro mundo en los campos de trigo y así da comienzo la trama a una lucha entre seres humanos y extraterrestres sádicos y violentos que buscan conquistar la Tierra y despedazar a la humanidad.
Aunque la película es de muy bajos recursos tiene eso como finalidad y lo hace evidente sobre todo en la cuestión visual con respecto a los efectos especiales de las naves, todo lo demás no esta tan mal y por supuesto se pasa por alto a ver un film con esa intención.

Standing on the beach
With a gun in my hand
Staring at the sea
Staring at the sand
Staring down the barrel
At the arab on the ground
I can see his open mouth
But I hear no sound

I'm alive
I'm dead
I'm the stranger
Killing an arab

I can turn
And walk away
Or I can fire the gun
Staring at the sky
Staring at the sun
Whichever I chose
It amounts to the same
Absolutely nothing

I'm alive
I'm dead
I'm the stranger
Killing an arab

I feel the steel butt jump
Smooth in my hand
Staring at the sea
Staring at the sand
Staring at myself
Reflected in the eyes
Of the dead man on the beach
The dead man on the beach

I'm alive
I'm dead
I'm the stranger
Killing an arab

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Luces al atardecer
Director: Aki Kaurismaki
Año: 2006

Debo confesar que la primera vez que vi una película de Aki Kaurismaki no tuve idea de lo que había visto. Y por la simple razón de que cuando nos enseñan algo (lo que sea) de forma extremadamente sintética y fría a veces nos lleva tiempo entenderlo a pesar de que el lenguaje con que se nos entregue no sea abstracto. Esa es la formula de Aki Kaurismaki, un lenguaje complejo pero a su vez sus obras no son largometrajes que busquen descifrar o construir nuevos lenguajes cinematográficos, este director se basa simplemente en lo cotidiano y la simplicidad de las historias; lo que algunos narrarían en dos horas y media, Aki Kaurismaki lo hace en setenta u ochenta minutos al mismo nivel de exactitud narrativa. Seguramente por su temperamento y capacidad para analizar el estilo de vida de las personas de su país.

Luces al atardecer es su décimo séptimo largometraje y para quienes ya vieron el hombre sin pasado (2002 ) o cualquier otro de sus trabajos, este es el dique para sostener el estilo y lenguaje narrativo de Aki Kaurismaki. En el filme podemos ver que la historia continua la misma línea y los personajes apenas no son los mismos al hombre sin pasado por un azar cinematográfico. La ciudad se repite y la historia es sobre un hombre joven de clase baja. Koistinen quien es el personaje principal y el móvil para desarrollar la historia de luces al atardecer es un hombre solitario y ensimismado que desea pertenecer a algo más que su simple existencia. Sin embargo empleado de seguridad de un centro comercial, la única persona que lo escucha es una mujer que tiene un puesto de comida rápida a donde el siempre llega a cenar.
Una noche un grupo de ladrones se da cuenta que Koistinen es un blanco fácil para que les sirva de chivo expiatorio, entonces deciden utilizarlo para robar la tienda engañándolo por medio de una mujer que fingirá estar interesada por él.

A través de esta historia sencilla y que para algunos puede parecer un cliché .el director nos transporta a una Helsinki aburrida y triste, mecánica y fría, donde por medio de las imágenes, el guión y la narrativa, nos deja claro que el director trata de denunciar la miseria espiritual en los individuos del viejo mundo.

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¡Que viva México!
Director: Sergei Eisenstein
Año: 1932

Después del acorazado potemkin(1925) e Ivan el terrible (1943), la película mas conocida de Eisenstein es ¡Que viva México! Y para que se filmara Esenstein y su equipo tuvieron que viajar y visitar Norteamérica porque los estudios estadunidenses los llamaron para que trabajara con ellos. Lo que llevo a Esenstein a viajar al país más cercano a Estados Unidos. Un país donde la cultura y la historia le provocaron realizar una cinta donde se reflejara desde los antiguos imperios mesoamericanos, pasando por las emociones más fuertes de los mexicanos que son el amor y la familia, las costumbres y la sociedad moderna. Esenstein que era un excelente editor y un gran director logro componer y unificar en 6 historias relacionadas por la misma cultura lo que México representa para el mundo. En una idea que aun prevalece y que básicamente es la de un sincretismo cultural inherente en la cosmovisión de los mexicanos.

La película se compone por un guión que tiene como personaje principal a todo un país haciendo que el espectador aprenda de una cultura a través de la mirada sensata del director. Además de tener un hilo conductor que es la muestra de un dios omnipresente que narra a todo un país por medio de una película, convirtiendo a ¡Que viva México! En un proyecto invaluable dentro de la cinematografía mundial.

hiperespacio

diferencias

cumbia balcanica

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Planeta salvaje
Director: Rene Laloux
Año: 1973

El filme de esta reseña es una que se encuentra en el genero de la ciencia ficción y su director Rene Laloux nos entrega una película de animación de un nivel básico, bidimensional y casi acartonado, pero estas características lejos de ser un lastre para la cinta, le dan un sentido y una estética explicita que sirve para contar y desarrollar la trama de Planeta Salvaje. En una historia donde el director expresa su descontento ante la discriminación y el racismo amplificado por los individuos en sus sistemas de organización social. Básicamente el filme narra sobre los Draags y los Oms, los primeros son seres humanoides de una civilización superior en tecnología pero ajenos a las emociones y razonamiento de los Oms, quienes son seres humanos de tamaño diminuto lo que los hace vulnerables y los convierte en mascotas de los Dragg. Unos de estos Oms después de vivir como mascota de un Draag aprende sobre la aplicación y uso de la tecnología y así como de las debilidades de los Draag. Los cuales han decidido erradicar a los Oms de su planeta. Llevando las diferencias a un conflicto mayor.

Planeta salvaje es sin duda una joya de la animación y la ciencia ficción por su calidad en la narrativa al igual que en su realización. Además de contar con una trama original y vigente lo que la convierte en una historia universal.