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Fahrenheit 451
Director: Francois Truffaut
Año: 1966

En contadas ocasiones hemos sido testigos de obras de la literatura llevadas a la pantalla grande. Regularmente están no tienen el éxito esperado, algunas veces porque el guion no tiene la solidez suficiente para representar en el formato de cine el contenido de la obra literaria o simplemente buscan rehacer la historia que nos cuenta el libro. El resultado final, un buen libro convertido en una sufrida película.

Fahrenheit 451 no es tal caso, esta película es de las que debe estar sobre el podio de filmes basados en libros que alcanzan esa sinceridad de no querer superar el libro, sino de servir como homenaje a la obra literaria que están transformando en cine.
No estoy seguro si todos los directores y guionistas leen el libro de donde basaran su trabajo, pero sin duda Truffaut lo hizo. Porque Fahrenheit, la película, trata sobre un futuro donde los bomberos se dedican a crear incendios, no a contenerlos, de un bombero que a través de eventos humanos, como encontrarse con una mujer disidente, que le ayuda a redescubrir el conocimiento por medio de otros seres (libros y personajes que los escribieron) lo hacen recobrar la razón e ir en contra de la ignorancia y represión de esa época. Y Fahrenheit, el libro de Ray Bradbury es sobre lo mismo, pero más detallado, y también más hermoso.

Olvidándonos de la literatura por un momento. Acerca del contenido de la película es necesario resaltar el arte visual que se maneja, ya que es muy sencillo, pero atinado. De diálogos y actuaciones que nos remiten a un tiempo y espacio distinto. Con vestuarios estilizados, tecnologías vanguardistas y personajes con temperamentos sombríos, esquematizados, sin emociones, repulsivos a la naturaleza, justamente a lo que nuestra civilización le está apostando. Lo que nos lleva a pensar que vemos una película original del género de ciencia ficción. Si a eso le agregamos la buena adaptación que hizo F. Truffaut del libro de Bradbury, no encuentro más que decir.

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Videodreome
Director: David Cronenberg
Año: 1983

David Cronenberg es un cineasta que nos ha acostumbrado a películas de un corte oscuro, bizarro y atinado en los temas expuestos en sus obras. Lógicamente para quienes no hemos visto Eastern promises (David Cronenberg, 2007) el reciente trabajo de este director, debemos conformarnos con escribir un poco de la película más importante de su filmografía: videodrome. Película que desde un tono critico demuestra la alienación a la que puede llevarnos la tv, el arma mediática mas común y a la que todos somos susceptibles.

La sinopsis es sobre una persona que trabaja para una cadena televisiva, donde los programas tienen contenidos para adultos. Este personaje cansado de ver siempre lo mismo encuentra un programa (videodrome) con temas sádicos y sexuales que le llaman la atención; hecho que lo lleva a involucrarse con videodrome hasta descubrir que el programa rebasa las barreras de la televisión incidiendo en la realidad y en las mentes de quienes lo ven.

De los aspectos destacados de videodrome hallamos la apertura que el director le da a temas que dentro del cine comercial se habían tratado pocas veces, por mencionar algunos: el genero snuff, la denuncia hacia lo negativo de la televisión y la manipulación que ejercen los medios de comunicación sobre las personas. Fuera de las ideas planteadas en la película, existe la tensión a la que esta expuesto el personaje a partir de que ve videodrome; el juego mental del que es presa, donde su realidad es alterada, hasta convertirlo en parte de un sistema que remite al surrealismo y de inmediato nos hace pensar en el mundo virtual.

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Speaking parts
Director: Atom Egoyan
Año: 1989

Speaking parts es el tercer largometraje de Atom Egoyan y en el este director de origen canadiense que se ha dedicado a realizar trabajos que regularmente tienen mensajes de tipo social, a partir de los individuos en sus películas. Nos entrega una obra fílmica de carácter experimental, pero apegado a las características narrativas que a través de cintas como Exótica (1994) y Ararat (2002) nos ejemplifica su manera de contar el cine. Citando ejemplos mas certeros debo mencionar la tensión que los personajes en las películas de Atom Egoyan traducen emocionalmente a partir de decisiones a las que se ven sometidos, como si la historia en la que están involucrados fuese una dictadura. Cine que rebasa la barrera de los sueños, llevándonos a entender ideas más que imágenes. Además de la facultad de hacernos ver en sus cintas hacia el pasado de la historia que se esta narrando, cuyo objetivo es involucrar al espectador en historias con contenido.

En Speaking parts una mujer joven que trabaja en un hotel se obsesiona con uno de sus compañeros de trabajo, quien es un aspirante a actor. Ella como devota fanática, todas las noches renta una cinta donde el aparece brevemente. Esto la lleva a una inevitable amistad con el hombre que atiende el videoclub al que siempre llega. Un hombre que se dedica a filmar fiestas y que se ha sumergido en un proyecto que va más allá que solo filmar lo que ocurre en los eventos a los que asiste. Por otra parte el aspirante actor esta atrapado en un trabajo extra, el de prostituirse con determinadas mujeres que llegan al hotel.

Al ver la película esta va transformándose, adquiriendo una personalidad que es el resultado de un experimento humano llevado a la pantalla. Quizá de manera consciente el director va guiando la historia hacia la confrontación, entre la vida de los personajes y el objeto al que de forma afectuosa han ido acercándose; en este caso las imágenes que se muestran por medio de una cámara. Y es que en un principio la historia de Speaking parts parece influida por una generación sin rumbo que se dejo llevar por ideologías de plástico, pero al avanzar esta se convierte en un filme decadente y depresivo; hasta que al final todo se revierte debido a que los personajes toman por si mismos el control de la película, revelándose contra ese distanciamiento entre la realidad y la realidad grabada, editada, copiada, transmitida a partir de la cámara y la pantalla.

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Mujer en la luna
Director: Fritz Lang
Año: 1929

Sin titubeos puedo decir que Fritz Lang fue el mayor visionario del cine del siglo pasado. Quizá influido por relatos de grandes escritores de ciencia ficción como Julio Verne y H. G. Wells. No es equivocado decir que el género conocido como ciencia ficción, dentro del cine, fue inaugurado por este director Alemán, que perteneció al cine expresionista alemán, estableció el arte y los temas de un estilo de hacer cine que actualmente es de los de mayor producción en la industria fílmica.
Es bien conocido su trabajo en Metrópolis, película que hoy día es un referente del cine por su historia que establece un discurso que se mantiene vigente, sobre el ser humano desplazado por las maquinas y obligado a vivir en una sociedad distópica. Sin embargo esta revisión corresponde a otra de sus obras del cine silente: Mujer en la luna.

La historia principal de la película se trata de un científico que ha sido el mayor astrónomo de la historia pero que ha envejecido y sus ideas se han vuelto el hazmerreir de la comunidad científica, concretamente aquella que defiende sobre la posibilidad de que la luna albergue minas de oro. Perdido en la miseria y entregado a su búsqueda, su único amigo un hombre respetado lo ayuda llevándole comida y hablando con él para que no sea consumido por su ideal. El hombre de ciencia seguro de que un grupo de ideología que nos remite un poco al nacional socialismo quiere robarle sus investigaciones, decide entregarle a su amigo todas sus anotaciones, pero estas son robadas del auto de su amigo. Situación que es el detonador para que la trayectoria de la película nos lleve a imágenes históricas del cine. El mayor ejemplo, el lanzamiento de un cohete espacial que se dirige a nuestro satélite natural.

Pero antes de que ocurra ese evento de tal magnitud, Mujer en la luna añade mas elementos a su trama que nada tienen que ver con la ciencia ficción, pero si con la humanidad misma, con ello me refiero a los lazos de amistad que se crean entre los personajes y el vinculo romántico entre dos de sus personajes tan sobresaliente e importante que la película depende de ellos. Porque este film al igual que Metrópolis defiende que ideales como el amor y la libertad son los que nos pueden salvar del orden industrial y lideres megalómanos de la sociedad. Sentimientos ambiguos que son reflejados en la película, similares al hecho de que la luna este llena de oro y tenga atmosfera. Pero que nos ayudan a definir a los personajes entre buenos y malos, y sus diferentes deseos.

buen viaje Sol

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Media luna
Director: Baham Ghobadi
Año: 2006

La película narra el viaje de un grupo de músicos de origen Kurdo que con la caída del régimen de Saddam Hussein tienen la posibilidad de ejecutar su música en territorio iraquí. Sin embargo para llegar a su objetivo deben sobreponerse a situaciones vinculadas con las normas establecidas de la sociedad de regiones del medio oriente. Ya que sus canciones a pesar de ser conocidas son prohibidas tocarlas en Iraq, debido a situaciones políticas y religiosa. A pesar de eso, el maestro del grupo de músicos y padre de la mayoría de ellos, un hombre de edad avanzada, obstinado en llegar a su destino los guía hacia Iraq a través de una geografía llena de paisajes que relevan poca esperanza.

La historia de Mamo como se llama el músico quien es el personaje principal, hace contrapeso en el discurso de la cinta, porque la carga dramática recae sobre él, debido a que constantemente se ve confrontado con un destino que lo obligaría muy a pesar de él a no llevar a cabo su concierto. Entonces por un lado vemos la ironía de los demás personajes al momento de afrontar calamidades como tratar de escapar de un viaje que no desean hacer, a ser detenidos por militares que destruyen sus instrumentos y se llevan a la solista principal del grupo para volver a exiliarla. Y desde otro punto Mamo lidiando en contra de la muerte que a cada instante se pone a un paso, igual que si fuera el ultimo obstáculo para poder tocar su música.

La cinta en su totalidad esta llena del peso emocional de un pueblo que en toda su historia ha tenido que estar en lucha constante, ejemplo claro son la fuerza y a su vez la simpatía que se siente por los personajes. También tendríamos que considerar que esta película ya no solamente se conduce hacia la línea social sino que ahora el cine de medio oriente se extiende hacia situaciones intimistas, en este caso vemos a un personaje confrontado con la muerte y no por el hecho de estar en medio de un conflicto bélico.

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Bella todos los días
Director: Manoel de Oliveira
Año: 2006

Bella todos los días inicia en un salón para concierto donde la orquesta interpreta la sinfonía numero ocho de Dvorak, entonces la imagen de Hasson envejecido, entre la audiencia reconoce a Séverine, despertando un deseo guardado hace 40 años: aprender e interpretar la personalidad de Severine que lo intriga desde que eran jóvenes. Así es como esta secuela de bella de día (L. Buñuel, 1977) da comienzo. Una cinta sin pretensiones y sencilla en su estructura narrativa, la cual de forma pausada nos cuenta una historia de belleza distinta, donde los personajes han madurado no solo físicamente, ejemplo claro es el trabajo que se aprecia en el guión que sirve para exaltar la película de Buñuel, en parte da a conocer la manera en que entendió Manoel de Oliveira a bella de día y revive personajes entrañables del mundo del cine.



Paranoid park
Director: Gus Van Sant
Año: 2007

Paranoid park es la tercera película de Gus Van Sant que toca problemáticas relacionadas a el paso de la juventud a la madurez del ser humano; igual que sus trabajos anteriores el director es preciso, contundente y verosímil, haciendo a la película una visión sincera sobre lo que viven los jóvenes actualmente. Esto no quiere decir que el contexto de la película sea similar en todos los países, pero si demuestra que el mundo esta lleno de conflictos y las personas tienen que encontrar una solución a estos o definitivamente derrumbarse. Una historia intimista presentada a partir del personaje principal que lleva a estados de duermevela y nos retrocede en el tiempo, al grado de sentir que aun arrastramos broncas de la juventud. Además se ve que cada escena fue explotada al máximo y la música es perfecta.

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Sin lugar para los débiles
Dirección: Ethan y Joel Coen
Año: 2007

No hay duda de que los trabajos realizados por el monstruo de dos cabezas, que son los hermanos Coen, siempre incluirán historias sobresalientes, estructuradas en la violencia, la ironía, reflexión y análisis.
Esta nueva película nos lleva a la frontera norteamericana, donde los paisajes son despoblados, áridos, un paraíso para el crimen de cualquier estilo. La historia nos cuenta sobre un hombre que la sociedad estadunidense clasificaría como white trash, quien halla la oportunidad de cambiar su vida, cuando en medio del desierto encuentra dos millones de dólares. Dinero perteneciente a una operación de drogas culminada en una matanza. A partir de este evento la película comienza a revelarse, a través del asesino que busca el dinero perdido y el aguacil que trata de encontrar un sentido a la cadena de violencia que se esta generando, desde el punto de vista de alguien consciente del comienzo de un nuevo orden, que también significa el final de una generación de hombres como él.



Los tres entierros de Melquiades Estrada
Dirección: Tommy Lee Jones
Año: 2005

Esta película nos narra la amistad surgida entre dos hombres de diferentes culturas, pero con una manera de sentir la vida de forma similar. Uno de los personajes es un texano que toda su vida se ha dedicado a actividades del campo, prácticamente podríamos considerarlo un vaquero de ultima generación que vive en un lugar cercano a la frontera norteamericana. El otro personaje es un mexicano que en busca de trabajo, cruza la frontera. En el desarrollo de la película vemos distintos aspectos de vida de quienes están atrapados en un lugar fronterizo; situaciones que van narrando la película.
Melquiades como se llama el mexicano es asesinado por un patrullero fronterizo y el amigo de Melquiades al descubrirlo considera llevar el cuerpo de Melquiades de vuelta a México. Llevando a pie al hombre que mato a su amigo como penitencia de sus actos. En un viaje a través del desierto que servirá de redención para cada uno de ellos.

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Quemaduras de cigarro

Director: John Carpenter

Año: 2005

La perturbadora visión de John Carpenter ha entregado en sus películas suspenso y terror, creando obras llenas de espectros, psicópatas, monstruos del espacio. Quemaduras de cigarro continúa esa misma línea e incluso en algunas características, es mejor que las películas anteriores de Carpenter. La historia es sobre la búsqueda de una película llamada: el fin absoluto del mundo. Una obra del cine de terror que transgrede las mentes de aquellos que se acercan a ella y verla conduce a un ciclo de salvajismo, tortura y muerte. Y no todo termina ahí, el guión, es una muestra del compromiso que el director tiene con el cine no solo de genero. Sin duda el elemento más importante en la película que hace olvidarnos de la injustificable violencia en la cinta. Quemaduras de cigarro quizás sea la mirada más oscura de Carpenter. Un homenaje al poder del cine y sus alcances como medio de manipulación.

sabandija

sabandija
febrero del 2005-marzo del 2008

Llegaste una noche, te fuiste al atardecer.

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Canciones del segundo piso
Director: Roy Andersson
Año: 2000

El filme narra distintas situaciones en la vida de personas de una ciudad de la región escandinava. Donde cada circunstancia es ejemplo de un lugar que se hace viejo, triste, rodeado de estructuras metálicas y concreto, más frío de lo que suponemos. Canciones del segundo piso expone una idea sobre el sentimiento de quienes están de alguna forma atrapados en un lugar mecánico e insensible. Prueba de eso su estilo de vida, que de manera irónica es descrita en la película. Característica de ello son los personajes que reflejan un color de piel excesivamente blanco, casi inhumano, personalidad ensimismada y un estilo de vida programado, alejados en su mayoría a sentimientos humanos. Sin embargo no todo esta perdido, ya que una de las historias más constantes en la película es sobre un hombre que a partir de sus infortunios comienza a redescubrir que existe algo más que el mundo de cosas en el que vive.



El espejo
Director: Andrei Tarkovski
Año: 1975

El espejo es una película puramente poética en su estructura narrativa, historia y guion. Se conoce bien que los trabajos de A. Tarkovski son de calidad única, llenos de escenarios que conducen a la reflexión, siempre comprometidos con la sociedad. El espejo no es la excepción, en ella la primicia es un homenaje a todos los niños testigos del horror de la segunda guerra en el territorio ruso. Una guerra de la que Tarkovski fue testigo siendo niño, sin duda el porque de la realización de dicha película.
En la película la línea del tiempo da un salto del pasado al presente con el objetivo de explicarnos que el dolor y la pena de la guerra permanecen. Llevándonos de un pueblo en el bosque a la ciudad, de una casa en Moscú a un campo de entrenamiento. Cuidadosamente estructurado de manera que veamos imágenes de la época de la segunda guerra cohesionadas al sentido del filme. Haciendo de cada escena en la película una visión que trasciende el lenguaje de las palabras.

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Dolls
Director: Takeshi Kitano
Año: 2002

Dolls es una de los trabajos de Takeshi Kitano menos relacionados con la violencia, pero no por eso tiene menor fuerza y calidad. La película está llena de elementos narrativos de gran nivel, basta verla para darnos cuenta del artesanal proceso de edición que se llevo a cabo (un claro ejemplo de ello es que podemos ver el paso de las cuatro estaciones climáticas en Japón). Quizá de lo más sobresaliente en la película. Debido a que a través de la edición las historias que convergen en el filme toman distintas rutas. En Dolls, la narración salta, atraviesa, es paralela, comienza y finaliza en un estilo atinado.

La historia principal está basada en una leyenda japonesa sobre dos amantes condenados y a partir de ellos se desarrollan las demás historias de Dolls, donde el amor y la ilusión son pieza clave de cada vida. En una película que los Yakuza de Brother (Takeshi Kitano,2000) y los samurai en Zatoichi (Takeshi Kitano, 2003) no pueden superar.

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Requiem
Director: Alain Tanner
Año: 1998

Filmada en Lisboa, Portugal; Requiem es un homenaje al escritor Fernando Pessoa. La película es acerca de un hombre que visita esa ciudad porque esa noche tendrá un encuentro con el fantasma de Pessoa. Durante el día el personaje visita lugares que le hacen recordar personas y situaciones significativas del pasado. En algunos casos los recuerdos del hombre se transforman en personajes de carne y hueso con los que pasa el tiempo platicando sobre los lazos afectivos que los unen.
Parece que el guion de Requiem nos intenta decir que el personaje principal es capaz de comunicarse con seres que están muertos y que volver a Lisboa para él tiene mas de un objetivo; ya que no solo se entrevista con Pessoa, también charla con las personas que conoció y que no puede olvidar.
La película es sincera, echa si mayores pretensiones y las escenas tienen la intención de recordarnos el dialogo interno que Pessoa utilizó en el libro del desasosiego.

El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford
Director: Andrew Dominik
Año: 2007

Película basada en un libro que a su vez esta fundamentado en los últimos días en la vida del forajido norteamericano Jesse James.
Este filme puede clasificarse en el genero del Western debido al contexto y el tiempo donde se lleva a cabo la historia, sin embargo el contenido y el estilo de narración que utilizan para contárnosla, difiere a lo que se tiene establecido como western: con planos extensos y secuencias con mucho dialogo.
El asesinato de Jesse James…hace a un lado las disputas de territorio, el racismo, la venganza y el exceso del uso de la colt. En ella es más importante profundizar en la fragilidad del ser humano, pues los personajes se cuestionan a si mismos sobre sus actos, transformando y llevando el western hacia una visión verdadera, alejada de todos los mitos que el cine a creado acerca de esa época.

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Los excéntricos Tenenbaum
Director: Wes Anderson
Año: 2001

La película es sobre una familia y como todo grupo humano existen jerarquías, rencores, miedos, envidias y amor entre ellos. Hay que mencionar que la película se divide en capítulos y cada uno se enfoca en problemas de núcleo familiar y su resolución.
A partir del primer capitulo se concientiza al espectador con los alcances humanos de esta familia, en la que vemos lo complicado que es jugar el rol de padre o hijo en una familia. A pesar de que eso puede considerarse como un cliché dentro del cine, la historia de la película tiene un espíritu distinto porque considera a la familia en un punto donde la tragedia y la comedia se mezclan convirtiendo a los Tenenbaum en un concepto de familia original.
La historia parte explicándonos como los hijos de Royal y Etheline Tenenbaum son unos genios siendo aun niños; y como Royal abandona a su familia por culpa de su personalidad abstracta.
Después la película se vuelve más compleja porque vemos a los personajes convertidos en adultos y cada uno de ellos pasando por una fuerte depresión.
No debemos olvidar que la película esta muy bien acompañada por un grandioso soundtrack, a veces la fotografía es buena y el director demuestra que exploto a partir del guión la capacidad de los actores porque se puede sentir que cada miembro de los Tenenbaum tiene vida más allá de la pantalla.



Vida acuática
Director: Wes Anderson
Año: 2004

En esta película nos encontramos con el mismo hilo conductor que el director manejo en su anterior trabajo, pero con una idea madura que cruza el umbral de la familia. El núcleo familiar es sustituido por un grupo que ha pasado mucho tiempo junto compartiendo una misma pasión. En vida acuática los personajes fundamentales en la historia es una elite de investigadores; dirigidos por el que es considerado según el contexto de la película el mayor investigador marino del mundo: Steve Zissou.
Vida acuática se desarrolla cuando este grupo de investigadores de la vieja escuela decide seguir a su líder hacia un último proyecto como homenaje a la muerte del mejor amigo de Steve Zissou. En el proceso de la historia se expone la decadencia de estos investigadores a los que el tiempo les ha ganado y Steve Zissou es un ejemplo claro de ello. Un hombre que ha cruzado la madurez y ahora tiene que enfrentar al pasado cuando un hijo que nunca creyó tener se acerca a el y lo acompaña en su ultima travesía.
Wes Anderson de nuevo sorprende llevando al límite a los personajes y construyendo a partir de ellos una historia original, a su vez llena de humor negro y reflexión sobre la amistad, el amor, el desencanto. Una historia llevada a al cine que gracias a las habilidades del director y a un guion inteligente es algo dramático y a la vez cómico.

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Del olvido al no me acuerdo
Director: Juan Carlos Rulfo
Año: 1999

Del olvido al no me acuerdo es una película del genero documental que en su desarrollo nos envuelve con historias de personas de la tercera edad y la magia con la que cuentan algunos pasajes de su vida. El documental se va construyendo a partir de la pregunta que hace el director sobre la personalidad y la vida de su padre: el conocido escritor Juan Rulfo. Encontrado respuestas en personas a los que la edad ha ido menguando en su salud pero no en su capacidad de imaginar y contar la vida a partir de esa imaginación o tal ves realidad. Lo mas interesante dentro del documental son las historias de los ancianos que viven e en regiones aisladas y la manera en como las cuentan, además la forma en como interactúan los paisajes de los lugares donde se llevo a cabo el documental, que nos hace recordar la oralidad y los contextos que son características particulares en la literatura de Juan Rulfo.


Los ladrones viejos
Director: Everardo Gonzales
Año: 2007

El filme pertenece al genero documental, en el cual se trata de traer al presente el recuerdo de lo que fue el mundo del hampa en los años 70 en el distrito federal. Específicamente el delito del robo que para quienes no vivimos esa época nos impresiona la información que vemos en el documental.
Es importante destacar que el documental es objetivo porque nunca trata de dar un juicio sobre los actos de los personajes principales, quizá el documental en este aspecto fue auxiliado por el carácter y personalidad de las personas que son entrevistadas. Que a pesar de que fueron ladrones se dirigían por códigos que en la actualidad ya no se respetan por quienes cometen atracos. Además esta la contraparte que nos narra la posición del servicio secreto mexicano de aquella época y como se involucraban en actos de corrupción.
En general es un documental completo que utiliza la historia vivencial de los ladrones del México de hace mas de 30 años. Ladrones que van desde la parte menos beneficiada por la sociedad hasta la mas alta.

Marlango/ el último habitante del planeta

El último habitante del planeta

Contó el dinero y se tomó su tiempo

Pensó gastarlo todo en una noche

Para qué lo iba a guardar

Primero ver qué estrenan en el cine

Después mi restaurante favorito,

Buscó en su agenda con una sonrisa,

Para ver a quién llamar

Y pensó quién será

Tan feliz como yo

Gira el mundo a mis pies

Para mí, porque sí

Cazó una mosca al vuelo con desgana

Cerró la mano y la agitó despacio

Conto uno, dos, tres, cuatro, cuatrocientos

Luego la dejó volar

Y pensó quién será

Tan feliz como yo

Gira el mundo a mis pies

Para mí, porque sí

El último habitante del planeta

Miró al espejo y vio su propia cara

Palpó la superficie con los dedos

Y le pareció brillar

Beirut - Elephant Gun

If I was young, I'd flee this town

I'd bury my dreams underground

As did I, we drink to die, we drink tonight

Far from home, elephant gun

Let's take them down one by one

We'll lay it down, it's not been found, it's not around

Let the seasons begin - it rolls right on

Let the seasons begin - take the big king down

Let the seasons begin - it rolls right on

Let the seasons begin - take the big king down

And it rips through the silence of our camp at night

And it rips through the night

And it rips through the silence of our camp at night

And it rips through the silence, all that is left is all that I hide

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Exilios
Director: Toni Gatlif
Año: 2004

Que más se puede decir sobre una película donde transparentemente convergen ideales, sentimientos, creencias, búsquedas personales y llamados de sangre.
Exilios se trata de una pareja de argelinos que viven en parís y de un día para otro deciden volver a sus orígenes. Convirtiendo la migración de un país tercermundista a otro de primer mundo en un acto que transgrede el significado que le dan las personas que se encuentran en ese camino. Ya que el objetivo de dicha pareja de argelinos es regresar aun lugar donde todo les es ajeno y no tienen las oportunidades que parís otorga. Sin embargo ellos deciden emprender el viaje a al país de origen de sus padres con un enorme deseo que convierte la travesía en algo sublime para la vida de los personajes. Redescubriéndose como pareja, teniendo experiencias con otras personas que igual a ellos están emigrando, visitando lugres fronterizos de España y Francia; llenándose el espíritu. Además de eso la película me parece que es bien interpretada por los actores, la historia es envolvente, la música es muy buena y diversa que le da cierto carácter a la película, y en general la película es emotiva porque reivindica el sentimiento de pertenencia hacia algo o alguien que desde mi punto de vista refleja uno de los mayores problemas sociales de la actualidad: la perdida de identidad. Identidad que en el proceso de la película los personajes adquieren.


Inocencia
Director: Lucile Hadzihalilovic
Año: 2004

Este filme nos transporta al mundo de la infancia de un grupo de niñas que viven en un orfanato donde aprenden a ser responsables de si mismas. La historia consigue desde el primer instante darnos a entender que la vida concebida racionalmente como infantes también puede ser gris y ajena a toda esa alegría que suponemos con la que se disfruta cada instante cuando aun no alcanzamos la adolescencia.
En inocencia vemos niñas con distintas personalidades que las lleva a aprenden a ser dependientes y otras que por el contrario se apegan a figuras maternales y deseos y miedos, que incluso sobrepasan lo que tenemos establecido que pensaría alguien de su edad. Así es como vamos atrapándonos en una historia donde cada niña tiene un drama que contar. A veces solucionando los problemas a los que se enfrenta y en distintos casos tomando decisiones que nos recuerdan que hay muy poca distancia entre los niños y los adultos.
Supongo que lo valioso de esta película es la peculiar manera de ver el proceso biológico y psicológico de las personas en este caso un grupo de infantes del género femenino. Además del sobresaliente trabajo actoral de las pequeñas actrices que sin duda fueron bien apoyadas por la directora de la película.

Heroin / Lou Reed

I dont know just where Im going

But Im goin to try for the kingdom if I can

cause it makes me feel like Im a man

When I put a spike into my vein

Then I tell you things arent quite the same

When Im rushing on my run

And I feel just like jesus son

And I guess I just dont know

And I guess that I just dont know

I have made very big decision

Im goin to try to nullify my life

cause when the blood begins to flow

When it shoots up the droppers neck

When Im closing in on death

You cant help me not you guys

All you sweet girls with all your sweet talk

You can all go take a walk

And I guess I just dont know

And I guess I just dont know

I wish that I was born a thousand years ago

I wish that Id sailed the darkened seas

On a great big clipper ship

Going from this land here to thatI put on a sailors suit and cap

Away from the big city

Where a man cannot be free

Of all the evils in this town

And of himself and those around

Oh, and I guess I just dont know

Oh, and I guess I just dont know

Heroin, be the death of me

Heroin, its my wife and its my life

Because a mainer to my vein

Leads to a center in my head

And then Im better off than dead

When the smack begins to flow

Then I really dont care anymore

About all the jim-jims in this town

And everybody putting everybody else down

And all of the politicians makin crazy sounds

All the dead bodies piled up in mounds, yeah

Wow, that heroin is in my blood

And the blood is in my head

Yeah, the gods good as dead

Ooohhh, God that Im not aware

I just dont care

And I guess I just dont know

And I guess I just dont know

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The element of crime
Director: Lars von Trier
Año: 1985

Esta es una película representativa de la enfermedad social del viejo continente: la racionalización. Un padecimiento que los ha sumergido en un intenso deseo de racionalizar cada acto humano al grado de complicar la existencia de cada ser y convertirse en creadores de sus mismos verdugos.
Filmada en tonos sepias, rojizos y escenarios donde se llevaron a cabo o podrían realizarse crímenes contra y por la humanidad. The element of crime nos lleva a la vida decadente de un detective que regresa hacia el lugar que odia y ama a la vez, alguna parte de Europa donde una serie de asesinatos develan la siniestra alma occidental. Donde se sumerge en una investigación que le hará volver sobre su pasado e incluso lo convertirá en alguien más.
Lars von Trier realiza un gran trabajo del séptimo arte de corte innovador y visionario. Además de apegarse esa particular idea del cine que tiene Lars Von Trier de enfatizar los actos del hombre sean buenos o malos en contextos donde se tiende a perder el control.



Hard candy
Director: David Slade
Año: 2005

Hard candy junto a the devil and y Daniel Johnston (2005), The limb salesman (2004), y Away from her (2006) pertenece a un grupo de películas cuya realización se llevo a cabo en Canadá, por motivos de ahorro de presupuesto. Lo cual nos hace catalogarla desde un principio como cine independiente.
Hace tiempo que sabía de Hard candy sin embargo no había decido verla debido a una cuestión de lealtad hacia The limb salesman (una película que de inicio el tráiler luce varias veces mejor que hard candy) y que es difícil hallar en Chiapas. A pesar de mi determinación tuve la oportunidad de verla y me sorprendió su sinceridad y la estructura visual que presenta, de fácil descubrimiento al ver la película y observar el diseño interior de la casa donde se lleva a cabo el noventa por ciento de Hard candy.
La historia es muy sencilla pero, por instantes se vuelve estridente hasta atrapar nuestra atención, involucrándonos con los personajes y la idea principal que cuadro tras cuadro se descubre. Producto de un guion creado para solo dos personajes que certeramente representan un poco la actitud y estilo de vida de quienes viven en un país desarrollado y siniestro desde sus entrañas.