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I´m Not There
Director: Todd Haynes
Año: 2007

Hace tiempo que quería ver I´m Not There por diversas razones y una de estas era intentar descifrar la historia que según me habían dicho era bastante difícil de entender, pero ahora que la he visto puedo decir que no es necesario tratar de confrontar nuestro razonamiento; debido a que en el film el guión es muy claro respecto a la historia, la cual narra las distintas personalidades y experiencias en la vida de Bob Dylan icono de la música folk que inicio su carrera en los años 60.
Para aquellos que aprecian la música en sus diversos idiomas y mensajes esta es una buena cinta en ese aspecto porque la película se compone de muchos capítulos que se encuentran bajo la estructura de las letras de canciones y música que por sí mismas narran I´m Not There y que le dan un carácter artístico a la película que además de estar muy bien editada, cuenta con muy buenas actuaciones y tiene momentos en que la transición de una escena a otra son memorables. Tampoco hay que pasar por alto el perfil que la cinta nos entrega del cantante Bob Dylan.

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Delta
Director: Kornèl Mundruczò
Año: 2008

El paisaje del río Danubio en Europa es el contexto que el director utiliza para el desarrollo de una historia realista. Una proyección como muchas de las que deben existir de la parte rural del viejo continente, lugares alejados de la modernidad, un pueblo en Hungría rodeado por el delta del rìo Danubio es el origen del filme que el director escribió y narró sencillamente, atributo que hizo de la cinta una historia llena de historias secretas, las cuales son una cartografía para que los espectadores descubramos el corazón de una sociedad. Y esa revelación se da a partir de dos ejes principales en la película uno de ellos la cultura y el otro la relación amorosa entre dos personajes; Fauna quien es la mujer que nunca ha salido del pueblo y que tiene que vivir bajo los conceptos de una sociedad conservadora y Mihail el hermano de ella que ha regresado al poblado después de mucho tiempo. La película en general es muy buena porque integra la historia y las imágenes sin dejar cabos sueltos, como si fuera un estudio social donde es evidente que el comportamiento de un grupo de personas y su conocimiento está íntimamente vinculado al lugar que habitan.

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Oveja negra
Año: 2009
Director: Humberto Hinojosa

Es bueno encontrar que el cine mexicano sigue aportando buenas historias a los espectadores que buscan películas mexicanas que no van a festivales o aparecerán en la sección de cine de autor. Y es que debemos aceptar el hecho de que en nuestro país regularmente hay dos estilos de cine: el muy malo y tiene como característica querer parecerse al cine de Hollywood; y el otro que no tiene que ser malo necesariamente pero que suele ser de autor y de poco acceso a todos además de contar con poca difusión. Sin embargo Oveja Negra es un filme que solo necesitó contar bien una historia para que encontrarse en otra categoría. La cual es la de cine comercial pero, bien hecho. Es decir que no busca más que lo básico sin pretensiones.

Oveja negra es un cuento simple donde un par de amigos que viven en un pueblo del norte de México han decidido después del abuso de su patrón cambiar la vida que tienen y emigrar a estados unidos. Pero para hacerlo tienen que robar ya que no cuentan con nadie y ambos son pobres. Alrededor de esa idea se va creando la trama que tiene una historia de amor, amistad, humor, buenas actuaciones, en concreto un buen trabajo del director que supo notar los alcances de la película y no forzó la cinta. Lo que hizo de Oveja Negra un buen film ligero y entretenido.

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Happy go lucky
Director: Mike Leigh
Año: 2008

No existe duda de que el cine nos enseña sobre la vida de forma positiva, incluso a las personas mas seria y de carácter duro puede sacarle una sonrisa; siempre que el manejo del lenguaje cinematográfico se concrete de forma inteligente sin subestimar a las espectadores que cada día están cansados de comedias vulgares y ofensivas.

Happy go lucky es uno de esos filmes con la capacidad de entregarnos una historia llena de alegría y entusiasmo que se ve reflejado en el personaje principal y en la trama de la cinta. Es importante destacar su sencillez y agilidad para narrarnos una breve parte de la vida de una educadora que toma la existencia como todos tendríamos que hacerlo, como la única oportunidad que tenemos de ser felices y estar en paz con uno mismo y las demás personas, sin que sea necesario convertirnos a una religión o ir a lo mas alto de una montaña.

Esta película tiene una primicia simple que la hace importante dentro de la filmografía internacional de este año, debido a que no se basa en el sensacionalismo social o género gastado para atrapar al espectador. Happy go lucky nos lleva a presenciar unos días en la vida de una maestra de preescolar que quizá contagiada por el espíritu de los niños le otorga a cada persona una forma de ver el mundo de los adultos que dista mucho de la tensión y parálisis mentales que solemos padecer los que estamos bastante crecidos y creemos que la estabilidad depende de nuestros logros sociales y laborales.

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Moon
Director: Duncan Jones
Año: 2009

Moon es una cinta estrenada en varios festivales que para algunos críticos son de segunda clase o que no tienen el nivel de grandes festivales de cine como San Sebastián o el festival de Berlín, pero llegar a un festival donde compites contra las ideas de otros y ser galardonado como mejor película y mejor actor es algo valioso, sobre todo para aquellos con el deseo de nuevas propuestas en géneros de cine que están llenos de fantasía, horror y ficción. Es por eso y debido a su calidad como obra cinematográfica de género, además de que seguramente será material de conversación para alguna generación de personas que la reseña de esta semana es para MOON, un filme de ciencia ficción que nos ofrece una historia donde existe la posibilidad de conectarse con las emociones del personaje principal de forma mucho más simple que otras películas, porque en Moon el argumento está diseñado para un solo actor, además se presta a que tomemos mucho mayor atención al nivel de histrionismo de Sam Rokcwell. Otros aspectos a destacar del filme es su arte, en cuestiones de escenografía y diseño en general ya que tienen un lenguaje por si mismos, el cual nos quiere decir que la tecnología en la actualidad tiene mucho de ciencia ficción.

El entramado de Moon está basado en un astronauta que se encarga de enviar combustible extraído de la Luna a la Tierra y que está a punto de terminar su contrato de tres años como empleado de las empresas Lunar, encargados de la tecnología que abastece a la Tierra. A partir de ese punto, del estado de soledad en el que se encuentra Sam Bell (S. Rockwell) quien tiene como único contacto a la computadora de la nave y unas cuantas grabaciones que llegan de la Tierra, la cinta comienza a desarrollarse y de esa forma establecer el contexto de Moon. El cual por un momento nos hará creer varias ideas con el objetivo de abrir la historia a algo más realista en el sentido de una cinta de género.
Otra característica de esta película que vale destacar y lo que hace de Moon una película valiosa es que lejos de ser una cinta con temas apocalípticos con relación a un posible futuro de la civilización humana, nos muestra una cara positiva de la tecnología aplicada para el beneficio de las personas y también señala que no es la tecnología lo que está mal, si no la aplicación de ella.

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El séptimo sello
Director: Ingmar Bergman
Año: 1956

Probablemente el estilo de hacer cine de Ingmar Bergman tenga un mejor ejemplo en la noche del lobo (1968), sin embargo la precisión y capacidad que tuvo para representar la vida y la muerte en el séptimo sello es el porque de escribir sobre esa cinta.
Ingmar Bergman es considerado uno de los grandes maestros del cine al crear un lenguaje que se caracteriza por narrar historias desde una visión analítica de cada personaje y exige que el entramado de las películas sea un reflejo de ellos. Y es en ese tratamiento que el cine de Bergman se lleva las palmas, porque al ser tan detallado y minuciosamente cuidado, sus obras se integran a la realidad y la ficción, al documental y la entrevista, a la visión particular y la duda existencial.

En el séptimo sello, el director se hace de un grupo de personas, de personajes paganos que son liderados por un caballero que regresa de las cruzadas, en èl recae el peso de la muerte, pero es quien a su vez guía a un grupo de gente a través de un sendero sinuoso contextualizado en la edad media.
En el filme Ingmar Bergman se excluye del pensamiento occidental sobre la muerte, al representar un contacto con la muerte que los occidentales temen por ideología. También otorga a la muerte un papel en el que juzga los actos de los seres humanos y concede la posibilidad de escapar de ella por lo menos una vez. Todo ello cubierto de una atmosfera que cambia de tonos y vinculada a lo religioso, al oscurantismo y lo pagano.

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El diario de los muertos
Director: George A. Romero
Año: 2007

De la mente que nos ha llevado a la pantalla grande lo grotesco y el primitivo instinto de supervivencia sobrenatural, del padre de los muertos que caminan sobre la Tierra, llega esta nueva entrega de cine de horror zombi: The Diary Of The Dead. La última cinta de George A. Romero y con la que se cree se cierra la trilogía que inicio con The Night Of The Dead y The Dawn Of The Dead.

En el diario de los muertos George A. Romero vuelve a presentarnos un cuadro donde inesperadamente los muertos cobran vida para cuestionar a los seres humanos sobre su propia deshumanización y falta de razonamiento frente a una situación caótica, capaz de despertar en las personas sus instintos mas oscuros o como en el caso de algunos personajes de la película lleva su razonamiento a un nivel que supera lo instintivo al transformar su entorno, utilizándolo a su beneficio.

La cinta en su forma de película de horror no solo cumple al reutilizar a estos monstruos clásicos del cine de horror que son los zombis, también concede un lenguaje actualizado de lo que debe ser una película de zombis en nuestros días. Además el maquillaje y los efectos son una parte del depurado estilo del director a lo largo de los años haciendo este género de cine, como el argumento y discurso dentro de la cinta.

Ever tried. Ever failed. No matter. Try again. Fail again. Fail better.

samuel Beckett

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Profondo Rosso
Director: Dario Argento
Año: 1975

¿Qué es el género de terror y suspenso? Si no una representación cultural de los miedos y monstruos que habitan en nuestras mentes, corazones y en la oscuridad tan distinta y a la vez cercana a cada uno de nosotros. Un ser habitante de la Tierra que posee a algunos cuantos para perpetrar sus deseos mortales de enseñarnos lo que el ser humano es capaz de hacer en cuestiones de dolor y sufrimiento. O en otros casos que viven latentes en nuestra actividad creativa y así se convierte en nuestra creación y representación propia del miedo.
Dicha representación del genero de suspenso y terror del cine italiano tiene un nombre que durante dos décadas y aun en la actualidad se ha movido como un espectro creador de obras de genero, me refiero a Dario Argento quien ha experimentado con el cine de genero entregándonos obras que van desde la sugestión a la crudeza.
El filme del que escribo de este director de culto es una de sus cintas menos fuertes visualmente, pero de las más vistas y aplaudida por los seguidores del genero. Y lo es precisamente porque al verla, desde un inicio conjuga un momento de paz con lo oscuro y perverso, además de ir construyendo un juego de detectives entre el personaje principal y el asesino.
Profondo Rosso, consiste en la psicosis asesina de un personaje que al matar deja huellas sobre su posible pasado como si deseara cubrir lo que nadie quiere que sepa. La cinta que esta cubierta por una atmosfera al estilo Hitchcok se desprende de lo normal y tiene mucho parecido a juegos psicológicos de mesa. Probablemente Profondo Rosso no sea una buena película para quienes no están abiertos a visones oscuras de culturas que no sean anglosajonas, pero eso no quiere decir que la muerte y depravación humana sea característica de una solo forma de concebir el cine. Además hay que recordar que si Profondo Rosso como espectador no te mueve también hay que revisar Suspiria (1977) y sus trabajos como guionista en Demonios 1 y 2 (1985, 1986; Lamberto Bava).

Futuro progresivo

El planeta cambia de forma progresiva, uno apenas y lo nota al llegar la muerte del amor. El mundo cambia y es innecesario escribir sobre melodías desconectadas de galaxias y civilizaciones extraterrestres en su ocaso. La Tierra cambia sin tu voz. El mundo cambia y cae frente a mí el suicida desde el noveno del edificio.

Ishtar Terra

La Tierra es como una tarde de paseo en Venus a través de una capsula espacial del siglo pasado, de aleación en tonos verdes incandescentes por excesivo uso de conductos que deben permanecer a temperatura regular.
La capsula aterriza esquivando terreno volcánico. El clima hace parecer que el transporte es más pequeño de lo normal. Tenemos que salir y tomar muestras con nuestras propias manos y dar una caminata no prevista. Llenamos los trajes con el plasma para sentirnos seguros en un clima hostil. El deseo de cada uno es obtener muestras de oro de las minas de Ishtar Terra y después volver a la Tierra como astronautas millonarios.
Hay una pequeña cresta cerca de Et y Olp. Ishtar Terra tiembla y nuestros injertos de computadora se averían centésimas de segundo, suficiente para cegarnos. La cresta, el pequeño volcán expulsa lava sobre Et y Olp. Ambos mueren. Encuentro sus cuerpos solo por suerte. No les ofrezco una ceremonia, les quito las placas de los tanques de abastecimiento de oxigeno y de presurización de plasma.

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Evil aliens
Director: Jake West
Año: 2005

Esta es una cinta realizada de forma simple casi de estilo serie b pero con un discurso moderno que la lleva por una senda discursiva violenta, sarcástica, sin sutilezas y es exactamente ahí donde Evil aliens se vuelve una película que vale la pena ver a menos de que seas un purista del cine o de pensamiento moralista.
La película es tan básica que se puede definir de manera inmediata, al verla es notorio que la idea principal está en presentarnos de forma fría sin mensajes entre líneas o visiones profundas los placeres humanos cargados de violencia, sin alma, muy al estilo hardcore, de manera que sean generadores de violencia y la cinta por si misma tenga ese discurso.

Evil aliens nos narra sobre un grupo de personas, que van desde granjeros, conductores de un programa televisivo y entusiasta s de los extraterrestres que viajan a una isla con un mínimo de población para hacer un reportaje sobre las imágenes hechas por supuestas fuerzas de otro mundo en los campos de trigo y así da comienzo la trama a una lucha entre seres humanos y extraterrestres sádicos y violentos que buscan conquistar la Tierra y despedazar a la humanidad.
Aunque la película es de muy bajos recursos tiene eso como finalidad y lo hace evidente sobre todo en la cuestión visual con respecto a los efectos especiales de las naves, todo lo demás no esta tan mal y por supuesto se pasa por alto a ver un film con esa intención.

Standing on the beach
With a gun in my hand
Staring at the sea
Staring at the sand
Staring down the barrel
At the arab on the ground
I can see his open mouth
But I hear no sound

I'm alive
I'm dead
I'm the stranger
Killing an arab

I can turn
And walk away
Or I can fire the gun
Staring at the sky
Staring at the sun
Whichever I chose
It amounts to the same
Absolutely nothing

I'm alive
I'm dead
I'm the stranger
Killing an arab

I feel the steel butt jump
Smooth in my hand
Staring at the sea
Staring at the sand
Staring at myself
Reflected in the eyes
Of the dead man on the beach
The dead man on the beach

I'm alive
I'm dead
I'm the stranger
Killing an arab

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Luces al atardecer
Director: Aki Kaurismaki
Año: 2006

Debo confesar que la primera vez que vi una película de Aki Kaurismaki no tuve idea de lo que había visto. Y por la simple razón de que cuando nos enseñan algo (lo que sea) de forma extremadamente sintética y fría a veces nos lleva tiempo entenderlo a pesar de que el lenguaje con que se nos entregue no sea abstracto. Esa es la formula de Aki Kaurismaki, un lenguaje complejo pero a su vez sus obras no son largometrajes que busquen descifrar o construir nuevos lenguajes cinematográficos, este director se basa simplemente en lo cotidiano y la simplicidad de las historias; lo que algunos narrarían en dos horas y media, Aki Kaurismaki lo hace en setenta u ochenta minutos al mismo nivel de exactitud narrativa. Seguramente por su temperamento y capacidad para analizar el estilo de vida de las personas de su país.

Luces al atardecer es su décimo séptimo largometraje y para quienes ya vieron el hombre sin pasado (2002 ) o cualquier otro de sus trabajos, este es el dique para sostener el estilo y lenguaje narrativo de Aki Kaurismaki. En el filme podemos ver que la historia continua la misma línea y los personajes apenas no son los mismos al hombre sin pasado por un azar cinematográfico. La ciudad se repite y la historia es sobre un hombre joven de clase baja. Koistinen quien es el personaje principal y el móvil para desarrollar la historia de luces al atardecer es un hombre solitario y ensimismado que desea pertenecer a algo más que su simple existencia. Sin embargo empleado de seguridad de un centro comercial, la única persona que lo escucha es una mujer que tiene un puesto de comida rápida a donde el siempre llega a cenar.
Una noche un grupo de ladrones se da cuenta que Koistinen es un blanco fácil para que les sirva de chivo expiatorio, entonces deciden utilizarlo para robar la tienda engañándolo por medio de una mujer que fingirá estar interesada por él.

A través de esta historia sencilla y que para algunos puede parecer un cliché .el director nos transporta a una Helsinki aburrida y triste, mecánica y fría, donde por medio de las imágenes, el guión y la narrativa, nos deja claro que el director trata de denunciar la miseria espiritual en los individuos del viejo mundo.

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¡Que viva México!
Director: Sergei Eisenstein
Año: 1932

Después del acorazado potemkin(1925) e Ivan el terrible (1943), la película mas conocida de Eisenstein es ¡Que viva México! Y para que se filmara Esenstein y su equipo tuvieron que viajar y visitar Norteamérica porque los estudios estadunidenses los llamaron para que trabajara con ellos. Lo que llevo a Esenstein a viajar al país más cercano a Estados Unidos. Un país donde la cultura y la historia le provocaron realizar una cinta donde se reflejara desde los antiguos imperios mesoamericanos, pasando por las emociones más fuertes de los mexicanos que son el amor y la familia, las costumbres y la sociedad moderna. Esenstein que era un excelente editor y un gran director logro componer y unificar en 6 historias relacionadas por la misma cultura lo que México representa para el mundo. En una idea que aun prevalece y que básicamente es la de un sincretismo cultural inherente en la cosmovisión de los mexicanos.

La película se compone por un guión que tiene como personaje principal a todo un país haciendo que el espectador aprenda de una cultura a través de la mirada sensata del director. Además de tener un hilo conductor que es la muestra de un dios omnipresente que narra a todo un país por medio de una película, convirtiendo a ¡Que viva México! En un proyecto invaluable dentro de la cinematografía mundial.

hiperespacio

diferencias

cumbia balcanica

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Planeta salvaje
Director: Rene Laloux
Año: 1973

El filme de esta reseña es una que se encuentra en el genero de la ciencia ficción y su director Rene Laloux nos entrega una película de animación de un nivel básico, bidimensional y casi acartonado, pero estas características lejos de ser un lastre para la cinta, le dan un sentido y una estética explicita que sirve para contar y desarrollar la trama de Planeta Salvaje. En una historia donde el director expresa su descontento ante la discriminación y el racismo amplificado por los individuos en sus sistemas de organización social. Básicamente el filme narra sobre los Draags y los Oms, los primeros son seres humanoides de una civilización superior en tecnología pero ajenos a las emociones y razonamiento de los Oms, quienes son seres humanos de tamaño diminuto lo que los hace vulnerables y los convierte en mascotas de los Dragg. Unos de estos Oms después de vivir como mascota de un Draag aprende sobre la aplicación y uso de la tecnología y así como de las debilidades de los Draag. Los cuales han decidido erradicar a los Oms de su planeta. Llevando las diferencias a un conflicto mayor.

Planeta salvaje es sin duda una joya de la animación y la ciencia ficción por su calidad en la narrativa al igual que en su realización. Además de contar con una trama original y vigente lo que la convierte en una historia universal.

Vjork

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Los lunes al sol
Director: Fernando León de Aranoa
Año: 2002

La película se desarrolla en la ciudad de Vigo en España bajo un contexto social de clase baja. Debido a que después de la reconvención industrial, se dejo a la mayoría de los empleados y habitantes de la ciudad en una crisis por culpa del desempleo aminorando sus deseos de una mejor calidad de vida. Situación que da pie a que seamos espectadores de la vida de un grupo de desempleados quienes están perdidos ante la situación, porque muchos de ellos dieron toda su vida en las fabricas y se han quedado sin nada.

La cinta además de las buenas actuaciones sobre todo por el tour de force entre Javier Bardem y Luis Tosar; Señala y critica el sistema capitalista en el que se vive, pero no lo hace de forma agresiva o idealista. La historia de la cinta abre camino a tomar la vida de manera distinta, a disfrutar y sufrir como sucede comúnmente en la vida a pesar de que uno tenga trabajo o no.

Aunque la película no este realizada con el rigor del lenguaje cinematográfico que meta de lleno en la trama del film. Es la historia y las actuaciones las que se superponen y hacen que la cinta camine por estar apegada a una realidad que se vive día a día en la gran mayoría de los países de cualquier nivel económico.

Ultrón

La inclinación de su rostro no se detiene, es incapaz por si misma de volver a su estado natural. Y los hombres que lo siguen comienzan a percatarse de su error. Ahora que han pasado unos minutos desde que me di cuenta de su imperfección, puedo pensar y escribir lo que pienso. No es gran cosa, no temo hacerles ver que estamos en un peligro que todos parecen esperar y aplaudir con vehemencia. Si tan solo pudiera seguir el ritmo de las luces septentrionales, el conteo solar, la oscilación del robot. ¿De qué forma explicarle a un número mayor de necios que sus formulas son mal ejecutadas por Ultrón? Vean la sonrisa en su cara, esta burlándose. Observen su boca rectangular cubrirse por un halo, escúchenlo decir “no obtendrán de mi mas que órdenes superiores”.

de plano cocodrilo

nadar

hormiga suicida