Travelling vertical

Unbreakable
Director: M. Night Shyamalan
Año: 2000

Esta entrega es sobre la segunda película producida, escrita y dirigida por uno de los directores de cine de la escuela norteamericana de Spielberg y Hitchcock: M. Night Shyamalan un director y escritor del cual una vez que se ha revisado toda su filmografía no cabe duda que sus películas son basadas en información a la que tiene acceso.

En Unbreakable el fenómeno que explora es la cultura del comic, las implicaciones mitológicas a las que revistas de superhéroes son expuestas y entrega un análisis realista del superhéroe inmerso en la modernidad, el contexto de M. Night Shyamalan.

En la historia de la cinta un padre de familia que tiene un empleo mal remunerado como vigilante en un estadio de futbol y que esta a punto de separarse de su esposa es agobiado por una sensación que lo ha perseguido siempre, el hecho de levantarse cada día y darse cuenta de que no está haciendo lo correcto con el curso de su vida. Situación que se manifiesta con más fuerza al ser el único sobreviviente de un accidente de tren. Acto que permite el desarrollo de la película, donde se va descubriendo a manera de suspenso la existencia de una teoría sobre el superhéroe y los conflictos sociales e individuales que enfrentaría en una sociedad donde el concepto es irreal e imposible.

Navidad artificial

En muchos colegios estaban ya de vacaciones y había como un millón de chicas esperando a su pareja: chicas con la pierna cruzada, chicas con la pierna sin cruzar, chicas con piernas preciosas, chicas con piernas horrorosas, chicas que parecían estupendas y chicas que debían ser unas brujas si de verdad se les llegaba a conocer bien. Era un bonito panorama, pero no sé si me entenderán lo que quiero decir. Aunque por otra parte era también bastante deprimente porque uno no podía dejar de preguntarse qué sería de todas ellas. Me refiero a cuando salieran del colegio y la universidad. La mayoría se casarían con cretinos, tipos de esos que se pasan el día hablando de cuántos kilómetros pueden sacarle a un litro de gasolina, tipos que se enfadan como niños cuando pierden al golf o algún juego tan estúpido como el ping-pong, tipos mala gente de verdad, tipos que en su vida han leído un libro, tipos aburridos…

El guardián entre el centeno – J. D. Salinger

Tomacorriente

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Familia tortuga
Director: Rubén Imaz
Año: 2007

La película de Rubén Imaz producida con el apoyo de Coneculta es la prueba de que el cine mexicano tiene futuro, sobre todo si permiten que los creadores presenten sus ideas de forma natural sin que nadie ajeno a la producción artística se involucre para desvirtuar o popularizar de forma grosera el trabajo de quien ha tenido que luchar para divulgar su obra. Es así como las obras de cineastas mexicanos y entusiastas del séptimo arte a través de continuar con su ideal llegaran a la madurez suficiente para establecer una industria del cine en un país optimo para crear una vasta filmografía moderna que no solo se ubique en ideas derivadas del norte y centro del país.

La cinta de Rubén Imaz tiene una primicia simple sobre un día en la vida de una familia que recientemente perdió a uno de sus miembros e igual a muchas familias viven bajo el mismo techo pero, la comunicación entre ellos y los problemas individuales son el factor predominante para exponer su historia y precisamente por eso Familia tortuga es el ejemplo de que el cine en México debe tomar rutas distintas y ajenas a la realidad centralizada.

La película debe verse desde dos perspectivas. La primera es que la cinta es un principio más parecida a un video o cortometraje, que lejos de incitar al espectador a seguir viéndola dan más ganas de apagar el lector de DVD y hacer cualquier otra cosa. Además de ser un cliché andante no solo en la historia, también en sus personajes y forma de ser.
La segunda perspectiva llega a la mitad de la película, porque la historia se estabiliza dando lugar a una narrativa agradable, la cual nos hace dejar atrás los clichés del filme para dar paso a la mirada del director acerca de la comunión en familia dentro de una sociedad en una Cd caótica y más que nada para que gestemos la teoría de que la película tiene dos ritmos o lenguajes distintos. Uno cobijado por el dogma 95 o la velocidad en la que se vive en el DF. El otro lenguaje, el de un cine con un objetivo social que nos muestra una historia donde la belleza de la cinta se enfoca en la intimidad del núcleo familiar y cada uno de los personajes. Finalmente para apreciar familia tortuga se necesita voluntad, gustar ampliamente del cine y haber hecho un sacrificio por mínimo que haya sido para conseguir la película.

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No amaras
Director: Kristof Kieslowski
Año: 1988

K. Kieslowski afamado director polaco, quien llevara a lo mas alto al país de Francia con la trilogía tres colores: azul,blanco, rojo. Títulos que hacen alusión a la bandera del país galo y que no solo causaran que se hablara de dichas películas por ese hecho, también lo hicieran por la catedra de cómo hacer cine en cada una de la trilogía donde usa como ejemplo a la sociedad francesa. Presicion dircursiva/narrativa notable que tambien uso en No amaras, filmada en su país de origen. En la cual Kieslowski expone su teoría sobre el amor.

No amaras es una cinta en la que un joven de 19 años llamado Tomek se enamora de una mujer adulta de nombre Magda, a la cual observa desde la ventana de su cuarto y que idealiza debido a las emociones que ella le causa, tan solo con el hecho de verla. Obviamente ellos comienzan una relación que a través de la película adquiere todos los matices de un primer romance para Tomek. Romance de donde se sustenta la historia del director, al presentar los dilemas mas comunes y verdaderos de una relación que es sostenida entre el ideal y la realidad de un sentimiento que una vez llevado al limite emocional termina de ser un ideal y se convierte en una búsqueda. Discurso que plantea Kieslowski por medio de los personajes, quienes comparten el mismo deseo. Sin embargo para Tomek dicho sentimiento es nuevo y esto lo lleva a idealizar a la persona que ama, a la vez que Magda como consecuencia de sus distintas experiencias y estilo de vida entiende que la unión entre ellos debe disolverse. Lo que da paso a una confrontación de emociones, sentimientos, malos entendidos y tristeza que con respecto al lenguaje del director y a la manera en que nos cuenta la película, es el pesimismo y el miedo la base para que las relaciones se fracturen. Y la idea principal en las que el director explora para hacer a través de un guión solido y buenas actuaciones, una de sus mejores películas.

Se nos ha muerto el año donde dejé tu nombre
para que recobrara su condición de estío.

Ya no sé,nunca entiendo estas precarias sílabas,
cosas que no recuerdo de pronto me dominan:
¿te dije que tenías la piel como de humo?
¿que de estarme en tus ojos me conozco el origen?
¿te he enseñado el misterio de los árboles solos? ¿sabes ya que tus manos son dos siestas dormidas?

No sé, nunca recuerdo tanta distancia,tanta canción que no
he cantado cuando anduvimos juntos.
Me dolería mucho no haberte dicho todo lo que llevo en la boca casi como otra risa.

ARMANDO TEJADA

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The fall
Director: Tarsem Singh
Año: 2006

Un año después de su estreno en Europa en el festival de cine fantástico, ficción y horror de Sitges, gracias a las descargas en Internet finalmente vi The Fall ganadora del premio a la mejor película en la edición Sitges 2007. Película dirigida por Tarsem Singh, un director de origen hindú quien en sus inicios se dedico a hacer videos musicales y que mas tarde llevo la estética visual de los videos a la pantalla del cine con su primer largometraje The Cell (2000), película donde ya demostraba su capacidad para crear una dirección de arte sobresaliente, como piezas de un surrealismo aun no consolidado y apenas explotado por unos pocos directores en el séptimo arte.
Desafortunadamente su primera película carecía de una historia que rivalizara con el aparato visual y contaba con una que otra estrella de la pantalla que desvirtuaban por mucho a The Cell.

Años más tarde cuando se le había perdido la pista aparece Tarsem Singh con su segundo largometraje. Filme que refuerza su teoría visual, además de demostrar madurez en su discurso visual y en la historia de The Fall. Respaldado por las actuaciones, la fotografía, la música y la edición; aspectos de la creación de las obras de cine donde la mano del director es de vital importancia.

The Fall es una cinta filmada en alrededor de 18 países que nos acerca a una historia en los años 20 dentro de un hospital, en donde dos personas internadas crean un vínculo de amistad. Un hombre adulto y una niña; ambos a partir de un cuento van descubriendo su vida y el porque están recluidos ahi. En un filme que si bien tiene una historia que por breves momentos se cae (y eso ocurre únicamente porque conocemos el referente de El Principito como obra literaria adaptada al cine) acierta al sobreexponer el delicado mundo de los adultos y el idealista y valiente mundo de los niños.

about Kurt Vonnegut's slaughter 5

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My Blueberry Nights
Director: Wong Kar Wai
Año: 2007

Son muchos los nombres y varios los géneros de quienes forman parte del grupo selecto de directores de origen asiáticos que en la actualidad son los más sobresalientes por sus diversos filmes y formas de interpretar la realidad y narrar historias por medio del cine. Su característica la identidad de cada uno de ellos consumada a través de sus películas al igual que la belleza estética dentro de sus obras, además de presentar historias universales a pesar de que estas tengan una pesada carga de la cultura oriental. De ese grupo hay nombres como Hou Hsiao-Hsien, Kim Ki Duk, Park Chang Wook, Zhang Yimou, Bong Joon-ho, Takeshi Kitano, Takeshi Miike y wong kar wai. Cada uno de ellos con estilos propios que los hacen parte de la historia contemporánea del cine y que han logrado que el mundo desde hace varios años voltee hacia la industria del cine de oriente para ver algo más que golpes y patadas.

Wong Kar Wai, el director de My blueberry nights, es un personaje dentro del cine moderno, consolidado por In the mood of love (2000), filme donde encontró el resultado de su fórmula para poder hablar como autor. Un estilo que desde As tears go by (1988) y Fallen angels (1995) había buscado. Y es que en el cine de Won Kar Wai sus historias se matizan por la carga emocional de los personajes y sobresalen escenas donde la música, los colores y sobre todo el tiempo es manipulado, al descender la velocidad de los fotogramas que regularmente vemos en un mismo tiempo. Básicamente para crear películas con una calidez que envuelvan al espectador.

Acerca de su nueva película, hay varios puntos a destacar. Uno de ellos, quizá el que más generaliza la película es la historia. Ya que en ella Wong kar wai consigue trasladar el lenguaje de su cine al mundo occidental sin forzar la película o alejándose de su emotividad como autor. En My blueberry nights una mujer joven se convierte en el hilo conductor de diferentes historias vinculas por el amor, incluyendo la historia de ella. Dramas humanos que van desde la soledad del dueño de una cafetería nocturna donde èl entabla relaciones afectuosas con las personas que frecuentan el lugar, quienes buscan alguien con quien hablar, hasta un bar donde un hombre manifiesta su frustración y decadencia por la incapacidad de olvidar a su ex esposa, así como el vicio del juego y el rencor de una mujer hacia su padre, revelado en un viaje por carretera a través del desierto. Lo que convierta a My blueberry nights en una buena obra cinematográfica con el sello del intimista Wong Kar Wai.

Rojo

B.

tv on the radio - modern romance

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Demonios
Director: Lamberto Bava
Año: 1985

Se sabe que los años 80 son considerados la década de una generación perdida o generación X. sin logros, ni adelantos, pero no se le debe juzgar porque la época actual donde la cultura de reciclaje (que llego demasiado tarde) nos enseña a reconsiderar lo que se hizo en el pasado y algunas veces hasta se copia creaciones de otros tiempos. Para muestra de ello tenemos las famosas películas Planet Terror (Robert Rodríguez, 2007) y Death Proof (Quentin Tarantino, 2007) que se basaron en formulas de películas de serie B. Categoría del cine de bajo presupuesto y poca calidad en su contenido. A pesar de considerárseles de esa forma fue en la década de los 80 que se filmo Demonios de Lamberto Bava, una película con toda la estética de serie B y la carga generacional de esa época.

Del director podemos decir que cuando la película llego a la ciudad de Tuxtla Gutiérrez no se sabía nada de él y actualmente son pocos los que han visto Demonios y reconocen al hijo de Mario Bava. Un cineasta que desde sus inicios se preocupo por demostrar en sus películas aspectos oscuros de la manera de ser de las generaciones que vio pasar, en piezas de cine de terror, además de un lenguaje visual que inspiro a directores como Darío Argento, quien es él guionista de Demonios y ayudo a Lamberto Bava a realizar Demonios.

Demonios quizá no es la película más reconocida por la crítica, pero si es la de más fácil acceso ya que podemos verla o bajarla de la red. El filme es sobre una función de cine. La premier de una película de terror de serie B en una grindhouse (sala de cine que expone películas las 24 hrs). En la sala los espectadores son un grupo de personas representativas de la diversidad que existe en cualquier sociedad, que van a ver una película en donde una mascara desata una maldición convirtiendo a las personas en bestias, en demonios. Evento que ocurre de forma similar en la película de Demonios, como si Lamberto Bava basara su obra en un siniestro Deja Vu.

La película de Lamberto Bava no solo es buena por desarrollar dos películas a la vez e incluso un homenaje a La Mascara del Demonio (1960, Mario Bava) uno de las obras representativas de su padre, también revalora el cine de serie B y se sale de las convenciones del cine de horror, reemplazando los típicos zombis por seres humanos convertidos en demonios, además de considerar a grupos de Heavy en la banda sonora del filme.

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Masters of Horror: El cuento de Haeckel
Director: John McNaughton
Año: 2006

La serie de cine para tv masters of horror tiene tres películas que vale la pena escribir sobre ellas. Debido al respeto de sus directores por el género, bien apegado a las historias que cada una de estas nos cuentan. El sonido, la ambientación, las actuaciones, la aparición de la sangre en momentos precisos y el guion. Para quienes ya vieron la serie completa, saben a cuales películas me refiero. Si ese no es el caso, entonces seria bueno que revisaran Burn cigarretes (John Carpenter), Imprent (Takeshi Miike) y The Haekel’s tale, siendo esta última de la que escribo hoy.

En Haeckel’s tale la historia contextualizada en el siglo XIX es sobre un estudiante de medicina, llamado Ernst Haeckel, un joven burgués que inspirado por métodos experimentales de resurrección, busca a partir de la ciencia crear vida después de la muerte. Una idea que nos recuerda a Frankestein. Sin embargo el guion nos revela que es una historia alterna y que su relación es, que el mismo Haeckel estudia los apuntes de un doctor del cual no revelan su nombre para realizar sus experimentos. Talves los apuntes del Dr. Frankestein.
Haeckel después de experimentos fallidos, encuentra a un nigromante que hace trucos de magia magníficos. Lo que lleva a Haeckel a pedirle que reviva a un ser muerto. El acto se lleva a cabo y Haeckel después de discutir los secretos de la vida y la muerte, se va de la ciudad sin poder encontrar las respuestas que busca. Ya que debe realizar un largo viaje a su antiguo hogar, porque su padre está agonizando y necesita verlo.
Una travesía que lo lleva por un sendero en donde se enfrenta a la experiencia de la muerte, como si los eventos ocurridos le trataran de advertir sobre sus obstinadas ideas.

La historia de la película hace un planteamiento sobre el respeto que se le debe dar a los seres que han fallecido y como el amor hacia estos en un concepto bizarro si no somos capaces de entender que tanto vida y muerte son parte del ciclo natural de los seres humanos. Una idea que es mejor ejemplificada a manera de horror sobrenatural y enfermedad patológica al final de Haeckel’s tale. Lo que hace doblemente valiosa a esta obra de cine de horror.

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La noche de los espíritus necrófagos
Director: Ed Wood
Año: 1959

La filmografía de Ed Wood es una dualidad de los principios para reseñar cine. Dicha dualidad es punto de discusión para quienes has visto los trabajos de Ed Wood. Por ejemplo; Un grupo de personas cree que Ed Wood es un genio incomprendido, con el fundamento de que la memoria histórica del cine lo recuerda como un ejemplo de goce para quienes aman el hacer cine; por otro parte hay quienes piensan que su trabajo desvaloriza y transforma en algo ridículo el cine, basándose en el hecho de que el séptimo arte es complejo y por lo tanto no se deben considerar las obras de Ed Wood, al menos no como las de alguien adelantado a su época.
Una discusión sin final, porque incluso cualquiera al integrarse al tema sobre el director y su trabajo, adopta determinada postura inclinada hacia un lado de la doble cara del cine de Ed Wood. Por lo tanto al ver una cinta de este director, más que definir donde hay que situar su filmografía, es indicado hacer una disertación partiendo de dos puntos a parte de su dualidad. El primero, es sus capacidad como director; el segundo su propuesta.

Para ello decidí de entre dos películas del director, escribir sobre la noche de los espíritus necrófagos. Filme donde se aborda el tema de la superstición y credulidad. En la cinta vemos la postura de un grupo de detectives y policías hacia los extraños e inexplicables sucesos de una haunted house y como estos elementos confunden a las personas cuando son creyentes del poder de los muertos. Además de que como en todo cine de autor, el director expone sus ideas y personalidad dentro de la historia de la película.

La noche… es un gran viaje al universo del director, debido a la narrativa de estilo anecdótico, el genero que es mas congruente (no como en plan 9 donde se flirtea entre la ficción y el horror), lo que lleva a una mejor condición para narrar la película; haciéndola transitar entre lo psicológico y paranormal, sin dejar atrás los brillos de genialidad que por momentos se encuentran en el guión.
Claro que si solo vemos esto diríamos que Ed Wood hizo un gran trabajo; pero tenemos que considerar las deficiencias técnicas, como la falta de creatividad para la dirección de arte y lo estático de su filmación, que a su vez nos lleva a momentos confusos de la narración. En resultado: una gran película. Sin embargo, no tan grande como alguna donde salga el santo enfrentando a un monstruo. Tomando en cuenta que el enmascarado de plata no dirigía sus películas, pero al igual que Ed Wood, son sus representaciones lo que buscamos ver en la pantalla.

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Dead and Breakfast

Director: Matthew Leutwyler

Año: 2004

Se puede decir que el cine de horror norteamericano tiene varios rostros que van desde películas de ese genero con gran presupuesto, las cuales regularmente son seriadas (es decir que incluso sabemos cual será el final de la película) y que llegan a los cines con la intención de que un montón de personas morbosas gasten su dinero, situación que no solamente ocurre con el cine de horror. Hasta otras que intentan generar una sensación lo más cercana al miedo. Aunque son pocas las que logran esa meta.

En ese camino del cine de horror (sin llegar a los ya mencionados extremos) hallamos películas que buscan su propia formula de reinventar el genero, añadiendo elementos independientes o inesperados dentro de ese tipo de cine. Uno de los ejemplos recientes es Dead and Breakfast.

Película sobre un grupo de amigos que deciden pasar la noche en el hostal de un típico pueblo norteamericano (conservador, racista y con habitantes a la defensiva). Y que al amanecer encuentran al dueño del lugar brutalmente asesinado, lo que se convierte en el detonador de la violencia y la sátira de toda la película.

Dead and Breakfast es un baño de sangre para los que gustan de la sangre en extremo, así como genera una atmosfera de comedia bastante disfrutable, por medio de un narrador que va cantando los hechos que ocurren en la película. Sin duda con la intención de transgredir la opresora y a veces mal lograda música, igual que las oscura narración de la mayoría de las películas del genero. A la vez que entrega una historia muy original, a pesar de tener que pasar por varios clichés del género, pero si careciera de ellos no fuera tan recomendable.

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METROPOLIS
Director: Rintaro
Año: 2002

Rintaro y Katsuhiro Otomo creador de la famosa AKIRAy reconocido dentro del manga, entregan en esta cinta una obra importante del género.
Nombrada de igual forma que la película de Fritz Lang, METROPOLIS es la historia sobre Tima un robot capaz de poder controlar a su voluntad todo armamento al que tenga acceso. Un robot que es el arma más poderosa, pero como cualquiera de su especie tiene un seguro, el cual la hace parecer un adolescente común. La historia se complica cuando el hijo del hombre que mando a crear a Tima, asesina y destruye el laboratorio donde esta se encuentra. Además de eso la historia crece al haber una lucha entre el empresario que busca el poder por medio del control de todo el armamento bélico y el político líder de la ciudad respaldado por las organizaciones militares; conflicto a que los ciudadanos se involucran en una batalla contra las maquinas, y por supuesto el vinculo cercano al amor que forma el joven detective que protege a Tima.

Lo que hace de METROPOLIS una película interesante en su narración ya que explota distintos eventos sociales dentro de una ciudad que es un bastión de la tecnología mas avanzada.
Otros elementos a resaltar y de los que se debe estar pendientes al ver la película son las ilustraciones. Las cuales con respecto a la figura humana, en METROPLIS son muy distintivas al conservar cierta empatía con lo infantil. Tal ves lo mas importante en ese rubro, sean los escenarios representativos de la animación japonesa y del futuro tecnológico promovido por su cultura, arte visual que sin el no habría película.

REPO! the genetic opera (Darren Lynn Bousman,2008)

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Control
Director: Anton Corbijn
Año: 2007
No existe en el cine un tema que se comprenda con tanta poesía como sucede con el suicidio. Ni siquiera los menos obsesionados con las películas, pueden decir que nunca vieron a una persona morir frente a sus ojos a través de una pantalla y no poder hacer nada.
Control es una película sobre el poético y desconcertante tema. En ella todos sabemos cual será el final de Ian Curtis (vocalista de Joy division). Así como aceptamos ese hecho en el pasado. Control nos da la razón; al narrar la vida de Ian Curtis, una con salida de emergencia.

La película esta basada en el libro de Deborah Curtis (viuda de Ian) y fue dirigida por Anton Corbijn, fotógrafo y videoasta de desde hace mucho tiempo de grupos como: depeche mode, nirvana, U2 y otros.
Su larga trayectoria en el mundo de la música, le es de gran ayuda ya que Control es su debut como director de un largometraje. Porque su experiencia le ha servido para conocer la conducta patológica de las estrellas del rock. Lo nos lleva a recordar el aspecto histriónico de Control.

Acertadamente la película fue filmada en blanco y negro, para introducirnos a un mundo supeditado por contrastes o como antítesis de los coloridos años 80 (época de expansión para la música comercial). Además la selección de la música nos advierte del talento de Joy Division para hacer rock, motivando a continuar escuchándolos. Elemento que junto a la historia hacen una buena película, capaz de acercarnos a una de las más incidentes historias del rock que ahora se una a otras bandas de ese genero como: The doors, pink Floyd y sex pistols. En ser bien trasladados a la pantalla grande.

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Kurt Cobain: sobre un hijo
Director: AJ Schnack
Año: 2007

“El 6 de abril de 1995 Kurt Cobain vocalista de la banda Nirvana fue encontrado en su casa en la ciudad de Seattle muerto por un disparo de escopeta en el rostro”. Recuerdo bien que era de mañana cuando lo decían y lo primero que pensé fue: nunca tendré la oportunidad de verlos en vivo.

La noticia causo conmoción en el mundo de la música porque Cobain para ese entonces se había convertido en un músico, compositor e interprete formidable. La música de Nirvana no abanderaba a una generación, se enfoco en cada adolescente, joven y adulto marginado por la sociedad. Formando un vinculo entre Nirvana y sus múltiples seguidores, a través de su música, que nunca se rompería y renovado constantemente al pasar los años, pues no hay época donde todas las personas se sientan adaptadas al mundo, siempre habrá seres humanos que por motivos emocionales y entornos sociales, estén desapegados y sean extraños al mundo. Situación que nada tiene que ver con el movimiento emo, porque me refiero a personas sin poses, modas y pertenencia a grupos sociales, además de que a quienes me refiero son cada día menos en número. Debido a eso Nirvana representado por su líder es una de las mejores bandas de música de la historia, estigmatizada por el frágil temperamento de su vocalista.

En el 2005 después de diez años de la muerte de K. Cobain, el director de cine Gus Van Sant, llevo al cine la vida de Cobain en un filme llamado Last days. Donde similar al titulo, la película supone narrar los últimos días de la vida de Kurt Cobain; en un tono de ficción, porque el personaje principal (el supuesto Cobain) en la película es llamado Blake.

Tres años y unos meses después, en la ciudad se exhibió otra película sobre el mítico personaje. El filme tiene como mayor logro: un guion que es la voz de Kurt Cobain, grabada para una entrevista dos años antes de su muerte. Así que a lo largo de 97 minutos de película, escuchamos la historia de Cobain contada por él mismo. Hecho histórico para quienes admiramos su música y nunca tuvimos la oportunidad de verlo en vivo; y que guardamos el deseo de que se hubiera alejado de todo, como lo expresa en la cinta, pero no de la forma en que lo hizo.

Kurt Cobain: sobre un hijo, no es una obra suprema del cine, sin embargo su emotividad, el soundtrack y las imágenes trabajadas sin pretensión que solo buscan acompañar las ideas de K. Cobain, la convierte en una obra que bien vale la pena revisar; se sea o no un paria, seguidor de nirvana o ambas cosas. Porque guste o no, es sobre un personaje universal que ha construido nuestra historia y son pocos quienes llevan durante su vida esa carga.

CHOKE (2008, Clark Gregg)

Componente

Tunel