Herramienta periferica

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12 monos
Director: Terry Gilliam
Año: 1995

Se dice que la historia de 12 monos tiene lugar en el pasado del cine. Aproximadamente 58 años nace y se expande un estilo de hacer cine en Francia, llamado Nouvelle vague. Forma de cine basada en contenidos simples, pero al hacer la traducción al séptimo arte; la vida común, la rutina, los dramas típicos de las personas son manifestados en un rango sutil y así no considerárseles exagerados y ficticios, y lo suficiente desprejuiciados sin caer en lo surrealista. La jettée (1962, Chris Marker) es una de tantas obras que llevan el sello de Nouvelle vague en la frente. Película de ficción o quizá cortometraje por su duración de 30 min. Considerada la idea central de donde Terry Gilliam se inspiro para hacer la cíclica y temperamental 12 monos. Aunque yo soy de la opinión de que habría que preguntarle, si así fue. Sobre todo porque el cine de este director hace corto con el delicado cine de la Nouvelle vague.
Si no me creen y nunca han visto películas de esta escuela francesa o del carácter de Terry Gilliam, solo piense en el contraste de los siguientes títulos:Hiroshima mon amour (1959, Resnais), los 400 golpes (1959, Truffaut), Dispara sobre el pianista (1960, Truffaut) por nombrar algunos y en cuanto a T. Gilliam: Las aventuras del Baron Munchausen (1989), Los ladrones del tiempo (1981), Brasil (1985). Sin embargo lo que pierde Gilliam en limpieza lo gana en el virtuosismo de crear piezas genuinas de fantasía, ficción y futurismo de reciclaje.

Respecto a 12 monos, la película nos acerca a un futuro probable de la Tierra. En un planeta contaminado por un virus que solo afecta al ser humano, dejando al resto de los animales como seres dominantes de la superficie, mientras que los humanos sobrevivientes viven en el subsuelo.
La teoría de los científicos del futuro es que un grupo ambientalista llamado 12 monos fueron quienes esparcieron el virus, por lo que con una maquina del tiempo bastante rudimentaria y con márgenes de error limítrofes envían agentes al pasado para detener al grupo de los 12 monos, antes de que el virus se propague. Uno de esos agentes, un paria, convicto es quien consigue hallar en su primer viaje al pasado evidencia de gran ayuda para remediar el futuro de la humanidad.

12 monos tiene esa visión artística de tipo bizarro y apocalíptico; aspecto característico del director. Las locaciones son siempre en un atardecer gris y la noche. En lugares descorazonados y sucios. Situación construida a propósito con el objetivo de hacernos parte de esa atmosfera decadente de las grandes ciudades en los años 90, cuando la civilización estaba ante el umbral de la tecnología de punta y la locura colectiva.
Además la historia y el guion nos prueban como espectadores. Porque exponen nuestra fragilidad como organismos vivos. Y teoriza sobre la soledad de los viajeros del tiempo. Condición a la que estamos sometidos cada vez que recordamos, sobre todo si nuestro entorno esta ambientado por música de Tom Waits y Astor Piazzolla.

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Underground
Emir kusturica
Año: 1995

Si hablamos de los directores destacados del cine moderno, son pocos los representantes de la región de los países bajos, pero a pesar de ello figuran en los más grandes festivales del mundo. Un ejemplo es Cristian Mungiu ganador de la palma de oro en Cannes del año 2007 con la película 4 meses, 3 semanas y 2 días. Hecho que en la actualidad quizá lo haga el más conocido, sin embargo si damos unos pasos hacia atrás y nos situamos al menos una década en el pasado encontramos el nombre de Emir Kusturica, cineasta y músico de origen serbio, también ganador de la palma de oro con Underground (1995). A pesar del galardón para algunos nuestro primer acercamiento al cine de Kusturica fue Tiempo de gitanos (1998) película que representa de forma irónica y folklórica la vida de las personas mas desprotegidas de la región yugoslava y además pone en evidencia lo indiferentes que son los países desarrollados en Europa con sus vecinos necesitados.

De vuelta a Underground esta es un largometraje que manifiesta la inconformidad del director hacia los ataques que ha sufrido la región de los Balcanes desde la segunda guerra, el inicio de una guerra civil y sus consecuencias sociales. La historia de Underground se centra en un hombre que utiliza a sus amigos y familiares para manufacturar y vender armas durante la segunda guerra. Negocio que extiende hasta el final de esta y el inicio de la guerra de Bosnia. Engañando a quienes confían en él y confinándolos a un sótano para que se mantengan ciegos ante lo que está pasando.

Emir Kusturica es transparente en su discurso, lo que convierte sus obras en cine de autor a pesar de que el término se haya confundido y sobrevalorado. Basta con citar ejemplos como rescatar o reutilizar archivos fílmicos para servirse de ellos y así contar una historia que seguramente al verse en el momento de su estreno o actualmente, despierta momentos históricos de la civilización moderna que no pueden quedarse atrás. A primera impresión parece que estoy hablando de una cinta pesada, sombría y difícil de ver, pero no es el caso porque el director tiene la habilidad de sacar provecho del guion y representar no solo el lado negativo de las personas y los hechos, también subraya lo positivo de su cultura tan pasional y semejante a la latinoamericana. En sus maneras de sacar provecho de las desgracias y mantener la esperanza. No así en su nacionalismo arraigado hasta la confusión, como señala E. Kusturica en Underground.

Martes como hoy

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El topo
Dirección: Alejandro Jodorowsky
Año: 1970

Hace unos meses una publicación en la red subió información sobre trece lecciones para hacer cine según Jodorowsky. Como renuente lector on line leí unas dos o tres lecciones y me quedo claro que Jodorowsky era un autor de cine para sí mismo. Con sus lecciones (después de leerlas todas) intenta no fomentar el hacer cine, él trata de explicarse como realizador y dejar en claro que las películas deben tener contenidos espirituales y físicos. Revelar el cine como una extensión de nosotros y la realidad que hemos creado. Otras versiones menos exaltadas y entre charlas me comentaban que Jodorowsky trabajó con el dibujante Moebius haciendo comics, confieso que me atrajo su versatilidad porque lo que yo sabía era que su producción artística se limitaba a la literatura. A pesar de tenerlo hasta en la sopa fue hasta el lunes pasado que vi el topo y comprobé su congruencia y visceralidad como autor, supongo que a veces va demasiado lejos y por eso el topo es una gran película, pero me deja con una nausea exagerada y sin ganas de volver a verla completamente. Y es que dicha película se divide en dos partes, aunque jodorowsky piense distinto si lee esta reseña.

La primera parte es un western con una sobresaliente ambientación de tono y ritmo que nos hace pensar que no vemos una película, su fluidez narrativa es similar a la de leer un libro. En una historia de la que tenemos una lectura en fotogramas por segundo sobre un pistolero que viaja con su hijo por el desierto y juntos encuentran un pueblo donde ocurrió una matanza. En ese punto el destino guía a padre e hijo a los múltiples asesinos de la gente de ese pueblo y hacia un futuro que los aísla; entonces la historia se centra en el pistolero demostrándonos que ese hombre es un ser excepcional, no solo dotado con la habilidad de manejar un arma, también iluminado espiritualmente. Sin embargo como cualquiera es corrompido por el poder y conocimiento.

La segunda mitad de la película se enfoca hacia la crítica social y lo hace de forma despiadada. La sociedad es presentada grotesca, mentirosa, llena de temores, perversa, insensible, un espejo de cuerpo completo. La película se satura de transgresión y se vuelve un escupitajo en el rostro del espectador, claro la historia no se pierde, seguimos con el personaje del pistolero que es rescatado por un grupo de personas en su mayoría con malformaciones físicas, hasta que despierta y sin poder quedarse ciego ante la injusticia y el desprecio que las personas del pueblo cometen al grupo de personas que lo rescataron, decide ayudarlos y tal vez de esa forma lograr absolución de sus actos en el pasado.

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Batman / The Dark Knight
Director: Christopher Nolan
Año: 2008

En la actualidad el universo de los comics ha evolucionado, al nivel de convertirse en el umbral de la literatura y la plástica para millones de personas. Desencadenando una euforia en las productoras de cine más poderosas que año con año apuestan por películas basadas en historietas. Circunstancia que en el pasado desearon algunos fans del comic. Una época en la que DC y Marvel comics dominaban el mercado adaptando las historias de sus personajes al mundo moderno, dejando atrás la manía de hacer héroes capitalistas y villanos socialistas. Lo que llevo a historias capaces de tocar a generaciones de lectores que nada tenían que ver con los “baby boombers”. Obviamente que con dicha reestructuración muchos personajes de DC y Marvel quedarían sin rumbo, circunstancia que llego a afectar mas a DC, al grado de que a Superman hasta lo tuvieron que matar. Mientras que otros se vieron favorecidos por el hecho de tener sus propios demonios y empezar una lucha contra ellos, en lugar de andar vendiendo banderas.

Hoy en día Batman y Spiderman son el referente no solo de los comics, también de las adaptaciones en el cine. Siendo sus películas las mejores a pesar de que ahora existan mas editoriales que se dedican a la industria de los comics y empiecen a construir sus propios mitos. Como es el caso de Hellboy de Dark Horse comics que en determinados asentamientos geográficos y sociales ha sido favorecido por el cine. Curiosamente las mejores películas de superhéroes de esos tres personajes han sido las segundas partes. Sin embargo Batman, The Dark Knight hasta el momento supera ha cualquier película basada en un comic. Batman, The Dark Knight es un homenaje en cine al comic y una reivindicación con los cercanos seguidores del universo del hombre murciélago, así como un despertar para aquellos que ya vieron la película y no han leído: The Dark Knight Returns, Arkham Asylum y The Killing Joke.

En esta segunda entrega la visión de Christopher Nolan nos lleva a un Batman confrontado, en la cuerda floja por así decirlo. Un antihéroe que ha perdido su mayor ventaja sobre los criminales de Ciudad Gótica. El miedo infundido por él ya no es el mismo. Con la llegada del Joker, queda expuesto como alguien limitado a las reglas y en un momento de la película sin motivos para seguir siendo el caballero de la noche. Además la ciudad encuentra en el fiscal Harvey Dent a un nuevo héroe que por una cara esta acatado a la constitución, él es el personaje que Gótica necesita, un funcionario publico con la fuerza necesaria para destruir el índice criminal de la ciudad, quien aliado a el comisionado James Gordon y Batman forman un martillo en contra de la mafia. Criminales que encuentran como única solución al hombre de la sonrisa eterna, el rey payaso del crimen. Un villano elocuente que a través de la película adquiere ese carácter mítico que en los comics es evidente. Su propósito el caos, las cosas sencillas de la vida, la dinamita, la pólvora y los cuchillos. Un acierto del guión, porque cada vez que el Joker se define, ayuda a definir a los otros personajes y que no se diga más.

House of Cards / radiohead

I don't wanna be your friend
I just wanna be your lover
No matter how it ends
No matter how it starts

Forget about your house of cards
And I'll do mine
Forget about your house of cards
And I'll do mine

Fall off the table,
And get swept under
Denial, denial

The infrastructure will collapse
From carpet spikes
Throw your keys in the bowl
Kiss your husband 'good night'

Forget about your house of cards
And I'll do mine
Forget about your house of cards
And I'll do mine

Fall off the table,
And get swept under

Denial, denial
Denial, denial

Your ears are burning
Denial, denial
Your ears should be burning
Denial, denial

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La ex mujer de mi vida
Director: Josiane Balasko
Año: 2005

Decidí hacer la reseña de esta película de manufactura francesa simplemente porque es mejor otras del mismo país que vi en las últimas semanas y de las cuales esperaba más. Una de esas películas es la escafandra y la mariposa (Julian Schnabel, 2007) ganadora en el festival de Cannes y adulada por muchos, pero para mi es una película que reutiliza el tema del hombre ante la adversidad de una enfermad, lo único nuevo es una enfermedad distinta a otras películas como mi Pie izquierdo (Jim Sheridan, 1989) o Despertares (Penny Marshall, 1990) que para mala fortuna de los franceses son producciones de Hollywood. También la vendían diciendo que contenía imágenes sublimes, pero no es cierto, las imágenes están bonitas y punto, además se dan en momentos muy esporádicos. Para eso, es mejor ver toda la serie de Planeta Tierra realizada por la BBC. La otra cinta francesa es À l'intérieur (Alexandre Bustillo, 2007) película de género gore que desde el inicio promete ser repetitiva, sin imaginación y solo se puede rescatar la fotografía.

Sin embargo una industria que produce alrededor de 200 películas al año regularmente tiene varias cosas agradables de que hablar, como es el caso de la ex mujer de mi vida. Película de comedia que nos narra la vida de un escritor de cuentos de terror y fantasía que se reencuentra con su ex esposa. Situación que se vuelve complicada debido a que ella está embarazada y él se ve obligado a cuidarla a pesar de que aparentemente la detesta y estar comprometido con otra mujer.
La historia tiene un ritmo preciso y estable, aderezada por circunstancias que tratan de identificarse con el espectador, llena de personajes ridículos y a la vez enternecedores, además profundiza en las relaciones significativas de las personas, lo que lleva a una narrativa inteligente y sin prejuicios. Una película sencilla, sin mayores pretensiones y emocionalmente sincera.

Into my arms / Nick Cave

I don't believe in an interventionist God
But I know, darling, that you do
But if I did I would kneel down and ask Him
Not to intervene when it came to you
Not to touch a hair on your head
To leave you as you are
And if He felt He had to direct you
Then direct you into my arms
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my arms
And I don't believe in the existence of angels
But looking at you I wonder if that's true
But if I did I would summon them together
And ask them to watch over you
To each burn a candle for you
To make bright and clear your path
And to walk, like Christ, in grace and love
And guide you into my arms
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my armsAnd I believe in Love
And I know that you do too
And I believe in some kind of path
That we can walk down, me and you
So keep your candlew burning
And make her journey bright and pure
That she will keep returning
Always and evermore
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my arms

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Wall- E
Director: Andrew Stanton
Año: 2008

Primero; esto es animación por computadora y como tal, es el género más joven que existe en el cine. Entonces sí esta claro qué estamos viendo, es fácil entender la libertad creativa y las bases cinematográficas de la animación. Un género que al respetar esa necesidad de ir hacia lo inexplorado y a su vez lo fundamenta con el cine, se convierte en Wall – E.

La historia de Wall – E nace de los cerebritos que trabajan en las industrias Pixar, empresa que utiliza la tecnología en pro de la humanidad, si no me creen pueden revisar The incredibles (Brad Bird, 2004) y Ratatouille (Brad Bird, 2007 ). Wall – E es un robot abandonado en la Tierra que está programado para recolectar y organizar la basura y así ha sido durante 700 años con respecto a la línea del tiempo en la película. En un planeta donde ni un organismo vivo puede sobrevivir y los humanos han escapado al espacio, dejando un paisaje árido y desolado de lo que antes fue un edén. Es ahí donde este robot acumula basura y recuerdos albergando la esperanza de encontrar una compañera. Situación que puede sonarles descabellada, si así es: vuelvan al primer párrafo de esta reseña.

Evidentemente esta película es pura enseñanza a partir de imágenes y circunstancias que se narran de manera emotiva. En Wall-E se representa el ideal del amor, sentimiento que el robot aprende por medio del cine. Justo como aprenden de las emociones las personas sensibles y solitarias. Observando y racionalizando: la imagen y el movimiento. También vemos durante la primera parte de la película lo que es un homenaje al cine mudo, en escenas que rinden culto más que nada a la comedia silente. Hasta llevarnos a un viaje a la belleza del universo desconocido, hacia aquello que sólo podríamos ver por la magia del cine o nuestra imaginación. Ejemplo de ello son los ojos de Wall – E que reflejan una constelación de gases que emiten colores purpura o para no ir tan lejos la expulsión de una llamarada de plasma solar. Sin olvidarnos de la realidad de los estragos que puede causarle a la humanidad el consumo en masa y la dependencia a las maquinas (temas que también son expuestos en la película); así como la voluntad del ser humano por vivir.

La dinámica de Saturno

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Crónica de un desayuno
Director: Benjamín Cann
Año: 1999

La cinematografía en México durante las últimas cuatro o cinco décadas, no puede mencionar un número amplio de películas de calidad. Porque la industria del cine no existe y los proyectos para películas son captados por empresas que tienen como misión dos cosas: desarrollar cine que no entiende nadie y películas facilistas cuyo objetivo es ganar dinero. Por eso encontrar un producto de calidad es muy difícil y trompicado, lo positivo es que hay material rescatable. Ajeno a esta circunstancia, pero vinculado al cine, hallamos que en este país la vía donde transita el arte fílmico de calidad en una mayor cantidad es en el cortometraje. Probablemente porque el proceso de producción es mas arriesgado y esquiva procesos burocráticos. Regresando a las películas si tomamos otras alternativas como herramienta de búsqueda, descubrimos junto a otras, crónica de un desayuno.

Una película que nos entrega una mirada al núcleo familiar, a partir de una familia disfuncional que habita en la ciudad de México, en unos de tantos edificios viejos, donde se fraguan historias de forma paralela. La película inicia una noche antes, con la llegada de un hombre al departamento donde vive su esposa e hijos y el cruce con otro personaje que es parte de una historia diferente. Al amanecer los personajes van apareciendo y con ellos su frustración, rencor, imaginación, amor y adicciones. Entonces vemos el espíritu de la película que tiende hacia lo experimental utilizando recursos cinematográficos de un corte distinto al cine mexicano, por ejemplo: la gama de texturas, la iluminación, el guion, la vigencia de la historia y las proporciones o películas dentro de la película que escapan de lo acostumbrado. Quizá una excelente filme si le hubieran quitado unos cuantos grados de pretensión. Que a final de cuentas es de lo que regularmente sufre el cine experimental.

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Inland Empire
Director: David Lynch
Año: 2006

Ver el cine a través de la visión de David Lynch es entrar a un laberinto. Su perfección cinematográfica y transgresión narrativa, para algunos es un dolor cabeza. Debido a eso cuando nos disponemos a ver cualquiera de sus trabajos tenemos que tomar en cuenta lo siguiente: no somos espectadores, en un descuido, un parpadeo, nos convertimos en parte de la creación cinematográfica. Así que si te sales del cine o apagas el Dvd la película no termina ahí. El tiempo es consciente e igual que cualquier ser vivo busca la satisfacción individual, que llega a conseguir al hacer su voluntad. ¿Un constante deja vu?, ¿La intersección de dos dimensiones?, ¿La pesadilla de la que nunca nos despertamos? Las carreteras, cuartos vacios, corredores, luces opacas, esquinas ocultas y personajes lascivos, son los constructores de las historias de Lynch. Y por supuesto la similitud visual con los grabados de Escher.

Inland Empire es el trabajo más nuevo de David Lynch y para algunos la entrada sencilla al universo del director. Una idea centralista y nerd; porque desde el punto de vista del imaginario colectivo de las personas del sur de el país, lo único importante de sus películas es la naturaleza perfecta de cada una de las escenas en sus obras, así que no necesitamos revisar toda su biografía y aprendérnosla de memoria. Supongo que es suficiente con ver Inland Empire o cualquier otro de sus filmes para notar que estamos haciendo referencia a un estilo de hacer cine que experimenta constantemente y sin temores. Lo que nos lleva a películas de una calidad única por la simple razón de respetar al cine como un arte representativo del mundo de los recuerdos más oscuros y los sueños.

En Inland Empire, una actriz consigue el papel de su vida, el que la llevara un éxito lejos del que alguna vez creyó. Fama y reconocimiento que llega en una época perfecta. La película se va convirtiendo en su vida y esta a su vez se transforma en una película. Así vamos descubriendo en alrededor de 140 minutos el estrellato y descenso de una actriz que se pierde en la línea del tiempo de su vida, en memorias presentadas de manera aleatoria y esquizofrénica.

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2 perdidos en la noche

Director: José Joffily

Año: 2002

Dos perdidos en la noche nos invita a observar las entrañas de dos emigrantes. Por un lado Paco, un hombre mayor que recientemente llega a Nueva York donde se encuentra con los mismos problemas que cualquier emigrante ilegal: empleos en los que su dignidad no es considerada, porque así es la vida de los emigrantes más desamparados, quienes las situaciones sociales de su país no otorga una posibilidad de tener una solvencia suficiente y tienen como única oportunidad ir a Estados Unidos, pero a cambio de convertirse en personas errantes consumidos por un sistema político. Y del otro lado Tohno que distinta a Paco elige olvidarse de si misma y convertirse en parte de esa maquinaria de intercambio de dinero: vendiendo placeres sexuales con hombres que piensan que es un niño.

Una mañana paco encuentra a Tonho en compañía de otro hombre, en los servicios del lugar donde trabaja como intendente. De esta forma comienza una bizarra amistad. Mientras ella pueda prostituirse en esos baños sin que nadie la moleste, le da a Paco su compañía, un lugar donde quedarse y dinero. Sin embargo él empieza a ser utilizado y denigrado por ella, igualmente o peor de lo que lo han tratado las personas en esa ciudad.

El discurso de la película en una idea simple, pero acertada sobre la desigualdad que existe y el valor tan alto que se ha llegado a otorgar al poder adquisitivo mayor que la amistad y el amor. Consumiéndonos por el deseo monetario que nos vuelve capaces de disparar por la espalda, desde lejos e incluso a nosotros mismos.

Liv Ullman en persona de Ingmar Bergman

Dices: "Iré hacia otra tierra, hacia otro mar
y una ciudad mejor con certeza hallaré.
Pues cada esfuerzo mío está aquí condenado,
y muere mi corazón
lo mismo que mis pensamientos en esta desolada languidez.
Donde vuelvo mis ojos sólo veo
las oscuras ruinas de mi vida
y los muchos años que aquí pasé o destruí".
No hallarás otra tierra ni otro mar.
La ciudad irá en ti siempre. Volverás
a las mismas calles. Y en los mismos suburbios llegará tu vejez;
en la misma casa encanecerás.
Pues la ciudad es siempre la misma. Otra no busques - no la hay-
ni caminos ni barco para ti.
La vida que aquí perdiste
la has destruido en toda la tierra.

Constantino Cavafis

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Blood Trails
Director: Robert Krause
Año: 2006

Las películas de horror y suspenso tienen como objetivo común tocar a al espectador, halarlo hacia el fenómeno que ocurre dentro del filme y hacer sentir que podríamos ser presa de uno de tantos demonios que asolan nuestro mundo, sean humanos o no. Una formula simple que si se lleva a cabo de forma precisa, la película a pesar de tener cabos sueltos (porque así es el cine de este género) se debe considerar altamente recomendable.

Sendero de sangre es un caso especial. Porque a pesar de ser cine de género se salta un par de aspectos que son pieza fundamental del terror y suspenso, para darle paso a un miedo singular, emocional y mucho más apegado al espectador que el probable hecho de ser atacado por alguien o algo, al dar la vuelta en la esquina de la calle.
Dicho factor que a esta película no le importa es el dar a conocer el rostro del personaje que infringirá sobre el sujeto principal de la película, el miedo. El despojo de la máscara para que de esta manera la identidad que tanto se oculta en el típico suspenso gringo, se deje atrás. El segundo aspecto es que dado las circunstancias y la historia de la película, existe el deseo de que todos merezcan morir, nadie es inocente.

Y el guion de la película sustenta lo que digo, ya que el personaje principal después de tener un affaire con un desconocido decide retomar el curso de su relación amorosa con su novio (Michael, que evidentemente siente amor por ella), lo que sigue es que el hombre con quien lo engaño, asesina frente a los ojos de ella a Michael. Provocando una persecución a través de un camino de montaña, en el que ella lucha por sobrevivir al asesino y al sentimiento de culpa. Todo a través de una fría textura visual que nos indica que nuestro mayor miedo es generado por nosotros mismos.

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Fahrenheit 451
Director: Francois Truffaut
Año: 1966

En contadas ocasiones hemos sido testigos de obras de la literatura llevadas a la pantalla grande. Regularmente están no tienen el éxito esperado, algunas veces porque el guion no tiene la solidez suficiente para representar en el formato de cine el contenido de la obra literaria o simplemente buscan rehacer la historia que nos cuenta el libro. El resultado final, un buen libro convertido en una sufrida película.

Fahrenheit 451 no es tal caso, esta película es de las que debe estar sobre el podio de filmes basados en libros que alcanzan esa sinceridad de no querer superar el libro, sino de servir como homenaje a la obra literaria que están transformando en cine.
No estoy seguro si todos los directores y guionistas leen el libro de donde basaran su trabajo, pero sin duda Truffaut lo hizo. Porque Fahrenheit, la película, trata sobre un futuro donde los bomberos se dedican a crear incendios, no a contenerlos, de un bombero que a través de eventos humanos, como encontrarse con una mujer disidente, que le ayuda a redescubrir el conocimiento por medio de otros seres (libros y personajes que los escribieron) lo hacen recobrar la razón e ir en contra de la ignorancia y represión de esa época. Y Fahrenheit, el libro de Ray Bradbury es sobre lo mismo, pero más detallado, y también más hermoso.

Olvidándonos de la literatura por un momento. Acerca del contenido de la película es necesario resaltar el arte visual que se maneja, ya que es muy sencillo, pero atinado. De diálogos y actuaciones que nos remiten a un tiempo y espacio distinto. Con vestuarios estilizados, tecnologías vanguardistas y personajes con temperamentos sombríos, esquematizados, sin emociones, repulsivos a la naturaleza, justamente a lo que nuestra civilización le está apostando. Lo que nos lleva a pensar que vemos una película original del género de ciencia ficción. Si a eso le agregamos la buena adaptación que hizo F. Truffaut del libro de Bradbury, no encuentro más que decir.

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Videodreome
Director: David Cronenberg
Año: 1983

David Cronenberg es un cineasta que nos ha acostumbrado a películas de un corte oscuro, bizarro y atinado en los temas expuestos en sus obras. Lógicamente para quienes no hemos visto Eastern promises (David Cronenberg, 2007) el reciente trabajo de este director, debemos conformarnos con escribir un poco de la película más importante de su filmografía: videodrome. Película que desde un tono critico demuestra la alienación a la que puede llevarnos la tv, el arma mediática mas común y a la que todos somos susceptibles.

La sinopsis es sobre una persona que trabaja para una cadena televisiva, donde los programas tienen contenidos para adultos. Este personaje cansado de ver siempre lo mismo encuentra un programa (videodrome) con temas sádicos y sexuales que le llaman la atención; hecho que lo lleva a involucrarse con videodrome hasta descubrir que el programa rebasa las barreras de la televisión incidiendo en la realidad y en las mentes de quienes lo ven.

De los aspectos destacados de videodrome hallamos la apertura que el director le da a temas que dentro del cine comercial se habían tratado pocas veces, por mencionar algunos: el genero snuff, la denuncia hacia lo negativo de la televisión y la manipulación que ejercen los medios de comunicación sobre las personas. Fuera de las ideas planteadas en la película, existe la tensión a la que esta expuesto el personaje a partir de que ve videodrome; el juego mental del que es presa, donde su realidad es alterada, hasta convertirlo en parte de un sistema que remite al surrealismo y de inmediato nos hace pensar en el mundo virtual.

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Speaking parts
Director: Atom Egoyan
Año: 1989

Speaking parts es el tercer largometraje de Atom Egoyan y en el este director de origen canadiense que se ha dedicado a realizar trabajos que regularmente tienen mensajes de tipo social, a partir de los individuos en sus películas. Nos entrega una obra fílmica de carácter experimental, pero apegado a las características narrativas que a través de cintas como Exótica (1994) y Ararat (2002) nos ejemplifica su manera de contar el cine. Citando ejemplos mas certeros debo mencionar la tensión que los personajes en las películas de Atom Egoyan traducen emocionalmente a partir de decisiones a las que se ven sometidos, como si la historia en la que están involucrados fuese una dictadura. Cine que rebasa la barrera de los sueños, llevándonos a entender ideas más que imágenes. Además de la facultad de hacernos ver en sus cintas hacia el pasado de la historia que se esta narrando, cuyo objetivo es involucrar al espectador en historias con contenido.

En Speaking parts una mujer joven que trabaja en un hotel se obsesiona con uno de sus compañeros de trabajo, quien es un aspirante a actor. Ella como devota fanática, todas las noches renta una cinta donde el aparece brevemente. Esto la lleva a una inevitable amistad con el hombre que atiende el videoclub al que siempre llega. Un hombre que se dedica a filmar fiestas y que se ha sumergido en un proyecto que va más allá que solo filmar lo que ocurre en los eventos a los que asiste. Por otra parte el aspirante actor esta atrapado en un trabajo extra, el de prostituirse con determinadas mujeres que llegan al hotel.

Al ver la película esta va transformándose, adquiriendo una personalidad que es el resultado de un experimento humano llevado a la pantalla. Quizá de manera consciente el director va guiando la historia hacia la confrontación, entre la vida de los personajes y el objeto al que de forma afectuosa han ido acercándose; en este caso las imágenes que se muestran por medio de una cámara. Y es que en un principio la historia de Speaking parts parece influida por una generación sin rumbo que se dejo llevar por ideologías de plástico, pero al avanzar esta se convierte en un filme decadente y depresivo; hasta que al final todo se revierte debido a que los personajes toman por si mismos el control de la película, revelándose contra ese distanciamiento entre la realidad y la realidad grabada, editada, copiada, transmitida a partir de la cámara y la pantalla.

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Mujer en la luna
Director: Fritz Lang
Año: 1929

Sin titubeos puedo decir que Fritz Lang fue el mayor visionario del cine del siglo pasado. Quizá influido por relatos de grandes escritores de ciencia ficción como Julio Verne y H. G. Wells. No es equivocado decir que el género conocido como ciencia ficción, dentro del cine, fue inaugurado por este director Alemán, que perteneció al cine expresionista alemán, estableció el arte y los temas de un estilo de hacer cine que actualmente es de los de mayor producción en la industria fílmica.
Es bien conocido su trabajo en Metrópolis, película que hoy día es un referente del cine por su historia que establece un discurso que se mantiene vigente, sobre el ser humano desplazado por las maquinas y obligado a vivir en una sociedad distópica. Sin embargo esta revisión corresponde a otra de sus obras del cine silente: Mujer en la luna.

La historia principal de la película se trata de un científico que ha sido el mayor astrónomo de la historia pero que ha envejecido y sus ideas se han vuelto el hazmerreir de la comunidad científica, concretamente aquella que defiende sobre la posibilidad de que la luna albergue minas de oro. Perdido en la miseria y entregado a su búsqueda, su único amigo un hombre respetado lo ayuda llevándole comida y hablando con él para que no sea consumido por su ideal. El hombre de ciencia seguro de que un grupo de ideología que nos remite un poco al nacional socialismo quiere robarle sus investigaciones, decide entregarle a su amigo todas sus anotaciones, pero estas son robadas del auto de su amigo. Situación que es el detonador para que la trayectoria de la película nos lleve a imágenes históricas del cine. El mayor ejemplo, el lanzamiento de un cohete espacial que se dirige a nuestro satélite natural.

Pero antes de que ocurra ese evento de tal magnitud, Mujer en la luna añade mas elementos a su trama que nada tienen que ver con la ciencia ficción, pero si con la humanidad misma, con ello me refiero a los lazos de amistad que se crean entre los personajes y el vinculo romántico entre dos de sus personajes tan sobresaliente e importante que la película depende de ellos. Porque este film al igual que Metrópolis defiende que ideales como el amor y la libertad son los que nos pueden salvar del orden industrial y lideres megalómanos de la sociedad. Sentimientos ambiguos que son reflejados en la película, similares al hecho de que la luna este llena de oro y tenga atmosfera. Pero que nos ayudan a definir a los personajes entre buenos y malos, y sus diferentes deseos.